En Radio Centro Miami tenemos la mejor selección de programas radiales de la buena musica de antaño.
InstrumeMusica Instrumental De modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los instrumentos ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz equivalente: así, por ejemplo, se crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos de varias tallas, y un proceso semejante siguen instrumentos de cuerda como las violas da gamba, de metal como los sacabuches o de madera como las chirimías. Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la presencia regular de ministriles (flautas, cornettos, sacabuches, chirimías y bajones) en las catedrales ibéricas del siglo XVI. Además, mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela. Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados. Frecuentemente esos músicos amateur (e incluso muchos profesionales) eran incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que la música instrumental solía escribirse en un sistema de escritura peculiar para cada instrumento, llamado tablatura: hay así tablaturas renacentistas específicas para tecla, laúd, arpa, vihuela, etc. El laúd, derivado del al'ud medieval, se convirtió pronto en el instrumento doméstico solista más popular en Europa. De diversos tamaños y forma de pera, se fabricaba con gran diversidad de materiales, tratados con extrema exquisitez artesanal. Tenía una cuerda simple y cinco dobles y el clavijero vuelto hacia atrás; permitía ejecutar acordes, melodías, escalas y gran número de ornamentos, y se utilizaba como instrumento solista, con el canto y en conjuntos de cámara. La vihuela de mano fue su equivalente español. La relativa escasez de fuentes de música específicamente instrumental (por comparación con la abundancia de fuentes vocales, y especialmente considerando el siglo XV) no debe llevar a la errónea conclusión de que su uso fuera poco habitual o su nivel técnico bajo: los primeros tratados de enseñanza de cada instrumento (como los que dedican Ganassi a la flauta de pico y Diego Ortiz a la viola da gamba) denotan un muy alto nivel técnico y musical; sin embargo, la técnica instrumental solía transmitirse oralmente y su música específica era raramente escrita: era habitual la improvisación, fuese directa o sobre material vocal preexistente (disminución). Gracias a los tratados de la época se conocen, también, problemas de afinación, de altura, temperamento u ornamentación. Uno de los primeros libros de este tema aparecidos fue el Musica getutscht und ausgezogen (Resumen de la música en alemán), obra de Sebastian Virdung de 1511. Las principales formas instrumentales de la época fueron: • Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, fantasía solo para romanticos
La historia de la música cubana es un vasto, intrigante, dinámico, fascinante, sugestivo, excitante y a menudo avasallador fresco. De sus nebulosos orígenes al reconocimiento universal de que goza hoy en día, la música cubana ha crecido en estatura y sus aspectos folklóricos y populares han influenciado progresivamente el modo de hacer música de otras culturas. Tras sus inicios a mediados del siglo dieciocho, y su formalización y desarrollo durante el diecinueve, la música cubana literalmente explota con gran fuerza en la escena internacional durante la década que va de 1920 a 1930. Como en el caso de la música de otros países, la música cubana exhibe claramente dos caras de una misma moneda: una formada por elementos folklóricos y formas de expresión populares (que se transforman luego en comerciales), y otra, más abstracta y compleja, dentro de la cual algunos compositores cubanos han recorrido la difícil ruta de la música de arte. Esta última forma o manera de comunicación, llamada también música clásica, música erudita, música culta, música seria, o música de concierto, es la menos reconocida en el mercado internacional, y por su falta de exposición y por su innata complejidad ha sido casi totalmente ignorada por los propios cubanos, del escritor al obrero, del político al industrial, de las clases pudientes a las pobres, de historiadores a ávidos amantes de la música popular. Como usualmente ocurre con los países que poseen un rico y variado folklore -los cuales consecuentemente son voraces productores de canciones populares y de música bailable- la música popular cubana, de muchas maneras y por caminos distintos, ha opacado en gran medida a la música cubana de arte. Las primeras composiciones realmente creadas en suelo cubano, como lo son las obras de Esteban Salas (1725-1803) o de Juan París (1759-1845), son de carácter litúrgico y vocal, a las que se añaden algunos ejemplos de música sinfónica y de cámara de tipo simplista. Se trata, claro, de una música totalmente enraizada en las tradiciones musicales europeas, que va de dosis pequeñas de formas polifónicas derivadas de Palestrina, Orlando di Lasso, Victoria o Handel, a numerosos ejemplos homofónicos que toman como ejemplo a Haydn y a Telemann. Hay que esperar hasta los albores del siglo diecinueve para encontrar finalmente las primeras expresiones de una música que suena diferente a los modelos europeos, primordialmente en lo que se refiere a los aspectos rítmicos. De la contradanza "San Pascual Bailón" (anónima, 1803) a las contradanzas de Manuel Saumell (1817-1870), que vienen a ser los primeros acentos, a veces exquisitos, de una música verdaderamente cubana, un modo de sonar realmente autóctono toma cuerpo en pocos años. A partir de este momento y de este desarrollo, la fertilidad y la influencia de la música cubana estarán aseguradas. La riqueza de la música cubana, principalmente en lo que se refiere al color instrumental y a la opulencia poderosa de sus patrones rítmicos, la hace contagiosa. Históricamente, muchas injusticias, inexactitudes y omisiones han sido cometidas en lo tocante al reconocimiento de la gran influencia que ha ejercido la música cubana en el desarrollo de la música de los Estados Unidos. Por ejemplo, olvidándose de que las proto-formas del ragtime fueron traídas a Norteamérica desde el Caribe por el compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk (1829-1869), quien las introdujo por Nueva Orleans, muchos no reconocen y meramente ignoran la extensa influencia de la música cubana en el desarrollo del jazz, y a menudo las fórmulas rítmicas afro-cubanas son errónea y maliciosamente clasificadas como giros puramente jazzísticos. Durante las décadas de 1920, 1930 y 1940, el bolero cubano, el son, la rumba y la conga viajaron por el mundo entero, a menudo como fórmulas comercializadas de tipo barato y vulgar promovidas por Hollywood y por las casas editoras norteamericanas, que producían de contínuo cantidades astronómicas de música bailable para un público creciente e insaciable. Del lado positivo, sin embargo, está el hecho de que compositores estadounidenses de la talla de Aaron Copland o de Leonard Bernstein, pasando por Gershwin, escribieron obras basadas en los diseños rítmicos del danzón y de la rumba. La música cubana en la obra del pintor Cundo Bermúdez. La música cubana en la obra del gran pintor Cundo Bermúdez. La música cubana nace de una amalgama de las fórmulas del folklore musical español y de los ritmos africanos, éstos últimos traídos a Cuba por los esclavos negros. Una mínima influencia francesa -consistente principalmente en modelos basados en las danzas de Rameau- apareció en Santiago de Cuba trasladada por esclavos hatianos y por terratenientes franceses que habían huido a la parte oriental de Cuba tras las insurrecciones en Haití, pero pronto se diluyó y despareció, no dejando casi huella. La riqueza fenomenal del folklore español, mezclada con el vigor de la música africana, creó velozmente una exhuberante y explosiva urdimbre musical. Si bien desde el punto de vista de la armonía y de la forma la música cubana no ha inventado nada original, melódica y rítmicamente ha producido una colección asombrosa de procedimientos de fácil identificación, los cuales, como se ha apuntado anteriormente, se han paseado por el mundo entero.
LAS “VITROLAS” EN CUBA Y EL ENCANTO DE COMPARTIR SOCIALMENTE UNA MISMA MELODIA. Aunque algunos le llamaban vitrola, sin C, lo que era un error porque la palabra procedía de la R.C.A. Víctor, no es ésta la razón fundamental de esta publicación, sino su presencia indiscutible en nuestros recuerdos y su importancia como promotor de muchos de nuestros mejores cantantes. que a ella debieron su popularidad. A finales de los años 50s había más de 20,000 victrolas en la Isla. Alrededor de 1905, la R.C.A. Victor, (discográfica fundada en 1901 y que actualmente está fusionada con Sony Music Entertainment) comenzó a experimentar la idea de hacer más aceptables los gramófonos, de hacerlos parecer más una pieza de mobiliario en lugar de una pieza de maquinaria. La solución fue cambiar de lugar la trompeta amplificadora y plegarla dentro de un gabinete alto, con tapa en la parte superior y puertas en el frente, que además de ocultar la trompeta, servían como un crudo control de volumen. La idea fue rápidamente patentada y llamada “victrola”. rockola Este término se convertiría popularmente en genérico para referirse a cualquier tipo de gramófono y de cualquier marca. Pero en esta publicación nos referiremos específicamente a las que proliferaban en muchos bares y cafeterías de nuestra isla y que funcionaban al introducir una moneda de cinco centavos – un medio -en la ranura que existía al efecto, y al presionar después la tecla junto al nombre del número musical, se podía disfrutar, para el deleite de todos, la música seleccionada. En inglés, al menos hace más de cincuenta años, era: “juke box”. ¿Algunos recuerdan la canción de los Cinco Latinos? De “juke”, establecimiento pequeño, donde se tomaba refrescos o bebidas alcohólicas, en cafeterías, en bares, y se escuchaba la música de esa caja reproductora “box”. Pronto se extendió el invento por los establecimientos comerciales y ya en la década de los años 40, y tal vez desde finales de la precedente, desempeñó un importante papel en la difusión y comercialización de la música popular. Prodigaba, a toda hora, la guaracha de moda o el bolero más quejumbroso. Ya en 1954 había unas 10 000 victrolas en la Isla, y en 1959 el doble de esa cifra, aunque sus operadores tenían declaradas solo 8 000 a fin de burlar los derechos de autores e intérpretes. images (3) Lo cierto es que la victrola constituyó un símbolo de cultura popular y una de sus más significativas vías de expresión. Para tener una idea de su relevancia, baste con decir que dichos artefactos obraron como decisivos voceros de la música popular, manifestación que posee un peso gigantesco dentro del espectro cultural cubano. Durante un tiempo los cantantes cubanos, fichados por los representantes de casas disqueras norteamericanas, debieron ir a grabar a Nueva York o New Jersey, hasta que la “Víctor” empezó a enviar equipos de grabadores dos veces al año. Esa casa disquera pierde su hegemonía alrededor de 1950, cuando firmas cubanas empezaron a hacerle una competencia de peso. Las victrolas también demandaban nuestra música y muchos emprendedores no se demoraron en producirla. Ya en 1944 había surgido el sello cubano “Panart”, que diez años después producía medio millón de discos anuales y exportaba el 20 por ciento de estos. En 1952 se funda el sello “Puchito”, y a partir del año siguiente la casa disquera “Montilla Internacional” logra un amplio catálogo de zarzuelas cubanas. Surgen también los sellos “Gema”, de los hermanos Álvarez Guedes, y “Rosell Récord”, de Rosendo Rosell, y, entre otros más “Discuba”, “Kubaney”, “Velvet” y “Maipe”. Todas cubanas. Customers-by-the-jukebox-007-300x180 A través de sus grabaciones, estas casas disqueras lograron éxitos indiscutible que hoy son gloria de nuestra música como: “Amor fugaz” (Benny Moré), “Los aretes de la luna” (Vicentico Valdés), “Imágenes” (Frank Domínguez), “En la imaginación” y “Deja que siga solo” (Marta Valdés), o “Son cosas que pasan” (Ela O’Farrill). Muchos son los artistas que logran una popularidad arrolladora en corto tiempo, como Blanca Rosa Gil, que alternaba en el Ali Bar con estrellas como Benny Moré, René Cabell y Fernando Álvarez. Lo mismo ocurrió con Ñico Membiela, prácticamente desconocido, pese a sus años en la música, y que se convirtió en un suceso victrolero sin precedentes. Todos se hicieron popularísimos gracias a la victrola. Si hay un tipo de música que podemos relacionar sin dudas a la victrola es el bolero. El llamado “bolero de victrola” era el que se escuchaba en bodegas, bodegones e incluso en bares de mala muerte junto a una cerveza, ya fuese celebrando un nuevo amor o sufriendo un desengaño… pero siempre con música. vitrola (1) A finales de los años 50s había más de 20,000 victrolas en la Isla. Mientras que las victrolas clásicas terminaron oxidadas y destruidas por el tiempo o la indolencia, muchos de los boleros que estas máquinas amplificaron han llegado hasta nuestros días.
Inicio Glosario de términos radiofónicos Historia de la Radio Cubana Efemérides de la familia radial Nocturno: emblemático programa de la Radio cubana en sus 40 agostos Nocturno: emblemático programa de la Radio cubana en sus 40 agostos La música trasciende a su belleza, cuando más allá de los límites estéticos apoya el sentimiento, e integra el patrimonio emocional, junto a los sueños vividos en todos los tiempos. Las generaciones de cubanos y cubanas que vimos nacer al programa Nocturno, de la emisora nacional Radio Progreso (1), aún escuchamos este espacio con el beneplácito de recordar el amor adolescente en una época dorada del pentagrama melódico universal, la llamada “Década Prodigiosa” de los años sesenta del pasado siglo. En medio de su esplendor Nocturno surcó el éter por primera vez, un 6 de agosto de 1966, bajo los acordes del tema “La chica de la valija”, de Fausto Papetti. De sus dones y bendiciones… Desde entonces, el espacio salió al aire con la bendición de la popularidad y preferencia de la familia cubana. Entre sus dones recordamos la legión de personalidades de la radiodifusión que en estos 40 años de existencia han integrado su nómina de realización. Sus primeros creadores fueron: Rafael Suárez Yera (director), Pepe Gutiérrez (editor) y Julio Capote (locutor). Posteriormente trabajaron, Albertico Fernández (director), Pepito Ciérvides (edición) y Pastor Felipe (locución). Luego, una de las magistrales voces de la radiodifusión cubana, Juan Ramón González Ramos, Tatita, otorgó a Nocturno su impronta estilística. Corría el año 1975 cuando Emérito Martínez –prestigioso radialista cubano con un grueso currículo profesional- asume la dirección del programa que ha llegado a sus 40 años de vida con el reconocimiento de siempre entre su abundante audiencia y se dice fácil. Estos frutos, provocaron la entrevista en exclusiva para nuestro Portal. Nora Rodríguez Calzadilla: Cuando se escriba la historia del programa Nocturno, estará delimitada en la “Década Prodigiosa“. Concuerdas con esta afirmación? Emérito Martínez: Cuando nació el programa tenía otro formato. Recuerdo el año 1966, surgimiento de la balada, de la música pop, de nuevas generaciones de talentosos músicos - clásicos de la época- y en ese contexto Nocturno dio a conocer a esas estrellas de la música cubana e internacional. Prácticamente los Beatles comienzan en el año 1965, mientras que en otras latitudes se destacan otros baladistas y en medio de esa época, nacimos y con grandes voces de la locución cubana: Pastor Felipe, Ramón González Ramos, Fernando Alcorta, hasta nuestros días que contamos con la locución de Julio Alberto Casanova y Marlon Alarcón Santana. Son estelares voces, distintivas por su estilo de presentación. A ello añadir que el programa se ampara en la poesía, el amor, para dejar siempre un mensaje positivo y alentador al radioescucha. Han transcurrido cuarenta años y Nocturno mantiene toda su audiencia, ha incorporado nuevos estilos, novedosas estéticas musicales y textos, respetando siempre su perfil, su línea de mensaje poético, amalgamado con las letras de las canciones con sentido. Por eso continúa en la preferencia de los radioescuchas. Se mantiene la música de la llamada época prodigiosa, en el programa de los miércoles y ahora mismo por ejemplo, estamos editando el programa del domingo que denominamos “Selección de selecciones de Nocturno”, con el hit parade de las sonoridades actuales, tanto de Cuba como de otras latitudes. Nocturno sigue ese lenguaje, esa estilística y propósito, para que su audiencia disponga de 55 minutos de placentero esparcimiento. Esta es la obra de Nocturno en la Radio cubana, siempre ha estado latiendo al calor de la efemérides de nuestro pueblo y este año celebramos el aniversario 40 con nuestros oyentes, jóvenes como tú, jóvenes que cuatro décadas atrás eran niños y que ya tienen otros niños y éstos últimos, también escuchan Nocturno, en familia, junto a sus padres y abuelos. Es un programa que propicia armonía familiar, además de unir a muchas personas. Recuerda que cuando éramos aún más jóvenes, las personas se conocían a través del programa. Hoy lo escuchan con ese mismo ánimo. Así, algunos jóvenes que comienzan a enamorarse, perciben que sus sentimientos son respaldados por la música de este espacio radial, que ratifica su bregar en el éter y responsabilidad en la Radiodifusión del país en este cumpleaños.
LOS BRAVOS. Los Bravos fueron el primer y único conjunto español que en la década de los años sesenta consiguió entrar en el Top 10 inglés y americano gracias a un avispado productor francés, Alain Milhaud, y de la canción 'Black is black' (1965). El grupo se formó en 1965 con los miembros de otros dos conjuntos, The Runaways y Los Sonor, y estaba compuesto inicialmente por Mike Kogel (nacido en Berlín en 1944; cantante), Antonio «Tony» Martínez (Madrid, 1945; guitarra), Manuel Fernández (Sevilla, 1943; órgano), Miguel Vicens (Palma de Mallorca, 1944; bajo) y Pablo Gómez Sallehí (Barcelona, 1943; batería). Durante un tiempo se llamaron Los Sonor, hasta su lanzamiento como Los Bravos a través del programa «El Gran Musical» de la cadena SER, que constituyó un gran acontecimiento. Toda esta promoción se debió en gran parte a Manolo Díaz, antiguo miembro del grupo, que lo recomendó a Alain Milhaud, director artístico de la compañía discográfica Columbia. En 1966 obtuvieron un gran éxito con 'Black is black', canción a la que siguieron 'Bring a little lovin'' y 'I don't care'. Su último éxito fue 'Trapped', en 1967. Aprovechando su éxito protagonizaron dos películas «musicales»: 'Los chicos con las chicas' (1967, Javier Aguirre) y 'iDame un poco de amor!' (1968, José M. Forqué). La decadencia del grupo se inició con la depresión y posterior suicidio de Manuel Fernández, quien fue sustituido por Jesús Gluck. Poco después, Mike Kogel se separó del grupo e inició una carrera en solitario con el nombre de Mike Kennedy con canciones como 'Johnny Rebel', 'Mother America', 'Kentucky freeway', 'Louisiana', que no deslumbraron a nadie. Fue sustituido como cantante en Los Bravos por Andy Anderson (hermano de Jon Anderson, el vocalista de Yes), con quien obtuvieron un cierto éxito con 'People talking around'. Hay que mencionar los elepés 'Los Bravos' (1966), 'Los chicos con las chicas' (1967), 'Bring a Little LovIn'' (1969), y los discos recopilatorios 'Historias de Los Bravos' (1986) y 'Mike Kennedy and Los Bravos' (1976). En 1986, Mike, Tony y Miguel se reunieron para rehacer el grupo y grabaron 'The Bravos Forever' con las canciones de siempre. Discografia: 1966- Los Bravos 1967- Los Chicos con las Chicas 1968- Dame un Poco de Amor 1969- Ilustrísimos Bravos 2004- The Return of Midnight Storm
LOS DIABLOS. Canciones más populares Aquí se han incluido sus tres primeros álbumes, donde nos encontramos con canciones como: "Un rayo de sol", "Cantar y cantar", "Fin de semana", "Oh, oh, July", "Manda Christmas", "Acorralado", "En la casa de Tomás", "Niña de papa", "Mi talismán", "Lazos de amistad", "Rosana", "El sol nace para todos", "Una mañana" y un larguísimo etc. Popularidad Los Diablos lograron convertirse en uno de los conjuntos más populares y de mayor duración en España, a pesar de que su música estaba considerada de verano. Después de su éxito “Un Rayo De Sol”, se volvieron imparables y lograron competir directamente con grupos como Los Fórmula V y Los Mitos. Grupo Musical Los Diablos Ellos, como un dúo, y bajo el nombre de Los Diablillos Del Rock se formaron en los alrededores de Barcelona y estaban formados por Agustín Ramírez (Barcelona) como cantante y Enrique Marín (Barcelona) en la Guitarra e interpretaban temas de moda. Mas tarde Emilio Sancho (Hospitalet de Llobregat) en la batería, y Amado Jaén (Tetuán, Marruecos) en el bajo, se integran al dúo y establecidos ahora como cuarteto logran grabar algunos temas como “Tu También Serás Ye-Ye” y “Brutal”, esto en 1966. La inclusión de A. Jaén fue clave para las aspiraciones de Los Diablos, pues ellos sabían que en esta época para triunfar necesitaban composiciones propias. En el año 1967 un nuevo disco donde incluyeron “Así Fue”, “Solitario” y Catedral De Winchester” Finalmente el cuarteto se transforma en quinteto al incluir al italiano Gianni Escavinni y toman el nombre de Los Diablos. Nuevas ediciones Entre los años 1968 y 1969 con el sello Regal editan temas como “Gracias Amor”, “Querida Eloisa”, “Sol, Amor Y Mar”, “En Casa De Tomas” y otras cuantas mas; pero no tuvieron acierto. Con la casa Odeón en 1970, y el tema “Un Rayo De Sol” logran vender cuatrocientas mil copias y reciben un disco de oro. Este tema les abrió las puertas de la popularidad cuando todo indicaba que serian despedidos de la disquera por las ventas bajas y todo fue obra de la casualidad, pues una cinta que contenía un tema titulado “Fernando”, compuesto por D. Vangarde y C. Carrere y que interpretaban el dúo belga Jesse & James fue a parar a manos de Tony Ronald y al escucharlo se dio cuenta que allí estaba la salvación. El tema “Un Rayo De Sol” paso a ser la canción del verano en 1970, cosa que Los Brincos lograron con “Lola” en 1967, Los Canarios en 1968 con “Ponte De Rodillas”, seguidos de “La Playa, El Sol, El Mar, El Cielo Y Tú” y en 1969 Los Payos y su “Maria Isabel” Ya aquí comienzan una carrera abiertamente declarada Música de Verano, aunque en ocasiones incursionaron dentro la música social. En la otra cara del sencillo estaba “Una Mañana”. Giras Después del éxito logrado, comenzaron a recorrer toda España y los escenarios se abarrotaban como nunca antes; pero para los críticos la música y las letras de Los Diablos eran sencillas, falta de calidad y llena de estribillos repetitivos: pero ellos Los Diablos de Gira argumentaban que su música era fresca y divertida. Si algo a favor tuvieron ellos es que sus producciones eran hechas con mucha calidad junto al buen uso de las voces, cosa que los llevo a ser un grupo de superventas, además ya eran otros años, pues la música progresiva se imponía sobre el pop de los 60. En 1970 también grabaron otros temas como “Cantar Y Cantar”y “Oh, Oh Nada Mas”. En el año 1971 reaparecieron nuevamente con su estilo y editaron “Fin De Semana”, “Me Conformare”y “Cara Al Viento” entre otras. Retorno a la Música En 1972 Los Diablos vuelven a la carga esta vez con “El Tiempo Pasa” y “Niña De Papa”. Al siguiente año repiten el éxito esta vez con temas como “Me Voy, Me Voy” y “Samba Eaio”. En 1974 “Acalorado” y “Un Gramo De Felicidad” mantiene a Los Diablos en la competencia musical. Entre 1975 y 1977 Los Diablos siguieron dando a luz sus temas alegres, veraniegos y sencillos y durante estos años aparecieron “Rosana”, “Luna De Miel”, “El Sol Nace Para Todos”y “Velas Al Viento”, además de discos de larga duración recopilando temas anteriores junto a otros nuevos. A estos años pertenecen los LP “Aniversario” y “Que Suene Ya La Banda” Los Diablos sabían que para triunfar necesitaban temas propios o inéditos, y esto lo aprendieron en sus inicios cuando realizaban versiones libres de temas extranjeros sin mucho éxito; pero para eso estaban Los Mustang que se habían ganado un puesto realizando ese trabajo y sus versiones eran copias exactas.
LOS MITOS Es un grupo de música pop que nació en Bilbao en el año 1966. La historia de Los Mitos fue breve, pero dejaron huella en el pop final de los 60 y con su música agradable y de exquisita frescura dieron el salto desde Bilbao, su ciudad natal, para extender su fama a toda España e incluso colocar sus canciones en Hispanoamérica. El grupo estuvo formado en sus inicios por José Antonio Santiesteban (Tony), como voz solista, Carlos Zubiaga en la guitarra rítmica y los teclados, José Ignacio Millán en la guitarra de punteo, Francisco García (Paco) en la batería y Oscar Matías Sorozábal en el bajo. Comenzaron en 1966 con el nombre de Los Famélicos y tras unos durísimos primeros tiempos y el cambio de nombre por el de Los Mitos comenzó la popularidad. El 8 de abril de 1968 realizaron su primera presentación, respaldados por la casa de discos Hispavox. Durante los años 68 y 70, ellos y Fórmula V revitalizaron la rivalidad que existió entre Los Brincos y Los Bravos. El sencillo de presentación fue Cuando vuelvas, una de las grandes canciones de 1968, un tema fácil de asimilar, con una letra nada problemática y arreglos vocales similares a The Beach Boys, una melodía alejada de los excesos progresivos y sin compromisos socio-políticos. El tema “Cuando vuelvas” era también una magnífica representación de medio tono arquetípico entre ritmo orquestal y tragedia vocal. Con Los Mitos nunca sabías si debías sacar a bailar a una chica cogidos de la mano o suelto; en cualquier momento te alteraban la estructura de la canción. En la cara B aparecía “Coge mi mano”. En el siguiente disco aparece “Cantemos así” (Aleluya), junto a “Éste es mi llanto”. En 1969 “Es muy fácil” les da el éxito total. En la otra cara “Si te acuerdas de mí”. Por supuesto que los mayores éxitos llegaron con sus temas más comerciales, pero siempre con las más elevadas cotas de calidad y calidez artísticas. “Me conformo” y “Todos lo saben” también son de 1969 y son ejemplos del estilo alegre y sentimental de sus letras, y es a partir de aquí que el grupo debe buscar otro cantante, pues su vocalista Tony decide andar su camino en solitario como Tony Landa dando lugar al comienzo del apagón de la carrera del grupo y las deserciones. Con Fernando Brosed (famoso cantante en la época, procedente de Zaragoza) como nuevo cantante, en 1970, graban “Suena una guitarra” y “No sé por qué”. En 1971 estrenan batería y graban otro sencillo con “Me estás volviendo loco” y “Lejos de ti”; pero ya el éxito estaba lejos y el grupo fue descendiendo. Llega el año 1972 y editan dos sencillos: “Mírame” y “Vive la vida” en el primero. En el segundo incluían “Ayúdame” (lo que parecía una llamada de auxilio al público) y en la otra cara “Hola, ¿cómo estas?” con ventas no muy buenas. En un renovado intento por recuperar la popularidad, en 1973 graban “La vida es una canción” y “Canta cariño, canta”, igualmente con ventas discretas. En 1974 otro renovado intento fue “Cherie sha la la” y “Al caminar”. En 1975, antes de que cada cual tomase su rumbo, se despidieron con “Tiempo de amar”. La casa de discos Hispavox en 1981 editó un nuevo disco con sus mayores éxitos y algunos temas inéditos como “Eleonor” y “Mony, mony”.
Cristina y los Stop fue un grupo que tuvo mucha popularidad a finales de la década de los 60, Cristina guia del grupo con una hermosa voz muy melódica le dio mucho éxito. Su música arrastro multitudes en la época, fue muy escuchada en Latinoamérica, vendiendo cientos de discos, en la actualidad sus canciones son aceptadas por su calidad interpretativa. Sumario 1 Creación del grupo 2 Primeros éxitos 3 Separación del grupo 4 Cristina en solitario 5 Regreso de Cristina 6 Actualidad 7 Discografía 7.1 Cristina 7.2 LP 7.3 Ep 7.4 CD 8 Enlaces externos 9 Fuentes Creación del grupo María del Carmen Arévalo Latorre, nació en Barcelona, en la calle Ausias March, en 1943. Guiada por su instinto y su magnífica voz decidió dedicarse a la canción y formó, junto a Juan, Alfonso, Rafa y Paco el grupo "Donald Duck" con el que se presentó a un concurso radiofónico, consiguiendo así su primer premio artístico. En 1966 para la grabación de su primer disco con la compañía de entonces casa Belter deciden que había que cambiar el nombre al grupo. En la época existían otras artistas que llevaban su nombre y eran ya reconocidas, por lo que decidió cambiarle el nombre por el de Cristina, en una ocasión parada en una esquina vio una señal de stop y no lo pensó dos veces: el grupo se llamaría "Los Stop" con “Cristina” como líder y vocalista siendo este un nombre mas comercial. En ese mismo año algunos integrantes abandonan el grupo y Los Stop quedó formado por José María Serra (Guitarra), Juan Comellas (Órgano), Rafa (Bajo) y Andrés Gallego (Batería) y Cristina como vocalista. Primeros éxitos Cristina entre Junior y Jaime Morey en un descanso de " Pasaporte a Dublin Su primer disco tuvo una gran aceptación entre sus seguidores sobre todo el tema "Catedral de Winchester". En 1967 reciben el premio del Instituto de Cultura Hispana por la canción " El turista 1.999.999" que cantaron en el Festival de la Canción de Mallorca y que los hizo muy populares donde se aprecia buena calidad vocal en su interpretación. Durante el mismo año aumento su popularidad con los temas "Tres cosas: salud, dinero y amor", "Molino al viento" del festival de San Remo, "Yo te daré", "La, la, la", "Balada en la tumba de un soldado", "Con su blanca palidez", etc. Estos temas tuvieron una gran radio audiencia en España y traspaso los mares teniendo mucho éxitos en muchos países Latinoamericanos, pues interpretaban canciones de "Los Cinco Latinos”, en Cuba fue muy escuchado. Separación del grupo En pleno éxito del grupo en 1969 existen desacuerdo entre sus integrantes y el grupo decide separarse, formandose nuevas agrupaciones, una seguiría con el nombre de Los Stop y Cristina tendría otra agrupación bajo el nombre de Cristina y los Tops. Con este grupo grabó algunos temas como "Corazón contento", "Que viva el amor", "Gracias mamá" y "Hola, que tal", canción con la que se presentaron en el Festival de la Canción de Benidorm en el mismo año. A finales de 1969 se separan y Cristina comienza a actuar en solitario.
1 - KARINA cantante española: María Isabel Bárbara Llaudés Santiago, más conocida como Karina, es una cantante y actriz española nacida en Jaén en enero de 1944. Actualmente vive en Torrelodones. A principios de la década de 1960 comienza a trabajar en el programa musical Escala Hi-Fi de TVE. Emilio Santamaría, padre de la cantante Massiel, se hizo su manager, quien le llevó a firmar su primer contrato discográfico con la casa Hispavox. En 1964 graba su primer álbum con el que tiene un considerable éxito en Venezuela. En 1965 consigue entrar en el panorama musical español con la versión del éxito de France Gall Poupée de cire, poupée de son, lo que le da la posibilidad de mostrarse ante un público mayor. Su hermano Paco se sumaría al grupo de managers de Karina junto con Santamaría. Tras numerosos éxitos, en 1966 le entragan la Medalla de Oro como Mejor Cantante «Yeyé». A finales de los 60 rueda tres películas cuyas bandas sonoras consiguen mucho éxito. Comienzan sus más sonados éxitos como Las flechas del amor, Regresarás, El baúl de los recuerdos, Romeo y Julieta, Fiesta, Colores, Las flechas del amor, etc. Su carrera se extiende a otros países europeos. En 1971 participa y gana el programa «Pasaporte a Dublín» concurso en el que participaron entre otros Nino Bravo, Los Mismos, Rocío Jurado, etc. y en el que se elegía al representante de España en el Festival de la Canción de Eurovisión. Ese mismo año, por tanto, representa a España en Eurovisión, en Dublín, con el tema En un mundo nuevo, de Rafael Trabucchelli y Tony Luz (su novio). Quedó en segunda posición, con 116 puntos, algo de lo que siempre se ha sentido orgullosa. Con la experiencia eurovisiva hizo una película, del mismo nombre que su canción. Siguió publicando canciones durante los 70, pero más tarde sus éxito se trasladaron a México. En los años 90 participa en una gira llamada «Mágicos 60». En 2003 ganó por votación popular el concurso de Tele5 Vivo Cantando, en el que participaban antiguas estrellas de la canción española. Karina se ha casado cuatro veces, ha tenido dos hijas y ha superado un cáncer. Está considerada como una de las cantantes más populares de España en las décadas de los 60 y 70. En febrero de 2008, a la edad de 64 años, inauguró «El Portón de los 60» un bar-restaurante de Pamplona ambientado en la época de los años 60 y 70, al que la cantante acudirá varias veces por semana como relaciones públicas y para cantar.
CHAFLAN Argelio García Rodríguez (Sancti Spíritus, 16 de junio de 1925 - Santa Clara, 27 de junio de 1992), conocido como Chaflan, fue un humorista cubano. Alcanzó grandes logros artísticos, tanto Nacional como Internacional. Fue un fiel representante de las raíces populares cubanas, pues su humor estuvo impregnado de una picaresca muy criolla, llena de chispa, agilidad mental y doble sentido. Hombre que por su carisma dejó su huella al pasar por la tierra y que vive por siempre en la memoria del pueblo que le conoció, así lo demuestra su condición de artista consagrado, combatiente de la clandestinidad e internacionalista y que sólo tuvo un propósito en su vida: Entregarlo todo para su pueblo. Índice 1 Biografía 1.1 Infancia y Juventud 1.2 Otra etapa de su vida 2 Muerte 3 Referencias Biografía Infancia y Juventud Nació en El Almendrón, perteneciente al poblado de El Jíbaro, es el hijo de esta tierra, que haya alcanzado mayores lauro artísticos, tanto nacional como internacional. La primera persona tomada por una cámara de Televisión en Sancti Spíritus fue el brillante humorista sierpense Argelio García Rodríguez, (Chaflán), quién promovía en el año 1950, el nuevo medio de comunicación, en un circuito cerrado montado en la sociedad exclusivista El Progreso –hoy biblioteca Rubén Martínez Villena -ante la presencia atónita de centenares de curiosos espirituanos, quienes desconocían que pasarían -aunque anónimamente- a la historia, al ser los primeros televidentes de la ciudad del Yayabo. Otra etapa de su vida En el año 1954, la CMHP, pasó a ser propiedad de Horacio Santana Padrón y Ramón Pomes Paltre, conocida como Radio Nacional de Placetas. Ya en el año 1955, fue comprada por Horacio Santana Padrón. En esta última etapa laboran como locutores: Carlos Pina Méndez, Oscar Duardo Alfonso, Argelio García Rodríguez, Ramón Fraga y Erasmo Nuñez Lorenzo. Como periodistas se destacan Héctor Salina Madrigal (redactor) y Cheo Roadi Buere, como director del noticiero. Fueron operadores de audio: Antonio Depedro, Jesús Milían, Juan Fortín, Marcos Antonio Cabrera, Pablo González, Pedro J. Domínguez Iturria y Enrique Milín Dabalza. La historia que aquí se cuenta es inédita y ha permanecido sin divulgarse desde aquellos días finales de diciembre de 1958, cuando la Villa de los Laureles, estaba aún bajo las balas, y la voz de la emisora local CMHB Radio Nacional de Placetas se alzaba insurrecta y rebelde en favor de la Revolución. Partes radiales originales que nos regresan a las cruciales y decisivas horas en que se decidía la victoria contra la dictadura, fueron guardados celosamente por Leonardo Casanova Chirino — luchador clandestino y participante en la toma de la ciudad. El combatiente atesora órdenes militares de Ernesto Che Guevara, llamamientos a la movilización del pueblo, a la rendición de soldados de la tiranía, partes de guerra, comunicados; en fin, una amplia gama de asuntos que nos dan un fiel retrato de lo acontecido allí hace medio siglo. Un valioso grupo de documentos manuscritos o mecanografiados que forman parte de la historia de la Campaña de Las Villas, y enaltecen a aquellos anónimos trabajadores radiales placeteños, entre los cuales se encontraba el desaparecido Argelio García, Chaflán. Muerte Este reconocido artista muere, el 27 de junio de 1992, en la ciudad de Santa Clara.
LOS BRINCOS. Primera formación («clásica u original») 1964-1966 El grupo se creó en 1964. Sus componentes originales fueron Fernando Arbex (batería), Manuel González (bajo eléctrico), Juan Pardo (voz y guitarra eléctrica) y el hispano-filipino Antonio Morales Junior (voz y guitarra eléctrica). Ésta es la que viene siendo conocida como "formación clásica" o "formación original". Arbex había tocado la batería con Los Estudiantes desde finales de los 50. Cuando esta banda se disolvió a principios de 1964, pensó en montar otro grupo, para lo que contactó con Juan Pardo y Manuel González. El último miembro en incorporarse fue el hispano-filipino Antonio Morales Junior (que, como Pardo, había sido ocasionalmente cantante de Los Pekenikes). Su representante, Luis Sartorius, consiguió que fueran fichados por la discográfica española Zafiro, convenciendo a la compañía de que en España podía lanzarse con éxito un grupo al estilo de las bandas británicas de beat, pero con personalidad propia e interpretando sus propias composiciones en castellano. Sartorius murió poco antes del lanzamiento en un accidente de tráfico, pero ya había sentado las bases de un proyecto que tuvo su plasmación en el estudio gracias a la producción de Mariní Callejo, que había formado parte de Los Brujos y con el tiempo sería considerada como una de las grandes productoras del pop melódico español de los 60 y primeros 70. Su primeros discos (el álbum titulado "Los Brincos I" y varios sencillos y EP) aparecieron a finales de 1964. Y todos ellos se convirtieron en superventas con gran rapidez[cita requerida] (hablamos de temas como "Flamenco", primer número uno de su carrera, Dance The Pulga, Bye Bye Chiquilla, I'm not Bad", etc). En 1965 lanzan un EP que incluía dos temas que llegarían al número uno: "Tú me dijiste adiós" y "Borracho". En 1966 aparece su segundo álbum, Los Brincos II. Y siguen los éxitos y los números uno en las listas españolas[cita requerida]: Mejor, Un sorbito de champagne, A mí con esas, Renacerá, etc. Durante ese periodo se plantean entrar en el mercado europeo, grabando versiones de sus canciones en inglés, francés e italiano con objeto de acceder a las listas de esos países. Y aunque consiguen aparecer en varias televisiones y ser portadas de algunas revistas, lo cierto es que su repercusión, siendo estimable (sobre todo en Italia, Francia y Portugal), fue modesta. En la segunda mitad de 1966, y tras ciertas desavenencias personales y musicales, Juan Pardo y Antonio Morales abandonan la banda y forman el dúo Juan y Junior, que también conoció un enorme éxito mientras estuvo en activo (1966-69). Segunda formación 1966-1968 Tras la marcha de los dos guitarristas y vocalistas principales, Fernando Arbex, convertido en líder indiscutible, ficha como sustitutos a Ricky Morales (hermano de Junior) y a Vicente Jesús Martínez, ambos procedentes del grupo Los Shakers (una banda madrileña que no debe ser confundida con la que existió en Uruguay justo en la misma época). El cambio afecta al sonido del grupo que, sin abandonar el beat melódico y las armonías vocales que los han caracterizado desde el principio, se abre a nuevas corrientes como la psicodelia, el pop barroco o el freakbeat, sonidos que, por aquel entonces, dominaban el panorama internacional. Y el éxito sigue acompañándoles durante 1967, con temas como Lola, El Pasaporte, Nadie te quiere ya o Érase una vez. Siguiendo con su estrategia destinada a alcanzar el mercado anglosajón, consiguieron ser portada del New Musical Express británico e incluso recurrieron a los servicios de Larry Page (famoso productor inglés de la época, conocido por sus trabajos con The Kinks) para grabar su tercer álbum, titulado Contrabando. Aunque el disco fue otro éxito en el mercado español, lo cierto es que tampoco esta vez lograron acceder a las listas internacionales (a pesar de que, precisamente en ese momento, otros grupos españoles como Los Bravos o Los Pop Tops sí lo conseguían). Tercera formación 1968-1971 En 1968 Vicente Martínez abandona la formación y es sustituido por otro hermano del ex-componente Junior (y del guitarrista -titular en ese momento- Ricky): Miguel Morales. En esa época la escena musical española está cambiando. La vieja corriente beat ha dado paso a nuevos sonidos como el soul, el folk rock, el blues rock y, sobre todo, la psicodelia y el incipiente rock progresivo. La banda se adapta a esos nuevos estilos fichando, además, al multiinstrumentista colombiano Óscar Lasprilla (antiguo miembro de Los Speakers, banda suramericana liderada por el español Rodrigo García) y convirtiéndose en un quinteto. Durante 1969 publican varios sencillos que no obtienen el eco de sus trabajos anteriores. Su sonido se vuelve cada vez más psicodélico y progresivo, culminando con la aparición, a principios de 1970, de su último álbum. Un disco del que se grabaron dos versiones: una en español, titulada Mundo, demonio y carne; y otra en inglés cuyo nombre es World, Devil And Body. Se trata de un disco conceptual (con un hilo conductor y una historia coherente que recorre todas las canciones) al estilo de lo que, por aquel entonces, estaban haciendo bandas anglosajonas como The Who, The Pretty Things y otros.
Guillermo Álvarez Guedes (Unión de Reyes, Matanzas, Cuba; 8 de junio de 1927-Kendall, Florida, Estados Unidos; 30 de julio de 2013)1 fue un comediante cubano radicado en Miami, Estados Unidos. Es considerado uno de los mayores comediantes de todos los tiempos, también es considerado uno de los precursores del género artístico stand- up comedy en Latinoamérica, donde se le conocía simplemente por sus apellidos, Álvarez Guedes. Índice 1 Biografía 1.1 Fallecimiento 2 Referencias 3 Enlaces externos Biografía A los cinco años, Álvarez Guedes actuaba en el teatro de su pueblo Unión de Reyes, en la provincia de Matanzas. De adolescente se ganaba la vida en circos ambulantes. En 1949, dramatizaba crímenes callejeros para la radio. Lo de la comedia salió solo, cuando lo llamó a la televisión el mítico productor Gaspar Pumarejo. Actuaba en sainetes, aventuras, comedias, musicales, lo que fuera, hasta que su personaje del borracho, todos los miércoles, durante varios años, en el estelar de CMQ Casino de la Alegría, lo convirtió en un icono de los cubanos, y lo lanzó a hacer pareja con La Única, la legendaria actriz y cantante Rita Montaner. A principios de 1957, el pianista Ernesto Duarte Brito con Guillermo y Rafael Álvarez Guedes fundaron el sello GEMA y en 1960, Álvarez Guedes, al igual que otros cubanos, se exilió en Miami, donde junto a un hermano continuó con la compañía "Gema Records" en Puerto Rico, que ayudó al lanzamiento internacional del Gran Combo de Puerto Rico, grupo musical puertorriqueño; desde entonces mantuvo una cercana amistad con su fundador, Rafael Ithier. Durante los años 70 y 80, Guedes se dedicó a grabar discos humorísticos y a escribir comedias, en los que regularmente ha expresado su deseo de que se instaure un cambio en el sistema político cubano. Escribió más de 20 "libros" y participó en varias películas: Thief in Silk (1953), The Big Boodle (1957), Dios te salve, psiquiatra (1966), A mí qué me importa que explote Miami (1976) y La chica del alacrán de oro (1990). Hasta 2011 conducía un programa radial de 3 horas en la emisora Clásica 92.3 FM de Miami, era uno de los programas de mayor audiencia de la radio de habla hispana. Era considerado uno de los humoristas más populares entre el público hispano del sur de la Florida. Fallecimiento Falleció el martes 30 de julio de 2013, en su casa de Kendall, condado de Miami-Dade, Florida a los 86 años,1 debido a problemas estomacales
Enrique Arredondo. Fue un actor humorístico cubano, que se destacó en el teatro y la televisión, y que además incursionó en el cine y la radio. Bernabé, nombre con el cual se le conoció en Cuba, en alusión a uno de sus personajes más populares, trabajó desde muy joven en diversos oficios hasta que en 1923, con sólo 17 años comienza a interpretar al clásico Negrito del Teatro vernáculo cubano. 3 Fuente Trayectoria artística Desde 1923 Enrique Arredondo se mantuvo actuando en diversas compañías de teatro como la Compañía de Manuel Bolaños, la de Mario Sorondo y la de Guillermo Moreno. Con estas y otras agrupaciones de este tipo Arredondo recorrió Cuba en incontables ocasiones, a la vez que escribía una buena cantidad de sainetes, apropósitos y revistas. En 1928 formó una compañía junto con el periodista y autor Luis Amado Francés, con Federico Piñero en 1930, con José Sanabria en 1931 y con Pedro Castany en varias ocasiones a partir de 1934, hasta que finalmente, en 1940 funda su propia agrupación escénica. En este año 1934 es contratado para sustituir a Sergio Acebal en el personaje del Negrito en el famoso Teatro Alhambra. Enrique Arredondo llegó a ser considerado uno de los mejores intérpretes de este tipo de personaje, junto a Ramón Espígul, Alberto Garrido y el propio Sergio Acebal. Realizó presentaciones en Tampa, en Puerto Rico y en varias cuidades de México como Mérida, Veracruz, Campeche, Oaxaca, Chiapas y el D.F., donde fue contratado para actuar en una revista musical junto a figuras tan relevantes como los cómicos Tin Tan y Palillo. Radio Sus inicios en este medio fueron con el personaje Virutica, después le dio vida a Chicharito, que luego se mantuvo por más de 10 años en la radio como parte del dúo Chicharito y Sopeira, en las voces de Federico Piñero y Alberto Garrido. Otro personaje radial fue el Doctor Chapotín, creado para la emisora CMQ en 1947, y que retomaría más tarde para la televisión. Desde 1979 hasta su muerte participó también en el programa Alegrías de Sobremesa, junto a Idalberto Delgado y Wilfredo Fernández. Cine 1950 - Qué suerte tiene el cubano 1959 - Nuestro hombre en La Habana con Noel Coward, Alec Guinness y Mauren O’Hara. 1977 - Son o no Son de Julio García Espinosa. 1982 - Patakín (quiere decir ¡fábula!) de Manuel Octavio Gómez 1989 - Adelante Robinson! (¡Hagyjátok Robinsont!), coproducción Hungría – Cuba de Peter Tímár Televisión Es en este medio, junto al teatro, fue donde Enrique Arredondo hizo sus mayores y más recordados aportes. Comenzó en 1956 en los programas Sitio Alegre, Mi familia, El show del mediodía, y posteriormente en el programa dominical Revista Regalías. En 1961 retomó su carrera teatral durante algunos años, volviendo a su papel de Negrito. Cuando regresa a la televisión comienza a incorporar nuevos personajes. Surge entonces el guapo Cheo Malanga en el programa San Nicolás del Peladero, así como el regreso del Doctor Chapotín. En 1969 se incorpora al elenco de un programa muy popular conocido como Detrás de la fachada, donde creó a Bernabé, el más conocido y popular de sus personajes.
La generación 'dobliu' (W) ¿Cuántos de los que se marcharon por el Mariel no lo hicieron buscando esa bocanada de aire fresco que les entró, por primera vez, por las rendijas de emisoras americanas? Enrique Collazo, Denzel Martínez, Madrid | 14/07/2006 6:00 am Compartir AumentarDisminuir Tamaño del textoENVIARIMPRIMIR El control absoluto que el poder ejercía sobre los medios de comunicación, la censura parcial que imponía sobre ese tipo de música —la relación entre música de habla española y la misma de lengua inglesa que radiaban las emisoras cubanas favorecía a la primera en una relación aproximadamente de 10 a 1— y la persecución a los jóvenes "infectados de diversionismo ideológico", de acuerdo con las orientaciones emanadas del Congreso Nacional de Educación y Cultura de 1971, surtió una especie de efecto llamada en esta generación. La misma, musicalmente hablando, desdeñó lo mejor de la tradición musical cubana y en su rechazo a una manipulación de corte totalitario, rindió culto a la avanzada musical de los setenta, asumiéndola en muchos casos de manera mimética (las bandas habaneras de la época: Almas Vertiginosas, Sesiones Ocultas, etcétera, no versionaban, sino reproducían los hits de las agrupaciones más difundidas de la época. Asimismo, los conciertos de estas agrupaciones eran virtualmente clandestinos y muchas veces terminaban en redadas policiales). Curiosamente, casi desde 1970 comienza a percibirse en el dial de la radio cubana, principalmente en las provincias de La Habana y Matanzas, tres emisoras de los Estados Unidos: WQAM y WGBS, de la Florida, y KAAY, de Little Rock, Arkansas. Mientras que las dos primeras se recibían claramente desde el amanecer hasta la puesta del sol, la segunda levantaba boga al caer la noche, presidida por el archifamoso programa Baker Street (Undergroud Music Service), que hacía las delicias de los trasnochados melómanos del oeste de la Isla (en el centro del país también se escuchaban perfectamente emisoras norteamericanas y en el oriente se captaban las de Jamaica, así como la de la Base Naval de Guantánamo). Ambas emisoras trasmitían en inglés la música pop-rock del momento, mientras que plenamente conscientes de que su señal era captada en Cuba, no intentaron nunca, al no ser su propósito, colar alguna cuña propagandística anticastrista. La señal de las dos primeras emisoras se originaba en los cayos del sur de la Florida, fuera de la demarcación de los condados donde mayor preponderancia tienen los grupos de poder cubanoamericano, mientras que la Baker Street trasmitía desde Little Rock, Arkansas; totalmente al margen del conflicto entre las dos Cubas. Quizás fue por ello que sus señales no fueron jamás interrumpidas por la cortina de bagazo del régimen, a pesar de las muy severas restricciones emanadas del congreso antedicho. En contraste con la ausencia de esa música en los medios estatales de comunicación, los jóvenes se actualizaban de esa manera y al escuchar aquellas emisoras también prestaban atención a la publicidad comercial, rozando de tal manera el mundo de la sociedad de consumo.
Chucho Herrera, estilo único en la poesía << Chucho Herrera, estilo único en la poesía >> Agustín Herrera Pascual «Chucho Herrera» (Guantánamo, 1938). Locutor y declamador. A la edad de 5 años tuvo la primera oportunidad de ser locutor, cuando un tío y una tía por parte de madre que eran locutores de radio en Guantánamo lo llevaron a su programa, lo que lo marcó para siempre en su deseo de ser locutor. A los 16 años, después que estudió en la escuela católica La Salle, se fue para La Habana y matriculó en el Colegio Nacional de Locutores, donde obtuvo el título de locutor legalmente, y regresó a Guantánamo a trabajar en la radio a los 18 años. De ahí trabajó en Nueva York, y República Dominicana a los 19 años en la gran planta de radio La Voz Dominicana. Cuando regresó a Cuba, iba y venía de su pueblo a la capital, hasta que René Cabel lo vio y le sugirió que hiciera una prueba para trabajar en CMQ, y le hizo caso, y a la semana le avisaron que era admitido. Empezó a aprender con las estrellas de esa época Félix Sánchez,Cepero Brito, Germán Pinelli. En dos años fue considerado un gran narrador y declamador. Hizo el programa «Sorpresa Musical», en La Habana donde se difundía solamente a solistas cubanos y agrupaciones bailables de éxito, dándole oportunidad a nuevos artistas. Lo mismo hizo en todos los programas que trabajó,como cuando era el presentador del programa «Tele Fiesta», con un muy joven cantante Alfredito Rodríguez. El programa “Sorpresa” modifico su programación dedicándose totalmente a música juvenil con participación internacional a mediados de 1967, y fue la antesala del nacimiento del programa radial «Nocturno», que fue el preferido de la juventud, donde también Chucho trabajó durante una temporada siendo sus declamaciones de poemas muy populares. Salió de Cuba con su familia vía España en 1978, y cuando llegó a Miami un tiempo después siguió trabajando en su oficio, hasta su retiro. A mediados del pasado año estuvo invitado en el programa de Alfredo Rodríguez "En familia con Alfredo Rodríguez" y me hizo recordar con nostalgia los días de juventud cuando escuchaba sus programas y los poemas que decía de forma inigualable. Todos me gustaban:"Los besos que yo te dí", "Te casarás con otro" de Buesa, " Farewell" de Neruda y "Así te quiero" de Rafael de León, uno de los mejores poetas de España, apasionado, intenso….. Este poema es mi favorito y está dedicado a la famosa cantante española Conchita Piquer.
OVNIS Y VIDA EXTRATERRESTRE La verdad sobre los ovnis desclasificados por el Pentágono Los escépticos tratan de explicar los vídeos de ovnis del Pentágono a través de una tecnología de láser-plasma patentada por la Marina en 2018 Josep Guijarro Josep Guijarro Periodista y escritor 12 de Junio de 2020 (12:25 CET) AÑADIR A FAVORITOS La verdad sobre los ovnis desclasificados por el Pentágono La verdad sobre los ovnis desclasificados por el Pentágono Una nueva teoría quiere explicar los vídeos sobre ovnis desclasificados por el Pentágono en abril de 2020. Y es que, descartada la posibilidad de drones de otras naciones o de fenómenos meteorológicos, abrieron la posibilidad a la visita de tecnologías extraterrestres. Las tres películas, obtenidas con una cámara infrarroja entre 2004 y 2015, muestran objetos maniobrando o acelerando de forma imposible de acuerdo a las leyes de la física actual. Hablamos de giros sobre sí mismo, de aceleraciones que superan en 7 veces la velocidad del sonido o la posibilidad de aparecer y desaparecer de los radares a voluntad según informes que, en su día, divulgamos en este vídeo. Ahora, el periodista de la revista Forbes David Hambling divulga una tecnología estadounidense que podría explicar en parte los fenómenos protagonizados por los pilotos de la Fuerza Aérea. Se trata de una patente de la Marina de los Estados Unidos basada en plasma láser, una tecnología capaz de crear imágenes en el aire para engañar a los sensores infrarrojos de los misiles que buscan el calor para llegar a su objetivo. En la década de los 50, fue desarrollado el primer misil Sidewinder que buscaba el calor de las toberas de un avión enemigo. La última versión, el AIM-9X, todavía está en servicio en todo el mundo. sidewinder ovnis desclasificados pentagono Hasta ahora, los pilotos podían expulsar bengalas señuelo para alejar a uno de estos misiles de su avión, pero esta maniobra solo les proporcionaba unos pocos segundos de protección antes de que el misil se redireccionara hacia el objetivo. La tecnología patentada en 2018, sin embargo, es una contramedida láser que deslumbra al buscador de infrarrojos. Un pulso láser suficientemente intenso puede ionizarse produciendo una explosión de plasma brillante que genera imágenes fantasma con emisiones infrarrojas para engañar a los misiles en busca de calor.La patente detalla que "una fuente láser está montada en la parte trasera del vehículo aéreo, y en donde la fuente láser está configurada para crear un plasma inducido por láser, y en donde el plasma inducido por láser actúa como un señuelo para una amenaza entrante para el vehículo aéreo ". Además, el láser crea una serie de columnas de plasma en el aire que forman una imagen 2D o 3D mediante un proceso de exploración de trama, similar a la forma en que los antiguos televisores de rayos catódicos muestran una imagen. dibujo patente contramedidas laser ovnis pentagono Dibujo de la patente Fantástico. Engañaría al más pintado pero… No podemos eludir el hecho de que la patente es de 2018 y los ovnis captados por los cazas norteamericanos se remontan a 2004 y 2015. Por mucho que el Dr. Hening haya estado trabajando en el plasma inducido por láser en Space and Naval Warfare Systems Center Pacific desde 2012. No tenemos máquina del tiempo ¿verdad? No olvidemos, además, que los objetos fueron captados por los radares, es decir, la onda electromagnética de estos dispositivos primarios rebota en un objeto y devuelve vectores de altura, rumbo y velocidad. Esta onda no rebotaría nunca en un plasma. Y, finalmente: es poco probable que el Pentágono publique videos de su propia arma secreta. Si no la tiene perfeccionada podría ser un farol (de cara a otras potencias que trabajen en sistemas parecidos), pero si no la tiene es poner en antecedentes a las potencias enemigas para ponerlas en sobre aviso ¿no? En definitiva. Las filmaciones constituyen un desafío científico, tal como admitió el físico Michio Kaku en Barcelona. Kaku reconocía que ahora la pelota está encima de las grandes potencias para demostrar, precisamente, que esos objetos son tecnología terrestre. De lo contrario estamos ante la primera evidencia incontrovertible de que los ovnis son naves de otros mundos.
La historia del actual México se inicia hace 3,000 años con una serie de pueblos autóctonos que desarrollaron culturas propias en el sur y el centro del país. Sucesivamente, a lo largo de 30 siglos, el dominio de amplios territorios del México de hoy correspondió a los olmecas, los mayas, los toltecas, los zapotecas y los mexicas. Los viajes en el México prehispánico eran por: comercio, peregrinaciones o guerras. En la Península de Yucatán existía una red de caminos que unían las ciudades y pequeñas poblaciones, llamados sacbés (sak beo’ob en maya); estas vialidades estaban equipadas para zonas de campamentos y en los pueblos se construían casas de hospedaje y abastecimiento de viandas. México ha cambiado rápidamente durante el siglo XX. En varias formas, la vida contemporánea en las ciudades, ha llegado a ser muy similar a la de las ciudades en los Estados Unidos y Europa. Sin embargo, la mayoría de los pueblos mexicanos siguen la forma de vida de sus antepasados. Más del 85% de la población vive en ciudades de más de 200,000 de habitantes. Las áreas urbanas más grandes son la Ciudad de México,Guadalajara y Monterrey. Las principales atracciones turísticas de México son las ruinas antiguas de la cultura mesoamericana, las ciudades coloniales y los complejos turísticos en la playa. El clima templado del país, junto con su herencia histórica cultural; la fusión de la cultura española con la cultura mesoamericana también hacen de México un atractivo destino turístico a nivel mundial. La gran mayoría de los turistas extranjeros que visitanMéxico provienen de los Estados Unidos y Canadá. El siguiente grupo en importancia son visitantes de Europa y América Latina. Una de las siete maravillas del mundo es Chichén Itzá, que forma parte de una antigua e imponente urbe maya. La historia y la cultura son protagonistas de este ambiente que hasta estos días se conserva como hace siglos atrás. El Castillo o Pirámide de Kukulcán es el monumento más impresionante de Chichén Itzá. La grandiosidad y perfección en su construcción se presentan en medio de una gran explanada, alrededor de la cual se elevan otros magníficos edificios; y gracias a sus excelentes proporciones y diseño se la puede admirar a gran distanci
Las evidencias están ahí para quien sepa verlas. El apellido Colón consta en documentación del siglo XV, cuando comenzó la colonización de América, encontrada en archivos eclesiásticos pontevedreses. Cuarenta y cinco topónimos que el navegante usó para bautizar accidentes geográficos en lo que él creía eran las Indias se repiten en las rías de Vigo y Pontevedra. Y, durante su travesía, solo hubo una jornada de celebración: el 18 de diciembre, festividad de la Virgen de la Esperanza, patrona de Pontevedra. Con estos argumentos, el pionero cineasta Enrique Barreiro defiende la tesis que resume el título de su película de 1931: Pontevedra, cuna de Colón. Filmoteca Española acaba de restaurar una de las copias del además considerado primer filme polícromo realizado en España. “La verdad renace y por consiguiente surge con ella el esclarecimiento de la reivindicación más grande, ¡¡Colón era gallego!!”, finaliza la primera de las dos versiones existentes de la obra. Esta puede visionarse en la página web del Centro Galego das Artes da Imaxe (CGAI) y difiere notablemente de la pieza rescatada por Filmoteca. Para empezar, se completó cuatro años antes, en 1927. “El objetivo de Barreiro había cambiado entre una y otra”, explica a ElDiario.es el director de la institución Josetxo Cerdán, “en principio, quería difundir la tesis de que Colón era gallego. En la de 1931, decir 'miren ustedes, he desarrollado un sistema de cine en color”. Se trataba del experimento Cromacolor, una de las muchas tentativas de la época para rebasar el blanco y negro. Fracasada, pero de enorme valor histórico y que en la Pontevedra, cuna de Colón del 31 puede apreciarse en grandes planos paisajísticos diseñados para lucirla.
I expect some of you reading this title, you may counter with, well, it’s not, but let’s look further into this decade of music to give it a fair chance to prove its worth. The 80s for those of us who lived through it, was a time of questionable fashion trends, curious haircuts, all accompanied by some astonishing popular music. There was a radical change in direction for popular music not only because of the revolutions and innovations in music technology but also in terms of stylistic diversity. The 80s saw the rise of Punk, New Wave, Electronic, Soft Rock, and the more middle of the road out and out Pop music. Each of these, plus other musical styles that emerged from the late 70s into the 80s made an essential contribution to making the decade truly memorable. Why is 80s Music so Good One of the most reliable sources of popular music information is NME (nme.com). According to an online survey from NME, the top-selling 12″ of all time is New Order’s ‘Blue Monday’. For many people, this single track exemplifies all that was great about the music of the 80s. There is a bleak, machine-like intensity that sets the tone for this song. The familiar sounds of looped drum-machines, string synths, and bouncing bass lines, all topped with dry, sullen vocals make for a compelling track that captures the essence of the 80s. Looking further into the track, the bleakness of the political situation is also in my opinion, mirrored in the song, highlighting the struggles that were associated with this decade. Even with this dark undercurrent, the music, full of hooks and driven beats, invites repeated listening. Another style of music that entered the popular music charts was Ska. This was not music that originated in the 80s but in a sense was revived through immensely popular groups like The Specials. The band adopted a ‘mod’ look with pork-pie hats, sharp black suits, and loafers for footwear. Alongside their music, this image helped secure the band a place in the minds of everyone who saw them. In their hit track ‘Ghost Town’, the tension and dismay at the politics of the day came through with a clear message.
History of Classic Rock Music Classic rock is a radio format and not really considered a musical genre. It's more of a retrospective of rock's greatest hits that span from the 1960s through the last decade. Most classic rock stations use top rock acts like Led Zeppelin, Pink Floyd, AC/DC, Van Halen and Aerosmith as their anchor artists and rely heavily on rock hits of the seventies and eighties to fill out the library. The number of songs in a classic rock library are dictated by the radio station and can range from a tight format of 500 songs to a wide freeform format encompassing thousands of songs. The timeline for most classic rock stations is 1964 through 1990, but this timeline varies from station to station. Some classic rock stations even reach back to the fifties for specialty shows. Chuck Berry is played on the more diverse stations, whereas he is omitted on stations that try to ride off lots of the Led Zeppelin through Boston era. If you find that the station plays a Led Zeppelin every hour, there's a good chance the station uses a small tighter library that doesn't include the music of early rock pioneers. Although the transition from "rock and roll" to "rock" clearly happened in the sixties and The Beatles were a huge influence, many classic rock stations treat Led Zeppelin as the band that started rock. Many classic rock stations are simply a continuum of rock stations that have been around since the 1960s or 1970s. KGB in San Diego is an example of a station that has played rock for decades and now devotes their programming to classic rock. KISW in Seattle continues to have an "active rock" format, playing current music as well as classics. The Seattle station has been on the FM dial since 1950 but first started playing rock in the early seventies. The roots of classic rock's popularity beyond the core anchor artists began with pop artists who began making experimental albums that were played on freeform stations in the late sixties. A company called MetroMedia owned several freeform stations such as KSAN in San Francisco, KMET in Los Angeles and WMMS in Cleveland, one of the first cities in America to play any kind of rock and roll music. Freeform was also called progressive rock radio. Other freeform stations owned by MetroMedia included WNEW in New York and WMMR in Philadelephia. Freeform staton with other owners included KZAP in Sacramento, WHFS in Baltimore, WBCN in Boston, WXRT in Chicago and WABX in Detroit. Freeform, heavily influenced by public and college radio, helped shape the initial core library of what became the rock format. By the late seventies many of the main freeform stations had been taken over by a handful of rock radio consultants, who streamlined the stations into tight playlists remembling the top 40 approach to programming with slightly looser rotations and jock presentation. Coined by consultant Lee Abrams as "album-oriented rock," the format became huge in the eighties but was overshadowed in the nineties by the alternative rock format. Eventually, many AOR stations either changed format or became classic rock stations. Today the active rock format survives, but there are more classic rock stations around the country. Many rock hits heard on classic rock stations were also big pop hits, which gives the format a familiar sound to people who grew up with 60s and 70s top 40 radio. The more diverse classic rock stations play The Beatles, The Rolling Stones, The Byrds, The Doors, Elton John, The Eagles and Crosby, Stills & Nash along with Def Leppard, Bruce Springsteen and Tom Petty mixes with less familiar blues-based rock. The format itself has no solid definition in the radio industry, other than popular rock songs from the past. Tightly formatted stations tend to pay close attention to audience research to determine which songs still test well. The wider open classic rock stations seem to offer a more human sounding community spirit while the the tighter stations sound like a jukebox programmed to play a short list of Led Zeppelin songs in heavy rotation.
Born in America, jazz can be seen as a reflection of the cultural diversity and individualism of this country. At its core are an openness to all influences and personal expression through improvisation. Throughout its history, jazz has straddled the worlds of popular music and art music, and it has expanded to a point where its styles are so varied that one artist may sound completely unrelated to another. First performed in bars, jazz can now be heard in clubs, concert halls, universities, and large festivals all over the world. The Birth of Jazz New Orleans, Louisiana, around the turn of the 20th century was a melting pot of cultures. A major port city, people from all over the world come together there, and as a result, musicians are exposed to a variety of music. European classical music, American blues, and South American songs and rhythms came together to form what became known as jazz. The origin of the word jazz is widely disputed, although it is thought to have originally been a sexual term. Louis Armstrong One thing that distinguishes jazz music is its focus on improvisation. Louis Armstrong, a trumpet player from New Orleans and then Chicago, is considered the father of modern jazz improvisation. His trumpet solos were melodic and playful and filled with energy that could only result from being composed on the spot. A leader of several groups in the 1920s and 30s, Armstrong inspired countless others to make the music their own by developing a personal style of improvisation. Expansion of Jazz Thanks to early records, the music of Armstrong and others in New Orleans could reach a broad radio audience. The music’s popularity began to increase as did its sophistication, and major cultural centers around the country began to feature jazz bands. Chicago, Kansas City, and New York had the most thriving music scenes in the 1940s, where dance halls were filled with fans that came to see large jazz ensembles. This period is known as the swing era, referring to the lilting “swing” dance rhythms employed by the Big Bands. Benny Goodman popularized the music for white audiences. Other influential bandleaders were Cab Calloway and Count Basie. Billie Holiday One of the greatest jazz vocalists of the 1930s to the 1950s, Billie "Lady Day" Holiday could wrench enormous emotion out of any word in a jazz tune. She made her first recordings with Benny Goodman but found wider fame with Count Basie's orchestra. Duke Ellington Influential bandleader, composer of American standards, and pianist Duke Ellington was a pioneer in the Big Band era, and his band lasted for more than 50 years, based out of New York, though they toured worldwide. He is widely renowned as America's greatest composer. His career started in the 1920s and extended into the 1970s. Bebop Big Bands gave musicians the opportunity to experiment with different approaches to improvisation. While members of a Big Band, saxophonist Charlie Parker and trumpeter Dizzy Gillespie began to develop a highly virtuosic and harmonically advanced style known as "bebop," an onomatopoeic reference to the rhythmic punches heard in the music. Parker and Gillespie performed their music in small ensembles all over the country, and musicians flocked to hear the new direction jazz was taking. The intellectual approach and technical facility of these pioneers of bebop set the standard for today’s jazz musicians. Other bebop influencers include Thelonious Monk and Max Roach. Ella Fitzgerald One of jazz's most popular singers for 50 years was Ella Fitzgerald, who sold 40 million records in her lifetime and toured the nation widely, leading her own band. She started her career during the Big Band era but adapted to bebop and other styles, becoming a pioneer in scat singing. Miles Davis In 1944, Miles Davis joined Charlie Parker's band (his idol), but it wasn't long before his experimentation and improvisation led him to front his own projects. (See "Kind of Blue," the biggest-selling jazz album of all time.) His 1960s quintet, which included John Coltrane, is lauded as one of the most influential in jazz—and this was even before he recorded "Bitches Brew." He's the most influential jazz artist of the second half of the 20th century, due to his constant reinvention of himself and jazz music. Jazz Today Jazz is a highly developed art form that continues to evolve and expand in numerous directions. The music of each decade sounds fresh and distinct from the music that preceded it. Since the days of bebop, the jazz scene has included avant-garde music (Sun Ra, Charles Mingus, Eric Dolphy, Ornette Coleman), Latin jazz (Tito Puente, Stan Getz, Cal Tjader, Mongo Santamaria, Poncho Sanchez) jazz/rock fusion (Herbie Hancock, Chick Corea, Freddie Hubbard), and countless other styles. Jazz today is so diverse and broad that there is something interesting to find in every artist’s style.
CHANO POZO Una biografía del mítico músico cubano, Chano Pozo, publicada por la Editorial Oriente y de la autoría de Rosa Marquetti Torres, fue presentada en el más reciente Sábado del Libro, el espacio de promoción literaria que organiza y realiza cada semana el Instituto Cubano del Libro, en la Calle de Madera de la Plaza de Armas, en La Habana Vieja. Luciano Chano Pozo González (La Habana, 7 de enero de 1915-Nueva York, 2 de diciembre de 1948) fue un consagrado percusionista y compositor, conocido como El Tambor de Cuba, que fue un revolucionario entre los tamboreros de jazz, al introducir en ese género musical norteamericano «una nueva y vigorosa energía», al decir del destacado etnólogo cubano don Fernando Ortiz.. De Chano ha afirmado Dizzi Gillespie que era realmente un adelantado a su tiempo: «Los percusionistas, los tamboreros actuales no se han apartado de su estilo. Todavía no se han apartado de verdad de lo que Chano Pozo tocaba. Hacen algunas cosas diferentes, claro, pero fue Chano Pozo el que fijó las bases fundamentales». En Chano Pozo. La vida (1915-1948), Rosa Marquetti se propone y logra, según se expone en las notas de contracubierta que acompañan al volumen, caminar tras la leyenda, intentando encontrar asideros reales que la reafirmen; visibilizar, más allá de la anécdota, la espontánea genialidad de un hombre controversial donde los haya; documentar las circunstancias que hicieron posible su contribución a la cultura musical cubana y al jazz, y acceder al conocimiento de hechos relevantes que, sin él saberlo ni proponérselo, hicieron de su vida un breve mito incontestable. El libro se divide en seis capítulos que recorren la breve pero intensa vida de Chano. En el titulado "Primeros años (1915-1946)" la autora recorre «aquellos azarosos y misérrimos inicios de su andar por la vida, que lo recibió con una bienvenida nada amable»; también sus primeras creaciones y grabaciones en Cuba y sus incursiones en el cabaret y el cine. En el apartado "RHC Cadena Azul y Amado Trinidad (1941-1946)" se recuerdan sus inicios precisamente en esta emisora de radio, donde «encontró el ámbito propicio para explayar con libertad todas sus facultades, ingenio y destreza interpretativa, y ser recibido con complacencia por quienes allí mandaban». De igual modo su relación de trabajo con otra grande del pentagrama cubano, Rita Montaner. "Nuebayol-Labana-Nuebayol (1946-1947)" es, quizá, el más atractivo de los capítulos, pues recoge sus primeras incursiones en la ciudad norteamericana de Nueva York, los encuentros con otros músicos cubanos ya radicados allí, como Mario Bauzá, Miguelito Valdés, Arsenio Rodríguez, Marcelino Guerra, Rapindey, Machito y sus Afro-Cubans, y Olga Guillot, entre otros. El pináculo de la breve carrera artística de Chano Pozo se expone en "¡Ahora sí! (1947)". Ahí el lector disfrutará de los grandes momentos que le tocó vivir a partir de su encuentro con el famoso trompetista Dizzi Gillespie y la integración a su banda. Cuenta la autora que «Chano sedujo a Gillespie en el mejor sentido y del modo que mejor sabía hacerlo: sacando unos sonidos endiablados de su inseparable tumbadora y con un performance demasiado integral como para olvidarlo». Este encuentro entre los dos genios «marcó necesariamente un hito dentro del convulso y original panorama del jazz en Norteamérica». A partir de ahí se concretó definitivamente la imbricación de los elementos afrocubanos con el jazz que se hacía en Estados Unidos y ese es básicamente el aporte de Chano a lo que luego se definiría como latin jazz o jazz afrocubano. En el libro se narra, de igual modo, los trágicos sucesos que desembocarían en el asesinato de Chano Pozo, a manos del puertorriqueño Eusebio Muñoz, El Cabito, una fría noche de diciembre de 1948. De Chano diría también don Fernando Ortiz: «Por el tambor de Chano hablaban sus abuelos, pero también hablaba toda Cuba, pues el músico Chano, que injertó en el jazz de Norteamérica una nueva y vigorosa energía, fue cubano "cien por cien"». Y es ahí precisamente, en las palabras de Fernando Ortiz, donde se revela la importancia de rescatar para las nuevas y futuras generaciones de cubanos, la obra de esos músicos que, como Chano Pozo, contribuyeron y contribuyen, con ella, a mantener vivo un arte de genuina cubanía. En el siguiente video Dizzi Guillespie explica el proceso de creación del tema "Manteca" y cómo Chano Pozo fue sugiriendo las entradas de cada instrumento. Lamentablemente no está traducido, pero se entiende. En la segunda parte del video se puede disfrutar de la grabación original, en 1948, de "Manteca":
Mario Bauza Síntesis biográfica Trabajó en la Orquesta de Antonio María Romeu en grabaciones de obras danzoneras realizadas en Nueva York y posteriormente trabajó y formó parte de las más importantes orquestas jazzísticas de la época en Estados Unidos. Se destacó por su trabajo en la mezcla de armonías jazzísticas con ritmos cubanos. Trayectoria Inició sus estudios de música con Arturo Andrades a la edad de cinco años. En 1918 ingresó en el Conservatorio Municipal de La Habana «Amadeo Roldán», donde estudió con Modesto Fraga, solfeo; María Luisa Chartrand, piano, y Fernando Carnicer Fernández, clarinete y otras materias musicales. Se graduó en 1927. En 1926 viajó a Nueva York para grabar danzones con la orquesta del pianista Antonio María Romeu y durante su estancia de un mes entró en contacto por vez primera con el jazz, en Harlem. Tras presenciar una actuación en vivo de la orquesta de Paul Whiteman, y notando la abundancia de los solos de saxofón, decide dedicarse a tocar el saxo alto. Al graduarse como clarinetista en el Conservatorio Municipal de La Habana en 1927 se le ofreció una beca de posgrado en la Universidad de Milán, pero la declinó, pues ya le interesaba mucho más la música popular. Decidió permanecer en Cuba, donde actuó como clarinete bajo en la Orquesta Filarmónica de La Habana, y además trabajó hasta 1928 como saxo alto y clarinete soprano con la orquesta de José Curbelo, padre. Durante ese año, junto a Machito, estuvo con el septeto Jóvenes de Redención. Mientras trabajaba con otras agrupaciones, tocó el saxo alto con la orquesta Los Diplomáticos. En 1930 regresó a Nueva York como saxofonista de la orquesta de Justo Azpiazu (Don), y más adelante grabó como trompetista con el Cuarteto Machín, del cantante Antonio Machín. En 1931 comenzó como saxo alto en la orquesta de Noble Sissle; tocó la primera trompeta con Hi Clark y sus Missourians en el Ballroom Savoy de Harlem en 1932. Ese mismo año se unió a la orquesta de Chick Webb como trompeta principal. En 1933 fue nombrado director musical de dicha agrupación, y permaneció como tal hasta 1937. En un concurso de aficionados celebrado en el Teatro Apolo, «descubrió» a Ella Fitzgerald y se la presentó a Chick Webb, quien la invitó a entrar en su banda, lo que significó un salto importante en la carrera de la Fitzgerald. Entre 1937 y 1939 tocó con las orquestas de Don Redman y Fletcher Henderson. En 1938 se incorporó a la banda de Cab Calloway, a quien presentó al entonces joven trompetista John Birks Gillespie, más conocido como Dizzy Gillespie, quien se integraría a la banda. En 1940 abandonó la orquesta de Calloway para crear con su cuñado Frank Grillo (Machito) los Afro-Cubans. «Cuando Mario Bauzá dejó a Cab Calloway para organizar la banda de Machito, conocía tanto la música cubana como el jazz, de pies a cabeza. Primeramente escribió arreglos para dos trompetas, cuatro saxofones, y una sección de ritmos de cuatro hombres del tipo jazz —tratando de buscar un equilibrio entre las dos tradiciones. Resultó bien. Pronto, en 1946, añadió una tercera trompeta y un tocador de conga y más tarde, a medida que la prosperidad lo permitía, otro trombón y otro tocador de conga. La forma como creció la instrumentación es significativa: el agregar trompetas y trombones permitía armonías más completas siguiendo la tradición del jazz, mientras el aumento de congas mantenía los ritmos cubanos complejos y dominantes. Fue una doble síntesis.» Mientras Mario Bauzá y Machito trabajaron juntos en los Afro-Cubans, fusionaron la música afrocubana y el jazz, popularizaron el jazz afrocubano e influyeron profundamente a su vez en el jazz y la música popular estadounidense. «En los años 40 lancé el “Afrocuban Jazz”. Fue un edificio que construí con los cimientos de los ritmos afrocubanos y la estructura del jazz. Se trató de un matrimonio mixto en el que ninguno de los elementos perdió su autenticidad. El músico norteamericano se dio cuenta que fue un progreso para el jazz. Gillespie se dio cuenta porque yo le enseñé lo que era.» Durante los treinta y cinco años en que trabajó con la orquesta de Machito, escribió alrededor de quinientos arreglos para esta agrupación, con la que trabajaron o grabaron en los años 40 y 50 legendarios jazzistas como Dexter Gordon, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Flip Phillips y Cannonball Adderly. En 1941 hicieron su primer disco para la Decca Records. Sus grabaciones de Sopa de pichón y Tingo-talango fueron hits en la comunidad musical neoyorquina.
Los inicios de Fórmula V se comienzan a forjar en 1967 gracias a la fusión de dos bandas madrileñas: Los Rostros y Los Jíbaros, cuyos miembros ya se habían conocido en algunos conciertos de la ciudad y se hicieron llamar Los Cambios. Pero el salto no se da hasta 1968. José Nieto (ex componente de Los Pekenikes) escuchó a la banda e hizo saber de su existencia a Maryní Callejo, directora artística que ya había triunfado con Los Brincos y Los Relámpagos. Callejo recogió a los cinco jóvenes músicos prometedores para realizar este proyecto bajo la atenta mirada del sello Phillips, no sin antes cambiar el nombre de la banda por el de Fórmula V. Ella misma, como arreglista y productora, junto a la colaboración de dos componentes de Los Relámpagos (Pablo Herrero y José Luis Armenteros) moldearían a las jóvenes promesas de la música española para convertirlos en la referencia de la música de verano de finales de los 60 y principios de los 70. Así Fórmula V consiguieron grabar el primer single con “Mi día de suerte es hoy” y “Vuelve a casa”, traducción del éxito “Come home” del conocido grupo británico Dave Clark Five. Ya en esos singles, se pudo comprobar el sello identificativo de la banda: canciones comerciales, juveniles, desenfadadas y pegadizas, muy acordes con el tipo de música que se escuchaba en ese momento. Y fue en 1968 donde ya consiguieron su primer éxito con “Tengo tu Amor”, que los alzó como grupo revelación y escalaron rápidamente al número uno de la lista de los más vendidos. A partir de ahí, los éxitos se sucedieron: “Cuéntame” y “Cenicienta” (1969), “Jenny Artichoke” (1970), “Vacaciones de Verano” (1972) “Eva María” (1973), “Loco, Casi Loco” y “La Fiesta de Blas” (1974). Su fama se extendió por parte de Sudamérica incluyendo Cuba, donde el grupo aún conserva gran popularidad, y donde estuvieron presentes en sus giras de reunificación de los 90. Su indumentaria también les hacía característicos: esmoquin blanco, pantalones negros, camisas de raso beige o azul, marcando muy bien su estilo tanto en la música como en la vestimenta. Aparte del gran éxito, Fórmula V protagonizó un par de películas tituladas “Un, dos, tres, al escondite inglés” (1968) dirigida por Iván Zulueta y “A 45 revoluciones por minuto” (1969) de Pedro Lazaga En 1975, los cinco componentes del grupo, de común acuerdo, resolvieron finalizar la Fórmula V. Se volvieron a reunir en una gala de TVE en 1986 realizada por Fernando Navarrete después de once años sin verse. A partir de 1995, han realizado conciertos de forma periódica junto a Los Diablos y han grabado varios CD, el primero de los cuales, “Fórmula-Diablos” llegó a ser disco de oro.
Nicola di Bari, cantante italiano. Nace en (Zapponeta, el 29 de septiembre de 1940), con el nombre de Michele Scommegna. Ganó el Festival de San Remo en los años 1971 y 1972. Carrera Musical En la década de los sesenta comenzó su carrera musical; pero el tono de su voz no le permitió lograr el éxito con rapidez. En 1963 apareció su primer sencillo y al siguiente año logro cierta popularidad con el tema “Amor Regresa a Casa”. En 1965 es invitado a participar en el Festival de San Remo; logrando llegar a la ronda final. En 1966 y 1967 se presento en el festival; pero no logro llegar a la final. Su carrera continuo sin grandes sucesos, hasta que repentinamente en 1970, también en San Remo, logra reconocimiento, alcanzando el segundo lugar con el tema “La Prima Cosa Bella”. La consagración definitiva le llego en el año 1971; y en 1972 repite de nuevo su éxito. En 1974 se presento una vez mas en San Remo y llego a finalista. En 1972 gana el Festival de la Cancion de Eurovision Por sus canciones en castellano goza de gran popularidad en Latinoamérica, entre ellas, “Los días del Arco Iris“, “Lisa de los Ojos Azules” , “Trotamundo” , “Rosa” , “La Primera Cosa Bella” , “Mi Corazón es un Gitano”, y “Como Violetas”. Sus éxitos lograron llegar a Argentina y otros países de Latinoamérica, donde realizo giras y presentaciones entre los años 70 y 80. En su época de oro grabo y canto muchos temas, incluso en español; y sus temas “Vagabundo” y “Guitarra Suena más Bajo”, junto a otros mas, recorrieron Latinoamérica y lograron situarse entre los primeros en los hit-parades. Su estilo tan personal y romántico sirvió para que se le comenzara a llamar el Ultimo Romántico, gracias a un tema con ese nombre, el cual popularizo y también sirvió para darle mayor fama. Anecdota Cuando niño, cantaba de una manera muy particular. Nicola Di Bari contaba la siguiente anécdota en un medio de prensa: “sus compañeros de colegio lo persuadieron para que ayudara a vender a un heladero que no tenía pregonero. No solo se acabaron los helados, sino que se formó un tumulto para escucharlo; fue entonces cuando él decidió: Seré un Cantante Popular. Y su deseo se cumplió.
Nació en un pequeño pueblo valenciano, Aielo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes. Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto “Los Hispánicos” con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional “Fiesta en España”. Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto. Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto “Los Superson” junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de Vall d’Uxò en 1968. Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 4 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado. Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras. Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida. El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas. El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, a la que pone el mismo nombre que su madre. Poco después edita su tercer álbum, titulado “Un beso y una flor”, con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica. En noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podía votar por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado “Mi tierra”, en el que se incluye uno de sus principales hits: “Libre”. El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas Valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano. Muerte El 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado de su guitarrista Pepe Juesas y del Dúo Humo, sufrió un accidente de carretera fatal cuando viajaba de Valencia a Madrid por motivos profesionales en el término de Villarrubio, en la comarca de Tarancón, Provincia de Cuenca. Tenía 28 años, y esperaba un nuevo hijo de su esposa. El 27 de noviembre de 1973 nacería Eva, la hija que no llegaría a conocer a su padre. Tras su muerte aparece un disco póstumo, titulado “…Y Vol. 5”, que incluye diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encuentra “América, América”, que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos.
Los Pasteles Verdes es un grupo musical peruano originario del poblado de Chimbote (chimbotano), surgido a inicios de los años 1970, siendo fundado por Victor Hugo Acuña Lecca y su hermano César, que obtuvo gran fama internacional interpretando lindas y espectaculares canciones de sus autores Fernando Arias (radicado en México) que con su genial creación ” Recuerdos de Una Noche” catapultó a Los Pasteles Verdes a la fama mundial, y Alberto La Torre (radicado en Perú) que con sus temas “Te quiero, te espero” y “Ya es muy tarde” abrió el camino a la fama. Los éxitos de Pasteles Verdes derivarían de diversos éxitos del repertorio de diversos países, en México la catapulta de éxito se derivaría de la regrabación del éxito llamado “Esclavo y amo” grabado por el cantante de Mariachi Javier Solis años antes en la década de los 60’s, es así que, a mediados de los años 70’s en versión “balada” se inmortaliza éste éxito en el país norteño a través del sello discográfico “Discos Continental” de la Ciudad de México y que hasta la fecha se combina con éxitos de balada romántica de cantantes de todo el orbe americano como Leo Dan, Leonardo Favio y Piero.
Para hablar de la época de oro de la música uruguaya hay que mencionar a Los Iracundos. Seis jóvenes uruguayos, originarios de la ciudad de Paysandú, formaron esta agrupación, en 1958 en ese entonces tomaron el nombre de “Blue Kings”. Más adelante, y por cuestiones de imagen adoptaron el nombre que los llevaría a la fama: “Los Iracundos”. Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista ),su hermano, Leonardo Franco (Primera Guitarra), Juan “Bosco” Zabalo (Segunda Guitarra), Juan Carlos Velásquez (Batería), Hugo Burgueño (Bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (Teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo, que alcanzaron la fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos juveniles como “Calla”, “Todo termino”, “El desengaño”, “La lluvia termino” “Felicidad Felicidad” ” El triunfador” y “Es la lluvia que cae”, tema incluido en el lp: Iracundos en Roma, el más exitoso de esta decada, éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine. El tema Puerto Montt, es sin duda el tema emblema del grupo de la composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-ARGENTINA . Siendo presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción ( 11-11-1968) quedando en segundo lugar de dicho evento . Posteriormente, en los 70, reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Rio verde ,Infidelidad es tu traición,Marionetas de Carton , Cada noche mia, Me estas matando, Y me quede en el bar, Tu me diste amor, Pasión y vida. Sacando un lp por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta decada el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría, rotundamente exitoso. Asi también se editan un total de 6 L.p. con temas instrumentales, entre ellos Tango Joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta “El último cafe”. A comienzos de los 80, hacen una aparición en la película “Locos por la Musica”, junto a otros musicos, aportando su éxito, “Esa esquina”; en 1981 lanzan su disco de oro, Tormenta de verano; en el 82, Cuarenta grados, cuyo tema principal se grabo también en portugues; en el 83 lanzan un nuevo álbum donde se resalta el tema “Aprontate a Vivir”, y en 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, “Tú con él”, de la autoría de Eduardo Franco, en el lp del mismo nombre y donde también se encuentra el tema “Las puertas del olvido” que llego a ser un éxito también en Estados Unidos. En 1985, tras su retiro de la disquera RCA ARGENTINA , donde permanecieron más de 20 años,se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: “Tu por aquí”, “Chocar la misma pared”, “Adios , Borron y cuenta nueva”, “No quiero un beso” y “Tu y yo,de igual a igual”. Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su lp “Iracundos 86 ” ,ya bajo el sello Microfon , con otra composición de EDUARDO FRANCO ,el tema “Me voy o me quedo”, que incluso tiene un video clip, como todos los temas de este disco. Debido a problemas de autoría, es en este año donde el bajista Hugo Burgueño se separa, lo que causa un grave e irreparable daño en el grupo, tras haber estado el grupo unido por 25 años . En 1987, Los Iracundos, sacan 2 nuevos lps; el primero , con la denominación “Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre” con nuevos temas, que alcanza un éxito relativo con los temas “Por que me hiciste trampa” y “Dime quien” que sono tiempo después; el segundo lp de este año fue el primer volumen de un popurri de sus temas más reconocidos llamado la Historia de Los Iracundos . El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco fallece de un cáncer terminal a los ganglios, en su ciudad Paysandú, después de varios años de sobrellevarlo asombrosamente frente a su exigida profesión; dejando como sucesor a Jorge Gatto, y con el que el grupo graba ese mismo año el segundo volumen del popurri denominada La Historia de Los Iracundos vol 2. Ya en 1990, el grupo decide sacar un nuevo álbum, completo de temas de la autoría de Eduardo Franco, llamado Iracundos 90 , que no alcanzo gran éxito. En 1992 el tecladista del grupo, Jesus Febrero, abandona el grupo y tiempo después, un 1 de noviembre de 1992 , Juan Bosco Zabalo, segunda guitarra, fallece por problemas al corazón. Para 1994 el grupo, que constaba con Leonardo Franco y Juan Carlos Velasquez, como integrantes fundadores y con Jorge Gatto como vocalista sucesor, deciden lanzar un nuevo álbum, también, con temas inéditos de la autoría de Eduardo Franco, teniendo como tema principal “Con la misma moneda” que se convierte en un disco de oro, renovando la popularidad del grupo, y lo lleva a concursar en la OTI , en el 96, con otro tema inédito de Franco, “Quiero estrenar el amor contigo”.
Sandro o Sandro de América —nombre artístico de Roberto Sánchez— es un destacado cantautor argentino de balada romántica, música rock & pop latina famoso en todo el continente. Nació el 19 de agosto de 1945 en Valentín Alsina (Lanús, Buenos Aires). Es uno de los fundadores del rock en español. Publicó 52 álbumes originales y vendió 8 millones de copias, aunque hay fuentes que elevan hasta 22 millones.[1] Algunos de sus éxitos son “Dame fuego”, “Rosa, Rosa”, “Quiero llenarme de ti”, “Ese es mi amigo el puma”, “Tengo”, “Trigal”, “Una muchacha y una guitarra”. Su tema “Rosa, Rosa” vendió en su país natal casi 2 millones de discos, siendo su obra más famosa. Su tema “Tengo” ha sido considerado el Nº 15 entre los 100 mejores temas de la historia del rock argentino, por la cadena MTV y la revista Rolling Stone.Realizó 16 películas. Fue el primer latino en cantar en el Madison Square Garden. En 2005 recibió el Grammy Latino a la Trayectoria. Nació, se crió y vivió siempre en los suburbios industriales del sur de la Ciudad de Buenos Aires. Su abuelo paterno pertenecía al pueblo Rom y Sandro recogió esa herencia asumiendo el sobrenombre de Gitano
Leonardo Favio, nombre artístico de Fuad Jorge Jury, es un reconocido realizador cinematográfico, guionista, compositor, cantante y actor argentino. Con sus películas ganó premios nacionales e internacionales, considerándosele un director de culto; exitoso y respetado. Por otro lado, ha sido homenajeado por multiplicidad de artistas, con canciones transcritas en más de catorce idiomas. INFANCIA Nació el 28 de mayo de 1938, en la localidad de Luján de Cuyo, de la Provincia de Mendoza. Nació en un barrio pobre y complicado, donde soportó el abandono de su padre. Pasó gran parte de su infancia internado; conflictivo, siempre escapó o se le expulsó. Una serie de robos pequeños le llevó incluso a la reclusión carcelaria. Estudió un tiempo como seminarista y más tarde intentó alistarse en la Marina: duró poco y se marchó con el mismo uniforme que le sirvió para pedir limosnas en Retiro. Su madre, escritora de radioteatros, solía conseguirle “bolos” (pequeños papeles escasamente remunerados) en Mendoza; etapa en la que además comenzó a preparar sus primeros libretos. Cine de culto Favio se marchó a Buenos Aires. Trabajó de extra en la película El Ángel de España (1958), del cineasta peruano Enrique Carreras, y posteriormente —bajo el padrinazgo de Leopoldo Torre Nilsson, Babsy— comenzó su carrera de actor participando en filmaciones como El Secuestrador (1958) y Fin de Fiesta (1960), entre otras. Su dote de director nació con el cortometraje El Amigo (1960), contando ya con una obra a cuestas, pero inconclusa —El señor Fernández (1958). Favio logró —además de éxito en la crítica— varios premios, tanto nacionales como internacionales. Reconocido como director de culto, fue parte de la segunda gama de directores que renovó el cine argentino. Entre los cabecillas de este nuevo cine en los ‘60 estaba su buen amigo Torre Nilsson y Fernando Ayala. En 1965 estrenó su opera prima Crónica de un niño solo, producida por Torre Nilsson. En 1967 realizó El romance del Aniceto y la Francisca, con Federico Luppi, Elsa Daniel y María Vaner. A menudo es mencionada como la mejor película argentina de todos los tiempos. En 1969 Favio estrenó El Dependiente, basado en un cuento de su hermano y coguionista Zuhair Jury —también director, autor e intérprete—. La película fue catalogada por el Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales (INCAA) de “exhibición no obligatoria”, significando la supresión del apoyo oficial argentino hacia el filme. Fue entonces cuando Favio, quizá motivado por las trabas económicas que el cine le estaba significando, decidió lanzarse sorpresivamente al canto profesional, cosechando un éxito que le permitió en numerosas oportunidades solventar gran parte de sus películas. Éxito y fama por las nubes De pequeño Favio aprendió a tocar guitarra, intercambiando clases por trabajo. Antes del reconocimiento solo cantó en reuniones íntimas, entre amigos y familiares. Su debut como cantante le llevó a la Botica del Ángel, a manos de Eduardo Bergara Leumann. Ese mismo día un ejecutivo de la CBS le propuso grabar un disco, resultando el primer single de Favio Quiero la Libertad, un gran fracaso. La productora entonces le aconsejó grabar Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa; íconos de su primer LP, también titulado Fuiste mía un verano (1968). El disco resultó emblemático, constituyendo el más clásico de sus repertorios. Tras su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile, Leonardo consolidó su fama internacional. El éxito sofocó un poco a Favio. De una vida más bien tranquila como director, pasó a un mundo mediático, lleno de fanáticos y conciertos continuados; tanto le atochó la fama que llegó a encerrarse durante meses en su departamento. Luego de grabar su segundo LP – Leonardo Favio (1969)- y en pleno apogeo de su éxito como cantante, dejó los escenarios para dedicarse por completo a su película Juan Moreira (1973). Nazareno Cruz y el lobo (1975, sobre el radioteatro de Juan Carlos Chiappe) consolidó a Favio como director, siendo esta la película más vista en la historia del cine argentino. En 1976, realizó Soñar, Soñar, con Gianfranco Pagliaro y Carlos Monzón y, tras el golpe militar, se fue al exilio. Share this:
Héctor Alipio Téllez Ruiz. Cantante y compositor cubano. Ha desarrollado una ascendente carrera artística por más de 40 años y marcado un estilo dentro de la canción, la balada y el bolero. Su voz ha dejado grabada obras importantes del cancionero cubano. Pertenece a la Asociación de Música (UNEAC) Natural de Placetas, Santa Clara (actual provincia de Villa Clara).Se inició a los trece años de edad como cantante y guitarrista en el trío “Venus” de esa ciudad. Luego se unió a otros tríos y al cuarteto de Gustavo Rodríguez, actuando también como solista. Ya radicado en La Habana, formó parte del trío “Voces de Oro”, de donde pasó a formar parte del cuarteto “Los Memes” junto a Farah María, Miguel Ángel Piña y Meme Solís, alcanzando popularidad, manteniéndose después por su trabajo como solista y sus exitosas presentaciones en centros nocturnos, radio y televisión de Cuba. Cuarteto “Los Memes” Ha grabado varios discos de larga duración y filmado documentales. Ha compartido escenarios con artistas como Pancho Céspedes, Oscar D León, Nicola D Bari, Lucecita, Los Mustang, Los Formulas V, Los Tres Caballeros, entre otros. Cualidades como cantante Posee una excelente voz, y dominio de la interpretación, además de incursionar en la composición, lo que le ha permitido ser invitado a los concursos de composición realizados en Cuba. Cantante de una afinación impecable, belleza en el color de la voz, seguridad y acierto en sus interpretaciones. Con un variado repertorio cultiva la canción romántica y el bolero, imponiéndole un estilo que lo distingue por su elegancia y dominio escénico. Participación internacional Durante muchos años ha sido figura principal de los Centros Nocturnos de Cuba y de espectáculos que han viajado a varios países como España, Alemania, Panamá, México, Venezuela, Haití, Antillas Holandesas, Nicaragua, Rusia, Bulgaria, y Checoslovaquia. Tuvo la oportunidad de ser por espacio de tres años Artista Exclusivo de hoteles en la Isla de Araba, al igual que en el Distrito Federal, México, por cinco años. Discografía Ha grabado discos con las firmas cubana EGREM, ABDALA, PM RECORD, y su más reciente trabajo lo realiza con la firma UNICORNIO con el título “Ponle nombre a este bolero”, siendo una selección de los boleros más famosos de la década de los cincuenta y otros de reciente creación. Este trabajo tiene la producción y arreglos de Juan Manuel Cerito. Reconocimientos Sello de Laureado, Distinción Adolfo Guzmán, Distinción por la Cultura Nacional. 2002. Ha tenido la oportunidad de ser invitado a festivales y concursos nacionales e internacionales obteniendo premios como: Premio a la Mejor Interpretación a la Canción Extranjera en el Festival de Dresde en 1977, Premio de Interpretación en el Concurso Adolfo Guzmán Premios en los Concursos del Creador Musical. Por ser un artista representativo del bolero y la canción ha sido invitado desde sus inicios a los Festivales del Bolero en Cuba y es fundador del Catálogo Artístico del Salón Boleros, de la Casa Dos Gardenias.
Farah María es el seudónimo artístico de Fara García Callava (La Habana, 7 de diciembre de 1944 - La Habana, 30 de diciembre de 2020), cantante cubana también conocida como La Gacela de Cuba, símbolo de la gracia, la sensualidad y la belleza mestiza cubana. Fue una cantante que supo elegir su repertorio y demostró elegancia y dominio en el escenario. Incursionó en casi todos los géneros de la música cubana e internacional. Síntesis biográfica Trayectoria artística Su primera referencia musical fueron las canciones de su abuela. Realizó estudios de canto, danza y expresión corporal. A los 15 años integró el cuerpo de modelos del cabaret del Hotel Capri, con el dúo Las Tropicales, y en la década del 60 formó parte del popular cuarteto vocal Los Meme, junto a Héctor Téllez y Miguel Ángel Piña, donde sustituye a Moraima Secada. Con este grupo es que Farah se da a conocer nacionalmente y alcanza relevancia por su voz y presencia escénica dentro de la agrupación, aspecto que caracterizó siempre a este cuarteto, en el que cada miembro alcanzaba su propio estilo como solista, sin dejar de ser parte de la propia imagen del grupo. Carrera en solitario En 1969 comenzó a cantar como solista vocalista, caracterizándose desde entonces por combinar su interpretación vocal con gestos y desplazamientos de carácter danzario y un excelente movimiento escénico. Incluye en su repertorio sones, guarachas y fundamentalmente canciones románticas, colocando varios temas en la preferencia nacional, como fue el caso de Y yo me muero sin ti (de Jorge Estadella) y Te quiero tanto amor (del cantante y compositor Alfredo Martínez). El público disfrutó en su forma peculiar de interpretar el tango Adiós muchachos, o un buen son como La negra Tomasa, o en sus versiones muy personales de La flor de la canela, El pajaro Chogui, Un cuento, con el que fue premiada internacionalmente, o su sabrosura en el chachachá, del maestro Enrique Jorrín, en el Alardoso, o en su popularísimo Tiburón, hasta incursionar en la obra de Silvio Rodríguez con sus excelentes versiones de El mayor y El día feliz que está llegando. Para ella compusieron canciones maestros como Adolfo Guzmán, Juan Almeida, Meme Solís, Silvio Rodríguez, Mario Aguirre, Juan Pablo Torres, Eddy Gaytán, Barrerita. Compartió escenario en el Gran Teatro de La Habana García Lorca con Josephine Baker y Bola de Nieve. Fue una de las cantantes que más obras interpretó del compositor y comandante Juan Almeida Bosque. En Cuba participó en todos los Festivales de Boleros de Oro. En el año 2005 se le hizo un homenaje por sus cuatro décadas de carrera artística en Santiago de Cuba (Teatro Heredia), y en La Habana (Teatro Nacional: Sala Covarrubias). Concierto Centenario de Barbarito Diez, en Manatí, Las Tunas (Cuba) En diciembre de 2008 se presentó en el teatro de Regla (La Habana). En el 2009 realizó La Habana, entrevistas, radio, prensa, además de un programa de televisión: 23 y M. Actuó en concierto en homenaje a Los Memes (Hotel Comodoro), Sala Artec (de Baracoa), Gran Teatro Guazo (de Guantánamo) Grabación en Radio Mambí con los Ángeles de la Creación (de Santiago de Cuba), así como realizaciones de presentaciones en televisión. Sus recitales en el teatro Amadeo Roldán, o sus presentaciones en las principales pistas nocturnas de la capital, siempre serán bien recordadas por aquellos que la han admirado y seguido de cerca. Representó a Cuba en numerosos eventos, festivales y concursos nacionales como el del Creador Musical y el Adolfo Guzmán; programas de la radio y la televisión, producciones de cabaret y recitales en teatros y salas de concierto. Como invitada especial en festivales tan importantes como el de Melodías Amigas (en la desaparecida Unión Soviética), el Festival de Viña del Mar (en Chile), y en la ciudad de Benidorm (Reino de España), entre otros. Realizó giras artísticas por Italia, México, Panamá, Colombia y España, entre otros países. Actriz En los años setenta tuvo la oportunidad de filmar junto a Enrique Santiesteban, El jinete sin cabeza, en Checoslovaquia, y en los ochenta protagonizó junto al cantante Alfredo Rodríguez una comedia musical en el Teatro Carlos Marx Lola a la pelota, donde se pudo desdoblar como comediante musical. En 2010 filmó como actriz invitada Verde verde, a las órdenes del cineasta Enrique Pineda Barnet, junto al reconocido actor Héctor Noas. En España Residió varios años en el Reino de España, que fue otro escenario de éxitos. Compartió con artistas como Carlos Cano, Caco Senante, Enrique Morente, Pepe Habichuela, Miguel Ríos, Joaquín Sabina y Pablo Milanés. Participó como invitada en diferentes conciertos y trabajó en la radio, la televisión y el teatro, siendo memorables sus actuaciones en la Red de Teatro (en Extremadura), el Teatro López de Ayala (en Badajoz) y el Gran Teatro (de Cáceres) Fallecimiento Falleció el 30 de diciembre de 2020 en La Habana (Cuba), a los 76 años de edad.[1]
Nació en el municipio Guanabacoa, Ciudad de La Habana, el 6 de agosto de 1895. Inició sus estudios con su hermana la pianista y compositora Ernestina Lecuona. En 1904 ingresa en el Conservatorio Carlos Alfredo Peyrellade, donde además del piano, estudió solfeo con Rafael Carrera; posteriormente recibió clases de piano de Antonio Saavedra –discípulo de Ignacio Cervantes— y de Joaquín Nin Castellanos; más tarde, en el Conservatorio Hubert de Blanck, sería alumno de este pianista y compositor de origen holandés, con el que concluyó sus estudios en 1913. En 1909 comenzó a trabajar como pianista en los cines Fedora, Parisién, Norma y Turín; en 1912 ingresó en la compañía de Arquímedes Pous, que actuaba en el Politeama; ese mismo año compuso y estrenó La comparsa; es decir, un año antes de graduarse. Según Jesús Gómez Cairo, esta obra: «es reveladora del genio de su autor, de su condición de compositor nato y de cuáles eran las primicias que devinieron los fundamentos de su pensamiento musical». Y en otra parte agrega: «Y es que Ernesto Lecuona supo desde muy temprano intuir y fijar estructuras de lenguaje, así como desarrollar toda una sintaxis musical que le sirvió de código a los contenidos expresivos de sus obras. En esas estructuras de lenguaje musical, se integran los factores de la tradición —que Lecuona había asimilado mediante una percepción sumamente desarrollada—, con la real inventiva e imaginación propias, desarrolladas a través del estudio interpretativo de la música y la práctica composicional, que ejerció desde adolescente, con extraordinarias facultades. La Comparsa es una muestra de ello.» Concluye Gómez Cairo: En 1918 fundó, junto al compositor José Mauri Esteve, el Instituto Musical de La Habana. Según José Piñeiro Díaz: «El teatro lírico atrae a Lecuona, y la revista, el sainete y la zarzuela tuvieron en él un inspirado cultivador. Su primera obra, Domingo de piñata, fue estrenada en el teatro Martí en 1919 y marcó un hito en la historia de ese coliseo, al alcanzar cerca de doscientas representaciones; también consagró a Lecuona como un inspirado compositor de fácil vena melódica [...].» De este período datan sus primeras obras con textos de Gustavo Sánchez Galarraga, de quien diría años después, según Guillermo Villarronda: «Gustavo y yo éramos el complemento, la síntesis, el resumen del entusiasmo. Ello nos dio la oportunidad de identificarnos íntimamente. Empezamos componiendo canciones, después emprendimos nuestra labor mejor: la zarzuela.» El musicólogo español Adolfo Salazar, escribió en 1932: «En Ernesto Lecuona, en efecto, se une un intenso amor a la canción criolla, a la música de rico pasado nacional, con un palpitante interés por los ritmos netamente cubanos, o mejor dicho, afrocubanos, según gustan denominarlos los intelectuales del país. Su técnica, enseguida, es una oportuna combinación de lo tradicional (pues no podría tratarse de otro modo lo criollo) con lo más netamente moderno (y no podría tratarse lo afrocubano sin este concepto avanzado), mientras que el resultado final de su arte, lo que Lecuona consigue, es un tipo de obra que participa de lo popular y del arte de concierto en hábil proporción. Una música que no es estrictamente folklorista, pero que se basa en lo popular para confeccionarla en una forma de general alcance, no limitada al estrecho círculo de las modernidades a todo trance, sino que busca un ancho círculo de auditores, es decir, una música que parte de lo popular, busca lo popular y sabe guardarse de caer en lo populachero. No difícil; sin embargo, distinguida. No popularista; sin embargo, fácilmente accesible.» Lola Cruz, con libreto de Sánchez Galarraga, es estrenada el 13 de septiembre de 1935 en el teatro Auditorium (hoy Teatro Auditorium Amadeo Roldán), en la que debuta en el ámbito teatral Esther Borja, con el tenor cómico Pedrito Hernández. Este mismo año, Lecuona fundó la Orquesta de La Habana, con Virgilio Diago, Catalino Arjona y David Rendón, violinistas; Roberto Ondina, flauta; Modesto Bravo, clarinete, Ignacio Villa (Bola de Nieve) y David Rendón, hijo, pianistas. En 1936 realiza su primera gira a Argentina, en compañía de Ernestina Lecuona Casado, Esther Borja y Bola de Nieve, visita que repitió en 1937, 1938 y 1940. En 1938 visita Perú y Chile, y ese mismo, año, participa en Argentina, junto a Esther Borja y Bola de Nieve, en el filme Adiós, Buenos Aires. Sus relaciones con numerosos artistas extranjeros, permitieron a Lecuona traer a Cuba a algunos de los más destacados del momento, Pedro Vargas, José Mojica, Margarita Cueto, Azucena Maizani, Carmen Torres, Charlo y Eugenia Zuffoli. Muerte Murió el 29 de noviembre de 1963.
Alonso Quijano es un hidalgo -es decir, un noble sin bienes y de escala social baja-, de unos cincuenta años, que vive en algún lugar de La Mancha a comienzos del siglo XVII. Su afición es leer libros de caballería donde se narran aventuras fantásticas de caballeros, princesas, magos y castillos encantados. Se entrega a estos libros con tanta pasión que acaba perdiendo el contacto con la realidad y creyendo que él también puede emular a sus héroes de ficción. Con este fin, recupera una armadura de sus antepasados y saca del establo a su viejo y desgarbado caballo, al que da el nombre de Rocinante. Como todo caballero, también necesita una dama, por lo que transforma el recuerdo de una campesina de la que estuvo enamorado y le da el nombre de Dulcinea del Toboso. Por último, se cambia el nombre por el de Don Quijote, que rima con el del famoso caballero Lanzarote (Lancelot). Don quijote sale en busca de aventura. Tiene un aspecto ridículo, pero está decidido a llevar a cabo hazañas heroicas. Sin embargo, aquí comienzan a surgir las primeras diferencias con la realidad: ve una posada y cree que es un castillo; exige al dueño que lo arme caballero en una escena cómica; intenta rescatar a un joven pastor que está siendo azotado por su amo; y ataca también a unos mercaderes que se burlan de él, pero es derribado y herido. Vuelve a su casa y consigue convencer a un labrador, Sancho Panza, para que sea su escudero. Sancho, al contrario que Don Quijote, es un hombre ignorante y práctico, pero poco a poco quedará contagiado por los sueños de su señor. Al poco de partir de nuevo, encuentran unos molinos de viento que Don Quijote ataca creyendo que son gigantes. Además, viven otras muchas aventuras: el hidalgo ataca un rebaño de ovejas creyendo que es un ejército; tiene un duelo a espada con un vizcaíno; libera a unos reclusos que después le atacan; encuentra una palangana de barbero y está convencido de que es un yelmo mágico; y vive situaciones cómicas en una posada. Incluso en una ocasión, Rocinante persigue unas yeguas. Después de todo, Don Quijote decide irse a vivir a lo alto de una montaña como penitencia para merecer el amor de su dama. Pero sus mejores amigos - un cura y un barbero- lo logran engañar y lo llevan a su aldea dentro de una jaula. En sus aventuras también encuentra diversos personajes que aportan tramas secundarias a la novela: unos pastores enamorados, un prisionero de los piratas, etc. En la segunda parte, Don Quijote sale de nuevo con Sancho. Aunque menos famosa, esta parte es la preferida de muchos críticos. Don Quijote es ahora un personaje tratado con más respeto por el autor: a veces logra tener éxito en sus aventuras y es más reflexivo y consciente de sí mismo. Sancho, por el contrario, se ha vuelto un soñador. Por otro lado, los personajes con los que se encuentran ya los conocen a ambos, así que intentan aprovecharse de la situación. Unos duques los acogen en su palacio para reírse de ellos y hacer creer a Don Quijote que Dulcinea y él están bajo un hechizo de Merlín. Además, convierten a Sancho “gobernador” para cumplir una promesa que le había hecho su señor. Para su sorpresa, Sancho resulta ser un sabio governante. Don Quijote y Sancho llegan a Barcelona, en cuya playa Don Quijote es derrotado por el Caballero de la Blanca Luna -en realidad uno de sus amigos disfrazados. El hidalgo y desengañado caballero vuelve a su aldea a pesar de que Sancho le pide salir a vivir nuevas aventuras. Llega ya muy enfermo y, justo antes de morir, recupera la razón y pide perdón a todos por sus locuras.
El conde de Montecristo El conde de Montecristo es una novela del escritor francés Alejandro Dumas, padre; una de sus obras más conocidas. Fue publicada por entregas a partir de 1844 en el “Journal des Débats”, semanario francés. Es una de las siete obras que Dumas escribió en colaboración con el escritor Auguste Maquet. Este último no aparece acreditado como autor, debido a un acuerdo que tenía con Dumas, en el que retiraba su nombre para reforzar las ventas (dada la fama de Dumas), a cambio de lo cual recibía una notable compensación monetaria. Tabla de Contenido Algunos personajes principales Género de la obra Resumen del libro El conde de Montecristo Algunos personajes principales El protagonista de la historia es el joven marinero Edmundo Dantes, víctima de una conspiración que lo lleva a ser encarcelado. Esto interrumpe su matrimonio con su prometida Mercedes, otra protagonista. Los autores de la conspiración son Fernando Mondego, primo de Mercedes, y enamorado de ella, y Danglars, que trabajaba con Dantes en la misma embarcación, y sentía profunda envidia por el joven. Circunstancialmente, participan en el complot el casero de Dantes, Gaspard Caderousse, que se hallaba borracho en el momento en que los dos hombres conspiraban; y el procurador real Gérard de Villefort, que mandó encarcelar a Dantes. Personajes de relevancia son también el Abate Faría, monje que comparte presidio con Edmundo, y que termina convirtiéndose en su mentor y benefactor. Además está Haydée, princesa que termina siendo vendida como esclava y comprada por Dantes. Género de la obra El conde de Montecristo ha sido clasificada como novela de aventuras, aunque tiene fuerte componente dramático. El argumento de la obra está basado en un episodio real ocurrido a un zapatero francés. Esto podría servir para colocar la novela en el renglón de las novelas realistas, aunque sea una obra de ficción. Algunos personajes históricos aparecen de modo referencial, como el emperador Napoleón I, o el sultán Ali Pashá de Janina, padre de Haydée. Resumen del libro El conde de Montecristo Edmundo Dantes es un joven, pero competente marino mercante a las órdenes de la compañía del armador Pierre Morrel. La historia comienza cuando el joven regresa de un viaje a bordo del buque Faraón, en el que murió el capitán de la embarcación, y siendo el segundo de a bordo, debió asumir el gobierno del barco. Dantes cumplió la última voluntad del capitán, que era parar en la isla de Elba, sitio de prisión de Napoleón I, para recibir en nombre del capitán una carta dirigida a un tal Noirtier, en París. Fue tan cumplido en la encomienda del buque, y en el cumplimiento de la voluntad del capitán, que Morrel no duda en considerarlo como capitán en las próximas encomiendas. Además, Dantes también es afortunado en el amor, ya que está por casarse con una bella joven catalana llamada Mercedes.
Ana Karenina fue una dama de la alta sociedad rusa, casada con un funcionario de San Petersburgo, que llegó a Moscú con una misión especial. Su hermano, Esteban Oblonsky,le pidió que le ayudara hacer las paces con su esposa, Dolly, que acababa de enterarse de que él le había sido infiel con la institutriz de los niños. Durante el camino Ana conoció a una señora que iba a Moscú a visitar a su hijo, que era el conde Wronsky. En la estación del ferrocarril Anna conoce al conde Wronsky, el cual le atrajo desde el primer instante y éste en ese momento quedó perdidamente enamorado de Ana. Después de arreglar los problemas familiares de su hermano Ana se marchó a San Petersburgo para evitar el incremento de los celos de Kitty, la hermana de Dolly, quien estaba enamorada de Wronsky. Éste al enterarse de que Ana se había marchado a San Petersburgo decidió ir detrás de ella en el mismo tren, donde se encontraron y él le hizo su declaración de amor. Ana trató de rechazarlo, deseando controlar los sentimientos de amor despertados por él en ella. En San Petersburgo, Wronsky siguió buscando el amor de Ana, la cual tiempo después se lo concedió. En esos momentos la pasión desenfrenada de ambos no tenía tiempo ni lugar y por eso buscaron cualquier instante para encontrarse. Esa relación existente entre ambos no pasó desapercibida en la sociedad, lo que hizo que Karenin, el esposo de Ana, sospechara del romance. Karenin decidió enfrentar la realidad, preguntándole a Ana si existía algo entre ella y el conde Wronsky, a lo cual ella le respondía con evasivas. Tiempo después, Ana quedó embarazada de Wronsky yesto la sumió en un estado de profunda depresión. Karenina le contó a su amante sobre su estado y las preocupaciones con respecto a la reacción de Karenin a la hora de enterarse. El conde al ver su estado de angustia le propuso a ella un plan de fuga pero ésta lo rechazó. Meses después Ana dio a luz a una hermosa niña. El parto fue sumamente difícil y Ana quedo a la merced de la muerte y pensando en su cercano encuentro con Dios, Anna le pidió perdón a su esposo, el cual se lo concedió. Después de mejorarse Ana, Wronsky, ella y la niña se fueron de viaje al extranjero y vivieron una temporada en Italia. Algunos meses después ellos regresaron a Rusia y se instalaron en el campo, donde vivieron un tiempo. Durante esa época las preocupaciones de Ana y Wronsky sobre su estado social y legal fueron en aumento. Hasta que el conde pidió al hermano de Ana que estaba de visita en su casa, que hablara con Karenin sobre la posibilidad de un divorcio y la restauración de los derechos legales de Ana sobre su hijo Sergio. Esperando el divorcio los protagonistas de la novela se marcharon a San Petersburgo, donde se desencadenaron los celos y la crisis neurótica de Ana. El silencio de Karenin agravó la crisis emocional de ella. Durante esa penosa estancia en la ciudad, el amor desenfrenado que Ana sentía por Wronsky se convirtió en una obsesión enfermiza, ya que a cada instante que él no se encontraba con ella, se lo imaginaba con otra mujer. Finalmente, sin esperar la respuesta de Karenin ellos decidieron marcharse al campo, pero antes Wronsky tuvo que ir a ver a su mamá. Esto enloqueció a Ana ya que creía, que estaba con otra mujer, ayudado por su madre. Karenina decide ir a la casa de la vieja condesa para confirmar sus sospechas, las cuales no tenían base alguna ya que el conde le era fiel a su amor y ella era la única mujer de su vida. Durante el viaje hacia la casa de la madre, Ana seguía abrumada con sus pensamientos negativos acerca de que la vida para ella no tenía valor alguno y que Wronsky ya no la quería. En una de las paradas que hizo el tren, Ana baja pensando en su situación y concluye que la única salvación para ella era la muerte. Y al pensar eso, caminó lentamente hacia la vía del tren, donde se inclinó hacia las fauces de la locomotora, la cual terminó cruelmente con su existencia. Cuando Wronsky se enteró del accidente, se quedó muerto en vida por el impacto emocional y decide abandonarlo todo marchándose a la guerra. Y como una paradoja de la vida, la mujer que este rechazó por Ana, Kitty, vivió felizmente con su esposo, Levine, rodeada del cariño que este le brindaba y que Wronsky le negó.
LOS TRES MOSQUETEROS DE ALEJANDRO DUMAS Argumento del libro "Los Tres Mosqueteros" de Alejandro Dumas (Padre). Escrita con la corporación de Adrien Maquet, quien hizo el trazo inicial de esta obra, Los tres mosqueteros llega a manos del publico en 1844. A esta publicación siguieron, veinte años después, y El vizconde de Bragelonne. Sus partes complementarias .Dumas ( padre) fue uno de los precursores del trabajo de escritura en colaboración el cual agilizaba el adelanto de una historia , sobre todo si se estaba ante los apremios de la publicación por entregas . El reinado de Luís XIII enmarca la acción de los tres mosqueteros. Se introduce en escena D’ Artagnan, proveniente de una familia de la nobleza de provincia que va Paris en busca de mejores horizontes. En el camino, mientras buscaba refugio en una posada, el joven aventurero que cuenta con tan solo dieciocho años, reta a duelo con desafiante altanería a tres caballeros de un mal matrimonio . Athos, gentil hombre que a perdido su fortuna ;Porthos, de familia noble , gran tamaño y buen corazón ,y Aramis, aspirante a monje que fuera arrancado de la senda de la iglesia por una aventura. El desafío en la posada culminara en Paris, donde retador y retados se reencuentran y conciertan duelos que son interrumpidos por los guardias del cardenal Richelieu, situación que obliga a los enemigos hacer un solo frente a los soldados del Rey. El triunfo sobre los esbirros del cardenal los convierte en amigos; de ese momento en los tres mosqueterosadelante, las cuatro espadas de estos hombres lucharan siempre del mismo lado. Los tres mosqueteros; que como se ve son en realidad cuatro viven una serie de aventuras que les granjean un a gran fama . esta las hace merecedores de ser presentados al Rey,. quien los recibe en persona y concede a D’Artagnan el honor de ingresar a la compañía de guardias reales. Poco tiempo después aparece en escena la ex esposa de Athos, espía del cardenal Richelieu, quien tienen la misión de impedir la llegada a Paris de los diamantes que la reina Ana le envía como regalo a su amado Buckingham. Despues de muchas peripecias, fruto de las conjuras de Richelieu y sus cómplices, los diamantes llegan a su destino . Es precisamente D’Artagnan quien culmina la proeza porque sus compañeros quedan mal heridos por el camino. Todo el odio de Richelieu se dirige entonces hacia el joven héroe y para canalizarlo utiliza nuevamente a Milady. la ex mujer de Athos, quien intenta en vano envenenar a os cuatro aventureros, apuñala al mismo Buckingham y envenena Costanza, camarera de la reina y prometida de D’ Artagnan. Esta malévola mujer es apresada por los mosqueteros , ayudados en esta empresa por lordWinter , hermano de su segundo marido , muerto por las mismas ordenes q ella misma impartiera . La deliciosa trama de esta novela captura el interés del lector desde el primer momento , hecho que demuestra la capacidad imaginativa de Dumas (padre ) quien sostiene el tono dramático y divertido del relato , ambientándolo con magistrales descripciones .
NUESTRA SEÑORA DE PARIS DE VICTOR HUGO Argumento del libro "Nuestra señora de Paris". El inescrupuloso Claudio Frollo, diácono de la catedral. Tenía un insano eseo por la hermosa gitana Esmeralda, quien realmente no era gitana, sino hija de una joven de buena familia, paquita, a quien le roban a su hija pequeña, cuando aquella empobrece se hace llamar Gúdula. Claudio le pide a Cuasimodo, “su perro fiel”, que rapte a Esmeralda, acto frustrado por el NUESTRA SEÑORA DE PARÍS militar Febo de Chateauspers y el jorobado cuasimodo sufre castigo público. Los celos de Frollo lo inducen a asesinar al joven militar, acusándola luego a Esmeralda del asesinato (aunque en realidad Febo no había muerto). Cuando a Esmeralda la iban a ejecutar, cuasimodo la rescata y corre hacia la catedral pidiendo asilo, protegiéndola en lo más alto del campanario de Notre Dame. Cuasimodo también amaba a la hermosa gitana. Frollo, apoyado por el poeta Pedro Gringoire consigue que la chusma que vive en el barrio de. “La corte de los milagros” asalte la catedral para rescatar a la gitana, el jorobado desde lo más alto arroja plomo hirviendo a sus atacantes. Aún así Frollo burla la vigilancia de cuasimodo, llevándose a Esmeralda, al ser rechazado Frollo se la entrega a Gúdula, para que cuide a la cautiva, madre e hija se reconocen por un zapatito y un escapulario que llevaba en su pecho Esmeralda. Gúdula la defiende de los militares, pero la llevan al patíbulo. Cuasimodo desesperado por la desaparición de la jovencita se vuelve loco y arroja al vacío a Frollo. Años mas tarde, encontraron en una fosa común el esqueleto de Cuasimodo que abrazaba a otro, el de Esmeralda.
ROBINSON CRUSOE - Daniel Defoe - Robinson Crusoe, acomodado hijo de comerciantes, burgués a quien su padre pretende convertir en abogado. Escapa de su destino prefijado embarcándose en numerosas aventuras de carácter comercial que lo arrastran por el mundo en travesías llenas de peligros y emociones. El fracaso del último viaje que emprende (su barco se hunde frente al Orinoco ocasionando la muerte a toda la tripulación) desencadena un cambio radical en su vida. El hombre civilizado se encuentra de repente solo, sin recursos, ante una naturaleza adversa que debe empezar a conocer si quiere sobrevivir. Veintiocho años de soledad constituirán el presio del duro aprendizaje de Crusoe, cuya única compañía va a ser la intermitente presencia de “Viernes”, su fiel compañero, a quien rescata de la voracidad de su propia tribu que practicaba el canibalismo. La presencia de los antropófagos en la isla va a revelarse cuando el relato esta ya avanzado. “Viernes” llega a mitigar un poco la desolación de un hombre que había asumido ya su destino solitario y aprendido el valor de cada primitivo elemento que la naturaleza, generosa le ofrecía. La novela esta dividida en dos partes: La primera titulada “Juventud de Robinson Crusoe”, consta de cinco capítulos dedicados a poner en situación al personaje. Se nos habla en ella de su familia, de las aventuras iniciales en el mar, de algunos episodios que precedieron al naufrago que le confinó en la isla desierta donde va a encontrarse consigo mismo. El capítulo final de esta parte inicial es precisamente la detallada narración del naufragio del barco en el que Crusoe se dirigía a Guinea (África), habiendo zarpado de las costas brasileñas, con la finalidad de hacer trata negrera. La segunda parte del libro titulada “La isla” es un minucioso relato de lo que afrontó Crusoe al encontrarse completamente solo en medio de un territorio desconocido y sin los elementos necesarios para combatir la adversidad. Al desconcierto inicial del comerciante y burgués, sigue el aprendizaje, el desarrollo de un sentido práctico que garantiza su sobrevivencia y que pone de manifiesto aspectos de su espíritu que el mismo desconocía hasta entonces.
El diario de Ana Frank es un libro basado en la vida de Anheleis Marie Frank. Ana Frank nació el 12 de junio de 1929 en Frankfurt, Alemania en una familia judía. Pero en 1933 sus padres se mudaron a Ámsterdam (Holanda). El día de su cumpleaños número 13 Ana recibió como regalo un diario el cual la llenó de mucha felicidad y decidió llamarlo kitty. Ana llevaba una vida normal y agradable junto a su familia; compuesta por su madre Edith Frank-Holländer, su padre Otto Frank y su hermana tres años mayor, Margot. El comienzo del diario de Ana Frank, habla de su vida normal, detalles de cómo era el colegio; siempre rodeada por sus amigos y amigas, de cómo su profesor de matemáticas el Sr. Kepler se la pasaba regañándola porque no se podía quedar callada ni un momento y la castigaba poniéndola a escribir monografías, tema: una charlatana, hablaba de sus pretendientes pues Ana era una niña muy bonita; así como de su primer amor Harry Goldman comentarios típicos de una niña de 13 años. Hasta ese momento Ana de lo único que tenía que preocuparse era de sus estudios y de sus amigos, pero de repente todo cambió. Empezó la segunda guerra mundial y Holanda se vio invadida por los alemanes. Un día mientras caminaban por la plaza su papá le habló de un escondite al cual debía ser necesario que trasladaran todas sus cosas y sobre todo trasladarse ellos para no caer en manos de los alemanes. Desde ese momento Ana se sintió muy angustiada esperando a que no se llegara ese día. Su papá recibió una carta de la SS para que se presentara; pero no era para que se presentara su papa sino Margot, por lo que tuvieron que partir. El jueves 9 de julio de 1942 los Frank abandonaron su hogar para trasladarse a su refugio abandonando algunas de sus pertenecías y llevando consigo solamente las necesarias. El anexo era una de las oficinas de la empresa de su padre, no era un lugar muy confortable pero debían adaptarse pues se convertiría en su nuevo hogar. Pero no habitaban solos pues días después llegaron los Van Daan una familia conformada por tres miembros. EL DIARIO DE ANA FRANKEl primero en llegar fue el hijo: Peter al cual Ana consideraba un fastidioso. Luego, en el periodo en que recién se habían instalado en la casa de atrás, habla de su adaptación al escondite y a sus compañeros. Al principio le cuesta mucho la convivencia, lo pasa muy mal, ya que todos la toman como una ¨niña inmadura y parlanchina especialmente la señora Van Daan que aprovechaba cada oportunidad para hablarle de cómo se debía comportar; pero su papá siempre salía a su defensa. Ella cuenta como solamente confiaba en su padre, le contaba todos sus problemas ya que se sentía más cómoda con él que con su madre. Para ella su padre era un buen ejemplo de hombre, en cambio su madre le parecía el peor ejemplo de mujer y de madre, porque creía que ella no aguantaría vivir su vida como su madre, que solo se ocupaba de las cuestiones de la casa. El octavo miembro en unirse fue el señor Albert Dussel un dentista con el que Ana compartiría su alcoba situación que no le agradaba del todo. Ella va contando su experiencia día a día. La mayoría de las jornadas le resulta excesivamente fastidiosa, en aquel escondite no encuentra nada que hacer, pero algunos otros días, según relata, se los pasaba llorando en su habitación ya que el encierro hacia decaer su estado de ánimo. El mal humor, también era algo bastante normal en el escondite, el estado en el que vivían, hastiaba a la mayoría de las personas. Por esta razón, los ocho judíos allí ocultos, no entablaron una relación de amistad, simplemente coexistían en el mismo espacio y procuraban hacer una vida lo más normal posible. Después de un año en la Casa de atrás, Ana se hizo ciertamente amiga de Peter el hijo de la familia Van Daan. Detalla en su diario un cierto enamoramiento entre los dos jóvenes, cuenta como la mayoría de las noches se las pasaban en la habitación de él, mirando por la ventana las estrellas y la luna. Esos fueron los momentos más felices que Ana describió durante su estadía en el escondite. El diario de Ana Frank termina el 1 de agosto de 1944, porque el 4 de agosto de 1944 cuando fueron finalmente encontrados. Los agentes de la Gestapo detuvieron a todos los ocupantes y los llevaron a diferentes campos de concentración. Después de permanecer durante un tiempo en los campos de concentración de Westerbork y Auschwitz, Ana y su hermana mayor, Margot, fueron deportadas a Bergen-Belsen, donde ambas murieron durante una epidemia de tifus a causa de las malas condiciones de higiene en que se encontraban, entre finales de febrero y mediados de marzo de 1945. De todos los habitantes del anexo, solo el padre de Ana volvió.
LIBROS Diez negritos – Agatha Christie “Diez negritos se fueron a cenar. Uno se ahogó y quedaron: Nueve. Nueve negritos trasnocharon mucho. Uno no se despertó y quedaron: Ocho. Ocho negritos viajaron por Devon. Uno se escapó y quedaron: Siete. Siete negritos cortaron leña con un hacha. Uno se cortó en dos y quedaron: Seis. Seis negritos jugaron con una colmena. A uno de ellos le picó una abeja y quedaron: Cinco. Cinco negritos estudiaron derecho. Uno de ellos se doctoró y quedaron: Cuatro. Cuatro negritos se hicieron a la mar. Un arenque rojo se tragó a uno y quedaron: Tres. Tres negritos se pasearon por el zoo. Un oso los atacó y quedaron: Dos. Dos negritos estaban sentados en el sol. Uno de ellos se quemó y quedó: Uno. Un negrito se encontraba solo. Y se ahorcó, y no quedó ¡ninguno!” SINOPSIS Diez personas, una isla y una canción. ¿Aceptarías la invitación de una personas que apenas conoces para pasar unos días en su lujosa mansión en una isla? El misterioso sr. Owen logra que diez personas, desconocidos entre sí, acepten su invitación y se reúnan en la “Isla del Negro”, un islote en la costa inglesa. Poco a poco, los invitados van llegando y vamos descubriendo detalles de su vida, así como de la practicamente inexistente relación con el anfitrión. La primera sorpresa la reciben nada mas llegar a la isla. Allí, el matrimonio recién estrenado al servicio del sr. Owen les confiesa que su anfitrión no podrá recibirlos y que acudirá el día siguiente. Pero no será la última, pues tras la cena, un gramáfono desvela los secretos de los invitados: cada uno es acusado de haber cometido un crimen en el pasado. Nadie sabe quién lo ha puesto en marcha, pero todos sospechan de todos. A partir de ahí, las sospechas, el miedo y las muertes se suceden al ritmo de una inquietante canción infantil de cuna. ¿Quién ha puesto en marcha el gramáfono? ¿Quién conocía todos sus secretos y quiere acusarlos? ¿Quién está detrás de los asesinatos? ¿Saldrá alguien vivo de la isla? MI IMPRESIÓN Una intrigante historia que engancha desde las primeras páginas. Es la primera novela que leo de Agatha Christie, era una autora que tenía pendiente y ahora puedo decir que leeré muchas más. Diez negritos es una lectura fácil, amena y de la que es difícil separarse. Los diálogos dotan de ritmo a la lectura Crea misterio desde las primeras páginas y la tensión va in crescendo conforme avanza la trama. Los personajes son dispares y están muy logrados. La narración da dando saltos de uno a otro para que vayamos conociéndolos a la vez que todos llegan a parecer culpables en algún momento. Hasta que son asesinados. El final me ha resultado sorprendente e inesperado. Según me acercaba veía caer mis teorías, hasta que en las últimas líneas se da con la solución que estaba delante de mis ojos, pero no la había sabido reconocer. Como resumen, Diez negritos es una gran obra de recomendada lectura: Lo mejor: el sorprendente final y la intriga. Lo peor: la confusión que acarrean los nombres e historias de los personajes involucrados y una débil premisa como punto de partida, la invitación por parte de un desconocido para perderte en una isla. AUTORA: Agatha Christie es una de las autoras de crimen y misterio más valorada, leída y traducida de la literatura en el mundo. Nacida en una familia inglesa de clase media, vivió grandes desgracias, como la prematura muerte de su padre cuando era una niña. De adulta, sufrió el abandono de su marido y una depresión tras la muerte de su madre. Sus mayores fuentes de inspiración fueron su viaje a Egipto y su trabajo como enfermera, que le ayudó a conocer el mundo de los venenos y trasladarlo a sus novelas. Como curiosidades, Agatha escribió novela romántica bajo el seudónimo de Mary Westmacott y “desapareció” del mapa durante 11 días. Al final, como si se tratara de una de sus novelas, fue encontrada en un balneario registrada bajo el nombre de la amante de su marido, asegurando no recordar nada. Agatha publicó su primera novela en 1920. A continuación vendrían 66 novelas policiales, obras de teatro, seis novelas románticas, historias cortas, dos autobiografías, dos libros de poesía y un libro infantil. Su larga obra abarca más de 50 años, cuenta con numerosas adaptaciones de cine y se ha traducido en más de 100 idiomas. Algunas de sus novelas más destacadas son: Asesinato en el Orient Express. Muerte en el Nilo. Cita con la muerte. El asesinato de Roger Acroyd. Asesinato en Mesopotamia.
Bruno Lomas El cantante de rock Bruno Lomas nació el día 14 de junio del año 1940 en Xátiva, en la provincia de Valencia. Su padre era militar, un alto mando del Ejército. Bruno, una vez finalizados sus estudios secundarios, se matriculó en la Facultad de Derecho, aunque su vocación por la música hizo que pronto abandonara dichos estudios para formar un grupo de rock junto a dos amigos. El grupo se llamó Los Milos. Se dieron a conocer en la radio, cuando se presentaron a un concurso que organizaba Radio Valencia, llamado “En pos de la fama”. El grupo consiguió ganar, con la canción “Tintarella di luna”. En el año 1960 graban su primer LP, y en la Feria de Julio de Valencia actúan junto al pretigioso Johnny Hallyday, el cual se interesa por ellos y les ofrece la posibilidad de actuar en Francia. Éste es el inicio de una serie de problemas, ya que Bruno aceptó la invitación, pero el resto prefirieron quedarse en Valencia. A su vuelta, Bruno se encuentra con la sorpresa de que se ha cambiado el nombre de Los Milos por el de Top Son, hecho que le enoja. Deja entonces el grupo y forma uno nuevo, al que pone el nombre de “Las Estrellas de Fuego”. En 1964 actúan en el Olympia de París, y conocen al productor musical Bruno Coquatrix, quien les sugiere cambiar el nombre del grupo por el de “Bruno y sus Rockeros”, sugerencia que aceptan. Graban un disco con el nuevo nombre, el cual incluye las canciones “Perfidia” y “Sí sí nena”, y actúan en la fiesta de compromiso entre el rockero Johnny Halliday con Sylvie Vartan. En España firman un contrato con la discográfica EMI y graban varios discos, hasta que, en el año 1966 la compañía se muestra partidaria de que Bruno lance su carrera en solitario. El cantante acepta y el éxito le acompaña desde el principio. Participa entonces en el Festival del Mediterráneo con un tema compuesto por el Dúo Dinámico, “El mensaje”, que obtiene una excelente crítica y gana el segundo puesto. Al año siguiente vuelve a participar, nuevamente con otro tema del Dúo Dinámico, esta vez “Como ayer”, y gana el Festival. Bruno Lomas se encuentra en este momento perfectamente consolidado ya como solista, y los éxitos vienen uno detrás del otro, con temas, como “Amor amargo”, “Codo con codo” o “En el desván antiguo de mi abuela”. En la década de los 70 su fama empieza a decrecer, y en los 80 actúa sólo de manera esporádica en algún programa de televisión o de radio. En estos tiempos se dedica más a una de sus grandes aficiones, los coches deportivos. Bruno Lomas falleció el día 17 de agosto del año 1990 debido a un grave accidente de circulación, en la autopista A-7, en Puebla de Fanals, provincia de Valencia.
Domenico Modugno Nació el 9 de enero de 1928 en Polignano a Mare, Bari. Al finalizar el servicio militar en 1951, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma gracias a una beca. Participó en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Después de protagonizar Il mantello rosso (El mantél rojo), inició su carrera de cantante. En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Triunfó con Nel blu dipinto di blu (más conocida como Volare), en el Festival de Sanremo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición. Otras de sus canciones son: "La estanza e' como il vento" (la distancia, es como el viento), Piove (llueve), Vecchio frac (conocido en español, como "Un puntapié a la ciudad"), Resta cu' mme (Quédate Conmigo en idioma napolitano), Dio, come ti amo! (Dios, ¡como te amo!) y 'U pisci spada (en idioma siciliano). En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó dos veces más el Festival de Sanremo, y volvió a participar en Eurovisión en 1959 y 1966. Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992. Domenico Modugno falleció en Lampedusa el 6 de agosto de 1994. Festival de San Remo 1958 Nel blu dipinto di blu (Volare) 1959 Piove (Ciao, ciao bambina) 1960 Libero 1962 Addio... addio... 1964 Che me ne importa a me 1966 Dio, come ti amo 1967 Sopra i tetti azzurri del mio pazzo amore 1968 Il posto mio 1971 Come stai? 1972 Un calcio alla città 1974 Questa è la mia vita Canciones en español 1955 Viejo frack 1958 En el cielo pintado de azul 1959 Llueve 1966 Dios, como te amo o Dios mío, como te quiero 1968 En mi lugar 1969 Recordando con ternura 1969 Está llegando a mi alma 1970 La distancia 1970 Te amo, amo a ti 1970 Como has hecho 1971 ¿Cómo estás? 1971 Amarga flor mía 1972 Un puntapié a la ciudad 1973 Amarga tierra 1973 Sortilegio de luna 1973 Mi caballo blanco 1974 Bordolino 1975 El maestro del violín 1975 Llora el teléfono 1975 Domingo 1976 El aniversario 1977 A casa volveremos juntos
Reyes 73. Una breve historia. Años 73 / 77 Cuando conocí a Los Reyes directamente fue en el año 1969, que trabajaban para el ICR, ensayaban en la antigua Funeraria de la calle 23 , devenida en Estudios de Dibujos Animados de la Televisión, incluso grabaron la música para un dibujo animado infantil “Te lo digo yo, que soy de aquí”) y se hacían llamar Eugenio y Los Reyes, el cual era un cantante muy bueno, ex integrante del cuarteto Los Modernistas y el estilo de música que interpretaban era lo que sonaba en el momento, con muchas versiones de números populares e incluso números del que aun, ni se pensaba que fuera el cantante por venir, José Valladares. Eugenio regresa a Los Modernistas. Al entrar José Valladares, en el año 1970/ 71, es cuando se anota el primer gran Hit del grupo, que en aquel tiempo llego al máximo de popularidad, “Ni la Casa , ni Yo” y numero uno en Nocturno, programa que oía en toda Cuba. Es ahí cuando empieza el descursar del grupo, su alcance nacional y la popularidad. Vinieron otros éxitos, como Así es la Vida, La Chica de la calle 13, Regreso a mi hogar, Huésped de las Calles ,etc. . Estando actuando en el Cabaret Caribe ( ya no existente) del Hotel Habana Libre, en conjunto con Van Van en el mismo show, donde el Cabaret se mantenía lleno a full, día a día , se promueve una gira nacional, donde la combinación seria Los Reyes con Valladares, se acompañaba a Annia Linares y la orquesta Los Van Van. La misma resulto todo un éxito. Terminada la gira, Van Van es llamado a actuar en Perú, y a cuyo viaje no pudo ir su cantante estrella Miguel Ángel Rasalps, Lele, sustituido en ese viaje por el Chori, mas conocido por tumbador, que como cantante, el cual no duro nada en la agrupación y no transcendió para nada, en su corta permanencia . El “Lele”, dado lo sucedido, no sigue en Van Van y ocurre en el instante , en que Valladares toma vuelo y marcha de solista , por lo que ingresa en el Grupo Los Reyes, con un impulso y animo arrollador, contagioso, pero ahora venia la parte donde los que formaban Los Reyes , muchos de ellos jóvenes provenientes de grupos de rock, deciden el cambio hacia la música cubana con aire renovador para aquel tiempo, con nuevos bríos, con números propios e incorporando, mezclando y fusionado con sonoridades de Rock, R&B, y efectos sonoros como el Fuzz Wah Fender Blender( (todo una novedad su incorporación en la música Cubana, que utilizaba Mayito , el guitarrita y lo incorpora en casi todos los números, solos ), arreglos chocantes para la época , donde un acorde en la sección de metales que tuviera una segunda menor , era en ese tiempo una mala palabra. También dado todos los cambios que se llevaron a cabo, donde se conciliaron todas las ideas y propuestas,, se logra ademas que Pachy (Gilberto García, ex cantante Rockero de Los Hanks, Mensajeros, etc.), que había ingresado recién a los Reyes, uniera sus voces a la del Lele, para así hacer un unísono perfecto, muy pocas veces logrado, muy profesional , que dada un sello y timbre a cada numero que se interpretaba. Así surge también el nombre definitivo: Reyes 73
Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna; ya en 1972 se acercaban a lo que actualmente producen decidiendo en 1973 llamarle Irakere, que en lengua Yoruba quiere decir Vegetación y es así como partiendo de su nombre trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas. De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la actual cubana. Irakerehist.jpg Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973, nutrido del bop de Thelonious Monk. Grupo Irakere: Fue fundado en La Habana en 1973, por: Jesús Valdés(Chucho)compositor, director y pianista; Paquito D'Rivera (Paquito), saxofón alto, tenor, flauta y clarinete; Carlos Averhoff, saxofón tenor, soprano, flauta y clarinete bajo; Jorge Varona, trompeta, trombón de pistones y percusión; Carlos del Puerto, bajo, guitarra bajo y tuba; Carlos Emilio Morales, guitarra; Bernardo García, drums y tambores batá; Jorge Alfonso, tambores batá; Enrique Pla, batería; Carlos Barbón, güiro, chekeré y pandereta, y Oscar Valdés, cantante, tumbadora (conga), tambores batá y bongó. En otras etapas, el grupo lo integraron: Germán Velasco y César López, saxofón; Arturo Sandoval, Adalberto Lara, Manuel Machado, y Juan Munguía, trompetas; Orlando Valle (Maraca), flauta y teclados; Miguel Díaz (Angá), tumbadora; Mayra Caridad Valdés, cantante; Jorge Luis Chicoy, guitarra; Julito Padrón, trompeta; Román Filiú, saxofón alto; Irvin Acao, saxofón tenor; Armando Cuervo y Fran Padilla, Percusión; José Luis Cortés, Saxo barítono y flauta. Sobre la fundación de Irakere, expresó Chucho Valdés: "Para nosotros el Grupo siempre existió, estuvo presente en todo momento; era como algo pendiente. Al inicio no tenía nombre, sólo era una idea en la que trabajábamos: utilizar la percusión folclórica cubana en la música bailable, y buscarle timbres distintos y con una característica común: “nuestros”. Entonces a Oscar Valdés se le ocurrió combinar el nada fácil y poco conocido tambor batá con tumbadora, güiro y cencerro y así, paso a paso llegamos al actual Grupo..." Sobre esta primera etapa de Irakere, apunta Leonardo Acosta: "uno de los aciertos de Irakere había sido no tratar de inventar e identificarse con un “nuevo ritmo”, según las viejas pautas de reclamo publicitario tan socorridas desde los años cuarenta hasta los propios sesenta. El slogan sobre el “nuevo ritmo” fue hasta fecha reciente el “ábrete sésamo” con el que los músicos contaban para hacerse famosos de la noche a la mañana, y por ese camino se llegó a veces a resultados bastante comerciales. Aparte de que ningún “nuevo ritmo” es tan nuevo, todos proceden de la alteración o de la amalgama de ritmos preexistentes. La única alquimia de Irakere procede de la espontánea creatividad de sus integrantes. Al no existir ningún empeño comercial, se hacen innecesarias las prácticas de laboratorio, y el grupo puede interpretar una contradanza, un danzón, un son montuno o un cha cha chá sin temor a parecer “anticuados”, ya que de hecho están tocando al mismo tiempo otra cosa. Y sin proponérselo como meta, ni tener que inventar un nombre de “pega”, casi por un imperativo del propio material que trabajan, van surgiendo nuevas combinaciones rítmicas, hasta el punto en que el ritmo de Irakere resulta inconfundible entre los oyentes —o bailadores— cubanos. Ciertamente, y a pesar de sus triunfos en festivales internacionales de jazz, Irakere no es un grupo de jazz. Pero tampoco esos éxitos son gratuitos, pues como hemos visto, cuentan con formidables músicos de gran experiencia en el terreno jazzístico, sobre todo en el aspecto de la improvisación, el gran hallazgo del jazz y quizás su mayor aporte a la música del siglo XX [...].» Su primera gira internacional fue a Finlandia, 1976; posteriormente participaron en el Festival de Jazz de Newport, Nueva York, 1978, en el que actuaron, además, Mary Lou Williams, McCoy Tyner, Bill Evans, Larry Corcel y Maynard Ferguson: Sobre su participación en este festival, comenta el crítico John Storm Roberts: "El trabajo que hacen no se parece a nada de lo intentado aquí. Su énfasis en elementos de jazz y rock es mayor que en los grupos neoyorquinos de “salsa” y “fusión”, y es mucho más intensamente cubano, con nuevos tratamientos de la percusión tradicional, nuevas maneras de combinar el jazz, el rock y la música latina en los solos y en bloques, nuevas formas de mezclar elementos en pequeñas subtes –nuevo todo. Desde hace tres años, el comentario ha sido que cuando oigamos lo que se hace en Cuba, la salsa será liquidada. Está empezando a suceder."
Los Barba: El grupo Los Barba llegó a ser muy popular en Cuba. A propósito de un encargo reciente que me han realizado, por estos días reviso la producción cubana de pop y pop rock del período comprendido entre fines de los 60 e inicios de los 80 del pasado siglo. Confieso que al escuchar varios de esos viejos temas, me he llevado toda una sorpresa. Aunque en la actualidad semejante tipo de música solo permanece en el recuerdo de quienes fueron sus hacedores y como parte de las nostalgias personales de algunos de los que vivieron la época, hay mucho de bueno en dicha creación sonora, comparable con lo mejor que se venía haciendo en el ámbito hispano de aquel entonces. Entre las añosas grabaciones que he descubierto o redescubierto, las que más han captado mi atención son las llevadas a cabo por Los Barba, banda fundada por el teclista, compositor y orquestador José Luis Pérez Cartaya. A partir del interés que la propuesta de la agrupación me motivase, he buscado información y apenas he hallado material acerca de la nómina de sus integrantes, las diferentes etapas del ensamble, el repertorio que interpretaban y en fin, un elemental estudio en relación con el período de auge y el de decadencia de un colectivo que fue muy popular en Cuba. Procedentes de una institución docente de la que tampoco uno halla casi información, la Escuela de Música Moderna, Los Barba nacen hacia fines de 1967 y entre sus fundadores, además del aludido Pérez Cartaya, estuvieron el guitarrista líder Alfonso Fleitas, «Kikutis»; Mario Moro en el bajo y el vocalista y guitarra acompañante Miguel Velazco (en algunos sitios de internet dan como apellido de Miguelito el de Díaz). Es interesante comprobar que algunos de estos músicos si bien laboraban profesionalmente en Los Barba, canalizaban sus intereses más roqueros como integrantes de Los Kents, de los primeros que por acá en un momento dado endurecieron el sonido. Me llama la atención que en el primer repertorio de Los Barba, compuesto en lo fundamental por Fleitas, Pérez Cartaya y Moro, también incluían versiones de nombres en apariencia tan distantes como Silvio Rodríguez (contagiosa la interpretación que hacen de Viven muy felices) o The Rolling Stones, de quienes realizaron un cover renombrado Es tiempo de terminar. De esa etapa inicial, disfruto en especial oír Porque no estás, Mi Mercy Cha y sobre todo Si de verdad (temas originales de Kikutis), esta última pieza con un cautivante sonido de guitarra procesada por el Wah. Claro que el gran éxito de Los Barba en esos años fue O bem bem o bam bam, una de las tres composiciones de la escena cubana de rock que de verdad han trascendido al gran público nacional (en mi opinión, La soga, de Raúl Gómez con Los Bucaneros, y Ese hombre está loco, de Fernando Rodríguez en voz de su hermana Tanya). En la periodización que a priori he armado para la historia de este grupo (no he mencionado que en él debutó como cantante Beatriz Márquez), según las grabaciones encontradas por mí, en una segunda etapa la agrupación amplía la nómina de integrantes al incorporar una cuerda de metales, con lo que el sonido se acerca al que por los tempranos 70 poseían bandas como Chicago. De ese momento sobresalen cortes como Dany (excelente el pasaje de los metales), Eres (las dos firmadas por José Luis) y Como aquella canción, perteneciente al dueto de Kikutis y Pérez Cartaya, una maravilla por el derroche técnico que se aprecia en la intro de batería, así como por los calientes solos de organeta y guitarra. La etapa también está signada por el arribo al grupo de la vocalista Mireya Escalante y del bajista, compositor y luego destacado productor discográfico Juan Carlos González. De este son piezas como El cristal, Debe ser, Las tardes y Al sonar la hora, obras que me sorprenden por el nivel de orquestaciones que poseen y lo contemporáneo que muchos años después siguen sonando. Tristemente, el 24 de febrero de 1975, cuando la agrupación estaba en pleno apogeo, sus integrantes sufrieron un accidente al retornar de una actuación en la provincia de Pinar del Río, ocasión en que tres de ellos fallecieron (incluido el director y fundador José Luis Pérez Cartaya). Pese a lo duro del suceso, la banda prosigue adelante y se establece lo que sería una tercera etapa, en la que predomina el repertorio escrito por Juan Carlos González e interpretado por Mireya Escalante y un nuevo cantante, José Armando. Es el momento de temas como el instrumental Ciento once compases de ritmo, Para quien sé que está pensando en mí, Es lo nuevo y La felicidad de cada día. Si bien hay garra y buen hacer en cortes como Algo al fin, del desaparecido José Luis, Al pasar del tiempo (de Oreste Piñal) o en la versión que hacen de Mr. Duke, de Stevie Wonder, ya nada era igual. Aunque con cambios de alineación y de estilos musicales como grupo, Los Barba se mantuvo creo que hasta los 90, su legado está en lo hecho entre los 60 y los 70, con trabajos que deberían ser estudiados por quienes hoy se interesan en cultivar el pop y el pop rock entre nosotros.
Los Zafiros fue un grupo de armonía vocal cubano creado en 1961 y estuvo inspirado por grupos estadounidenses como The Platters.1 Este grupo formó parte de lo que se conoció en Cuba como el movimiento de filin o (feeling) y su música se constituyó a partir de una fusión de ritmos cubanos como el bolero, con doo-wop, baladas, R&B, calypso, Bossa Nova y el rock.Los Zafiros se formaron en Cayo Hueso, La Habana en 1961. Sus miembros fundadores fueron: Leoncio Morúa, Miguel Cancio, Ignacio Elejalde, con un alto registro como tenor. Eduardo Elio Hernández, Néstor Milí Bustillo, como director musical y guitarra. Posteriormente, el guitarrista Manuel Galbán pasó a ser director musical. Desde sus comienzos, el grupo gozó de cierta popularidad vendiendo muchos discos y realizando giras por toda Cuba y por el extranjero. Tuvieron una participación importante en un segmento del film " Soy Cuba" (una producción cubano-soviética) con su interpretación Amor loco y también se presentaron en el festival Varadero 70. Lamentablemente, la indisciplina y el carácter autodestructivo de algunos miembros limitó grandemente la capacidad de desarrollo del grupo. Dos de sus miembros murieron muy jóvenes. Ignacio murió en 1981 de hemorragia cerebral a la edad de 37 años y Kike en 1983 de cirrosis hepática. El Chino, afectado por problemas de visión, de habla y alcoholismo vivió solo en Cayo Hueso hasta el día de su muerte el 8 de agosto de 1995 a los 56 años de edad. Hoy solo dos miembros siguen con vida Miguel Cancio. que vive en Miami y Manuel Galbán. Manuel Galbán y su esposa viven en la misma casa que ocupaban en los días de Los Zafiros. Galbán continúa activo en la escena musical cubana a través de su trabajo con Buena Vista Social Club y como artista de grabaciónes para el sello disquero World Circuit. En 2001, World Circuit realizó una sesión de grabación especial para Galbán y Cancio enEGREM, con Orlando Lopez (Cachaito), Roberto García y Bernardo García (Chori). Cancio y Galbán grabaron 2 de sus antiguas canciones, las cuales juegan un rol estelar en el film Los Zafiros "Music from the Edge of Time" y marcan la primera grabación de ambos después de treinta años.
Luisito Bravo, el idolo olvidado de Palma Soriano. Hijo de Palma Soriano, con una voz dulce y melodiosa, Luisito Bravo Pujals fue uno de los iniciadores del rock en español en Cuba. Su imagen de adolescente sonriente con la guitarra en bandolera cautivó la imaginación de millares de jovencitas. Llegó a La Habana en 1959 ya había sido solista de Los Rítmicos, un conjunto de adolescentes palmeros que lo mismo interpretaba una ranchera, un tango o música bailable cubana. Pero el rock americano había entrado con fuerza en Cuba y un día de 1959 decidió probar suerte en La Habana donde a través de otro palmero, René Puig, contacta con el agente artístico Heliodoro García que le encamina en el competitivo mundo de la música profesional. En los estudios de Radio Salas, en San Rafael y Consulado, graba varios números entre ellos “Elenita” y “Dame un poco de tu amor”. Allí hace amistad con Ricky Orlando y pronto estará cantando en el cabaret Nacional de Prado. Es entonces que el venezolano Gumersindo Castro, dueño de la disquera Velvet comprende su talento y le graba dos Long Playing (Luis Bravo y Tus Canciones) y once SP de 45 rpm con dos y cuatro canciones cada uno. En menos de tres años hace una brillante carrera con sus versiones en español de aquellas canciones popularizadas por los grandes cantantes de la época de oro del rock and roll. Con “Ya tu ves” de Fats Domino y “Tiernamente” (Tornasorrento de Elvis Presley) gana un disco de platino en 1961 por más de 500 000 copias vendidas; “Oh Carol” (de Neil Sedaka) y Adán y Eva (de Paul Anka) vendieron más de 200 000 copias gracias a lo cual recibió el primer disco de oro; poco después recibiría el segundo por las ventas de “El Fantasma del Circo” y “Tus Canciones” que superaron las100 000 copias. El nivel de popularidad de sus rock lentos y baladas rock en una isla que apenas tenía 6 millones de habitantes y en cuyos escenarios se presentaban los artistas internacionalmente más famosos (desde Lucho Gatica hasta Pedro Vargas) no han sido alcanzado, ni antes ni después, por ningún otro cantante cubano de ese género musical. Un triunfo que abrió el camino para muchos otros cultivadores del rock que siguieron sus pasos. Pero las intervenciones de teatros, clubes, disqueras y emisoras de radio y televisión que entorpecieron la divulgación estable, imprescindible para el artista y el temor del nuevo gobierno a la rebeldía juvenil que el rock simbolizaba conllevó a presiones políticas de todo tipo. Rescatar las raíces musicales fue casi un grito de guerra y Luisito Bravo, en la cúspide de su fama, decidió emigrar. En el exilio, su éxito se apagó como el de tantos otros. Todos le olvidaron, aquí y allá, sus canciones desaparecieron de la radio y los traganickeles. Y quizás decepcionado por una carrera artística arruinada cuando apenas comenzaba se entregó a la bebida hasta que una cirrosis hepática acabó con su vida en 1999. A la música cubana no le fue mucho mejor. Se cerró al mundo prohibiendo a cualquier cantante con suficiente popularidad para competir con el gobierno. Y aunque muchísimos años después el otrora proscrito John Lenon fue eternizado en una estatua de un parque habanero, de nuestro Luisito apenas queda un recuerdo en el corazón de los que alguna vez, siendo adolescentes, le aplaudimos. Pero algún día en una Cuba libre tendrá su estatua.
Cuarteto Los Meme. Afamado cuarteto cubano dirigido por Meme Solís y que se caracterizó por la calidad de sus voces, la elegancia y distinción. Trayectoria Artística El Cuarteto de Meme Solís comienza en 1960. Los primeros integrantes fueron: Meme, Wilfredo Riquelme y Moraima Secada. Le siguieron Raúl Acosta y Bobby Jiménez. En diciembre de 1964 entra Miguel Ángel Piña, Farah María en 1965 sustituye a Moraima. Héctor Téllez reemplaza a Raúl Acosta en 1966 y es ahí cuando comienza el gran momento, justo cuando Pello el Afrokán dominaba en la música bailable. Meme Solís ya había hecho suplencias a Aida Diestro en la dirección del cuarteto que dirigía. Los Meme y Los Zafiros entablaron una competencia maravillosa en esos tiempos. Los Meme eran un cuarteto refinado, elegante y distinguido. “excelentes, con canciones muy admirables, arreglos muy personales que sabían apresar el gusto del público. Cada uno de los componentes era un solista. Meme sabía arreglar muy bien, ellos se definían por su estilo inconfundible”. manifestó en una ocasión Luis Carbonell Los cuartetos que más atrajeron al público eran aquellos que, además de sus cualidades vocales, poseían el encanto juvenil, la prestancia, la excelencia de la pista y esas eran las características que tenía el Cuarteto Los Meme.
Luisa María Güell Intérprete cubano-española nacida en La Habana (Cuba). Desde muy temprana edad Luisa María Güell estudió piano, ballet, baile español y arte dramático. En 1964 se convirtió en una estrella juvenil idolatrada por todos; actuó en cine y teatro y grabó sus primeros discos. Como cantante hizo popular en Cuba No tengo edad para amarte, gracias a su carisma y al timbre de su voz. En 1969, de la mano del compositor Manuel Alejandro, ganó el primer premio en el Festival de la Canción Internacional de Málaga; en 1972, representando a España, obtuvo el Premio Voz y Canción con el tema de Herreros y Armenteros Yo me enamoro de ti, en Puerto Rico. En 1979 consiguió en París, representando a España, el Premio de Interpretación y se le concedió la Medalla de Oro Edith Piaf como autora y compositora, siendo la primera artista no-francesa en recibirlo. También musicalizó e interpretó la obra La edad de oro de José Martí, trabajo por el que se le otorgó el Premio In the company of women. Su discografía comprende actualmente un total de 23 obras.
Pello el Afrokán. (Pedro Izquierdo Padrón). Percusionista. Dio a conocer el ritmo Mozambique (con elementos de conga, rumba, toque de los iyesá). Nació el 7 de enero de 1933 en La Habana , Cuba. Juventud Con solo 12 años inicia su carrera artística en 1945, cuando actuó en el Teatro Martí con sus hermanos Gilberto y Roberto. Trayectoria artística En 1963 dio a conocer con su grupo, integrado por tambores, campanas e instrumentos de viento, el ritmo mozambique (con elementos de conga, rumba, toque de los iyesá), cuyo antecedente desde el punto de vista de la composición instrumental, está en la chambelona. Sus Tambores Con relación al uso de los tambores, Pello explicó: «... los tambores con que yo debo tocar el nuevo ritmo son, básicamente, cinco; pero yo ahora estoy usando cuatro por razones del espacio donde actúo [...]. A esos cuatro tambores yo les llamo en lengua lucumí: oloddu-mare. En ellos ejecuto el floreo o quinteo indispensable en las interpretaciones del ritmo. Y en su base central, en estos cuatro tambores se repite, en forma de adorno musical, los golpes fundamentales del mozambique. Estos golpes siempre están presentes en seis tambores que son tocados por tres tamboreros [...]. Los tambores son, de izquierda a derecha, agudo, semi-agudo, grave y semi-grave. El diámetro de cada tambor, en su parte más ancha, es, respectivamente, como sigue: 10 ½, 10 ¾ 11 y 10 ½. Sabemos que para un quinto perfecto debía emplearse un tambor de 9 ½ pulgadas, pero este diámetro resulta pequeño por la rapidez con que se ejecutan varios efectos de sonidos». El Mozambique En su forma coreográfica (creada por el propio Pello), el mozambique se baila de la forma siguiente: se flexionan las rodillas y se baja el cuerpo, a la vez que se adelanta un pie; este movimiento se completa con la retirada del pie, mientras el cuerpo vuelve a su posición normal. Esta ejecución se realiza a partir del toque grave del tambor, unido al bombo. Este golpe, muy importante en el mozambique, es reforzado por determinadas sonoridades logradas por Pello, a manera de quinteo, en los cueros más graves de sus tambores. El efecto logrado mediante el acople de los seis tambores tocados por los tres tamboreros, Pello el Afrokán los realiza en sus cuatro tambores, pero enriqueciendo aún más el ritmo, con inspiraciones que surgen del floreo constante que hace sobre el ritmo básico del mozambique. Los doce tambores restantes, se identifican, de izquierda a derecha: el primero produce nueve golpes, ligados a dos golpes del tambor que le sigue; el tercero, tres, a contratiempo; el cuarto, cinco golpes a contratiempo, y el quinto tambor, que bombea también a contratiempo, mientras el sexto ejecuta el toque del primero. Son tres percusionistas, ejecutando dos tambores cada uno, que producen los ritmos necesarios al baile, complementados con los cuatro tambores centrales; mientras el bombo realiza la función del contrabajo, con lo que se redondea y ajusta el ritmo del mozambique; a los tambores se agregan tres campanas y un sartén, que hacen el efecto de dos claves, una a tiempo y otra a contratiempo. Se completa el grupo con trompetas y trombones que hacen la parte melódica del mozambique y las bailarinas, que hacían las demostraciones de su forma de bailarlo. Pello el Afrokán, con su grupo realizó giras por Nicaragua, Costa Rica, Colombia, Ecuador, Argentina, Venezuela, Brasil, Panamá, México, Nueva York (actuó en el Carnegie Hall), Bélgica, donde actuó con su grupo en el Festival Internacional de Música y Danza Folklórica de Schöten; en España, se presentó en el Carnaval de Gran Canarias, hotel Aromar, discoteca Kamel (en la Costa Brava), Castellón, Valencia, Alicante, Gijón, y en el restaurante ¡Oh Madrid!, de La Coruña; en París (fue con el Gran Music Hall de Cuba) trabajó junto al percusionista Ramón Santamaría (Mongo), y con el grupo del saxofonista puertorriqueño Justo Almario en el New Money; Polonia, República Democrática Alemana, Unión Soviética y Japón. Muerte Muere el 11 de septiembre de 2000.
¿Quién es Jeanette? Janette Anne Dimech, quién es conocida en el mundo del espectáculo como Jeanette, es una cantante que nació en Londres, Gran Bretaña, el 10 de octubre de 1951, y fue naturalizada española. Es intérprete de grandes temas musicales cantados en español, pero también tiene temas en catalán, inglés, francés, japones y alemán. Hija de madre canaria, natural de Santa Cruz de Tenerife y padre del antiguo Congo Belga, de ascendencia maltesa. Ambos se conocieron en la capital británica, cuando las Islas Canarias comerciaban con Gran Bretaña en la exportación e importación de frutales. Jeanette nació y vivió en Londres hasta 1953, hasta que sus padres se trasladaron a los Estados Unidos, primero se instalaron en Chicago y después en Los Ángeles, a partir de 1961, donde años más tarde nacieron sus dos hermanos menores. Tras el divorcio de sus padres, Jeanette decidió volver a su país de origen bajo la custodia de su madre, instalándose en Barcelona a partir de 1964, donde entra a formar parte del grupo Pic-Nic. [ Enviar edición ] Trayectoria y Legado de Jeanette Junto a Pic-Nic empezó su carrera artística con grandes canciones como: Corazón de poeta, El muchacho de los ojos tristes, Soy rebelde, Con qué derecho, Ojos hacia el sol, Frente a frente, Cuando estoy con él, Por qué te vas, Si te vas, te vas, ¿Qué puedo hacer?, Reluz, Comiénzame a vivir, entre otras; todas éstas desarrolladas desde 1970. Jeanette también ha interpretado canciones de compositores como el español Manuel Alejandro y el nicaragüense Hernaldo Zúñiga (¿Qué puedo hacer?), entre otros grandes de la música española. También participó en duetos en París con grandes artistas españoles como Julio Iglesias y José Luis Perales. Al contraer matrimonio con Laszio Kristofe, un amigo del ex futbolista de origen húngaro Zoltán Czibor, se retira de la música por varios años, hasta que en 1989 marca su retorno, con una canción titulada Daría cualquier cosa. Actualmente reside en la ciudad de Barcelona, España.
LOS MUSTANG Los inicios de Los Mustang hay que encontrarlos en el Club San Carlos, donde se reunían los jóvenes músicos inspirados por la nueva ola musical. Tres de los componentes del grupo procedentes del Pueblo Seco: Marco Rossi Ezquerda (n. Barcelona, 1942 - Roses, 2015)2, Miguel Navarro García (n. Barcelona, 1943) y Antonio Mercadé Marzal (n. Barcelona, 1945), supusieron el embrión del grupo. En sus inicios, Los Mustang era un grupo instrumental inspirado en el estilo de The Shadows. Con la entrada de Santiago Carulla Hernández (n. Barcelona, 1942) (procedente de Los Sírex) no solo dotó al grupo de un cantante sino que el grupo empezó a tomar una notoriedad en la ciudad, y quien más tarde se convertiría en el centro del quinteto debido a la imagen y profesionalidad, quinteto que completó a la batería Antonio Mier Roura (n. Canarias, 1943 - Barcelona, 2021).3 Los primeros discos En el mes de octubre de 1962, Los Mustang graban su primer disco para EMI-Odeón con versiones de canciones extranjeras como 500 millas de Peter, Paul and Mary, Madison twist de Johnny Hallyday más He de saber y No lo ves. Los Mustang empezaban a explotar ese filón de la recopilación de esos temas extranjeros que ellos traducían al español, incluso antes de la llegada a España del original, cosa que el público deseaba por desconocimiento de otros idiomas. De hecho, en casi 40 años de trabajo, tan solo publicaron 16 temas propios. En 1963 lanzaron cuatro discos donde destacó Telestar, un instrumental repleto de efectos sonoros, algo avanzado para la época que interpretaban The Tornados. Además, realizaron versiones de Capri se acabó (Hervé Vilard), Mi Vida (Alain Barrière), El Mundo (Jimmy Fontana) y sobre todo, de The Beatles. Y es que en 1964, realizaron las versiones de canciones del cuarteto de Liverpool: Please Please Me, Conocerte Mejor, Nadie Respondió o Un Billete Compró. Pero, sobre todo, su versión más conocida sería la del Submarino Amarillo donde vendería 130 000 copias solo en España. En 1966 en un festival de ídolos donde se presentaron junto a grupos como Los Bravos, Los Brincos y Los Sírex, ellos se llevaron el trofeo de los más populares. 4 Los años 1970 Los Mustang continuaron su camino de igual forma que la habían iniciado, acaparando versiones. Pero en la década de los 70, Los Mustang apuestan fuerte con temas inéditos y dentro de la línea psicodélica, aquí apareció Mustang, Reino Prohibido Del Himalaya (partes I y II), estas son canciones conceptuales, donde hablan de civilizaciones avanzadas y anteriores a la nuestra, basándose en las teorías de Horbiger (autor del disparate del universo "cóncavo y helado", cosmógrafo y cosmólogo de Hitler) y Michael Peissel. A principios de 1970, Los Mustang visitan Cuba, donde tocaron en la ciudad de Varadero. En 1970 Marco Rossi pasó a ocuparse de los aspectos técnicos y administrativos del grupo, reemplazado a la guitarra por Juan José Calvo Sánchez(n. Barcelona, 1947), también componente de Los Sírex.5 En 1973 expira el contrato con la disquera EMI y desaparecen. El revival a partir de los años 1980 Tras años de silencio, en la década de 1980 reaparecen tras el revival del pop y graban un nuevo álbum donde incluyeron una vez más su estilo, versiones de oldies y así se han mantenido realizando presentaciones como la de 1998 junto a sus archirrivales Los Sírex. En 1999, publican un disco para celebrar los 40 años de su historia de la banda y donde colaboran artistas de la talla Luis Eduardo Aute, Dyango, Cliff Richard, El Dúo Dinámico o Jimmy Fontana.6
El cabo Valdés miró su reloj, eran las 3.45. Mudos testigos del hecho fueron los siete conscriptos de la patrulla que Valdés tenía a su cargo, la que estaba compuesta por Humberto Rojas, Germán Riquelme, Iván Robles, Pedro Rosales, Raúl Salinas, Juan Reyes y Julio Rojas. Valdés juntó a sus hombres, y se colocaron en posición de combate. “¡Si algo pasa que nos pase a todos juntos!”, dijo el cabo. Todos asintieron, víctimas de un pánico indescriptible. Agazapados, le sacaron el seguro a sus armas y Valdés decidió avanzar hacia la luz, que se encontraba a unos 500 metros de distancia. Caminó hacia el OVNI y atemorizado exclamó: ¡Alto ahí, identifíquense! Sorpresivamente, Valdés desapareció de la vista de la patrulla. El reloj marcaba las 04.15 de la madrugada. Luego de 15 desesperantes minutos, que se hicieron eternos para los asustados soldados, el cabo Valdés reapareció ante la incredulidad de sus compañeros: Lo levantaron, y lo llevaron a la fogata. Estaba como en trance, empezó a reírse y tenía la voz cambiada. Fue en esos momentos cuando exclamó la célebre frase, que más tarde daría vueltas al mundo: “¡Ustedes nunca sabrán quienes somos ni de donde venimos, pero volveremos!”. Después de estas enigmáticas palabras, Valdés volvió en sí, y sólo repetía una y otra vez: La luz… la luz… la luz… la luz. Finalmente se tranquilizó entregándose al sueño. Su reloj se había detenido a las 4.30 de la madrugada, hora en que reapareció, pero el calendario indicaba el 30 de abril, fecha posterior en 5 días. Su barba era también de 5 días, aunque se había afeitado esa misma noche, antes de comenzar su guardia. Sus subordinados no podían dar crédito a lo que veían, pero estaban seguros de que habían sido protagonistas de un hecho único, que les cambiaría la vida para siempre.
Verdadero o Falso: toda la verdad sobre la astrología ¿Has escuchado decir que los Escorpio son personas que debes evitar, que hay un 13avo signo del zodiaco oficuo y que el ascendente es mucho más influyente en la personalidad que el signo solar? Es hora de aclarar todos estos asuntos y conocer toda la verdad sobre la astrología. Todos conocemos nuestro signo zodiacal y leemos nuestros horóscopos en las revistas y la prensa pero hay tantas cosas que no sabemos sobre la astrología. Este artículo aclarará tus dudas y te mostrará una nueva cara de esta tan poderosa ciencia. ¡A continuación descubre si estas 5 afirmaciones son ciertas o falsas! 1. Astrología es solo horóscopos FALSO La astrología es un arte antiquísimo, en principio reservado a una elite que estudiando el movimiento de los astros era capaz de anticiparse a lo que sucedería. Los horóscopos tal y como los conocemos hoy en día, aparecieron en los años 30 cuando un periódico tuvo la idea de ofrecer las previsiones astrológicas gratis, concepto adoptado inmediatamente por los demás diarios. Los signos del zodiaco son entonces parte integrante de la astrología pero no su base y fundamento. Esta ciencia nos permite conocernos mejor, saber que tan compatibles somos con otras personas. También nos da consejos sobre cómo llevar nuestra vida diaria con serenidad previendo lo momentos más indicados para ciertas cosas según los movimientos de los astros. 2. El ascendente es más importante que el signo solar FALSO Para tener una idea acertada de la personalidad de una persona es necesario conocer su signo solar y su signo ascendente. Los dos signos interactúan entre ellos. Por ejemplo si eres Sagitario ascendente Virgo, tu ascendente te dará un toque perfeccionista y reflexivo que compensará un poco la actitud despreocupada característica de Sagitario. Por ende el ascendente no es más importante que el signo solar pero nos ofrece datos muy importantes sobre nosotros mismos. ¿Tienes dudas sobre tu futuro? 3. Todos los Escorpio son malas personas FALSO ¡Esto no es cierto! Pobres Escorpio, si bien es cierto que suelen ser personas con mala fama, la mayoría de las veces se debe a que se trata de un signo muy pasional. Se les cree malos y manipuladores pero la verdad es mucho más compleja que eso. Escorpio suele ser introvertido y esperar en su escondite largo tiempo antes de actuar. Aunque no se dice tan a menudo suelen ser las personas que te sorprenden cuando logran salir de su escondite con sus comportamientos amables. Lucido y con ganas de discutir sus ideas en busca de la verdad Escorpio tiene como todos los signos muchas características positivas. 4. Los doce signos zodiacales no son los correctos FALSO Si bien es cierto que de un punto de vista astronómico las constelaciones se han desplazado esto no cambia nada en cuanto al zodiaco que conocemos. Ya que las constelaciones son solamente una referencia que no tienen influencia en la astrología. El zodiaco en el que se basa la astrología (zodiaco tropical) toma como referencia las estaciones. Por lo que Aries comienza con el equinoccio de primavera y a partir de allí la elipsis se divide en doce partes iguales que representan los doce signos del zodiaco. La elipsis o zodiaco sideral, el de las constelaciones, varía con el tiempo y es este el que ahora debería incluir nuevas constelaciones. 5. Existe un 13avo signo, Ofiuco FALSO Existe una 13ava constelación en la elipsis sideral, que no tiene nada que ver con la elipsis zodiacal. Por ende 13 constelaciones pero 12 signos. Los puntos de referencia de la astrología no han cambiado. Ofiuco es una constelación ecuatorial entrelazada con la de serpentario y a veces también se le denomina como tal.
Nacido en La Habana, Cuba el 4 de junio de 1948, Francisco D'Rivera (Paquito D'Rivera) fue un niño prodigio al empezar sus estudios musicales a los cinco años bajo la tutela de su padre, Tito, un conocido saxofonista y director cubano. A los seis años ya actuaba en público, y a los siete años, se convirtió en el miembro más joven del grupo que supiese tocar un instrumento, cuando se unió a la famosa compañía, Selmer. En 1958, cuando apenas contaba con diez años, D'Rivera actuó en el Teatro Nacional de La Habana, dejando estupefacto al público y los críticos. Ingresó en el Conservatorio de La Habana a los doce años para estudiar clarinete, composición, consonancia, y "todo lo demás". En 1965, D'Rivera con tan sólo 19 años, convertido en todo un virtuoso del clarinete y el saxo, actuaba por primera vez, como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año, D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, fundaron la famosa Orquesta Cubana de Música Moderna, de la cual fue director durante algo más de dos años. Ocho de los músicos más jóvenes y aventureros de la Orquesta, se unieron a otros tres músicos para formar Irakere, cuya explosiva mezcla de jazz, rock, música clásica y música tradicionalmente cubana no se había escuchado jamás. Tras fundar en 1965 con Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna y posteriormente el citado grupo Irakere, con el que causaron sensación en los festivales de Newport y Montreux (1978), se traslada a los EE.UU. bajo la protección de, entre otros importantes músicos, del maestro del jazz, Dizzie Gillespie. En 1981, Estados Unidos concedió asilo político a D'Rivera. Comenzó así una nueva etapa en su extraordinaria carrera musical con grupos como Triángulo, la Paquito D'Rivera Big Band y el Paquito D'Rivera Quintet, con los cuales ha dado la vuelta al mundo. Ha hecho un cruce cultural de gran imporancia al promover estilos multinacionales, desde el Bebop y la música latina hasta Mozart, en Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. También es conocido por su labor como compositor, en la que ha dado rienda suelta a sus raíces afrocubanas y ha recibido importantes elogios de la crítica. Allí comienza su colaboración con los mejores músicos como Arturo Sandoval, Roditi, Michel Camilo y rescata del ostracismo a Bebo Valdés, un pianista, padre de Chucho Valdés. Posteriormente graba con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Lalo Schifrin, y en 1995 por primera vez con el Caribean Jazz Project; poco después gana el Grammy por su disco "Portraits of Cuba". Ha colaborado con Eddie Gómez, Mc Coy Tyner, Herbie Mann, Tito Puente, Astor Piazzolla, etc. Y ha publicado sus memorias con el burlón (no podía ser de otro modo) título de "Mi vida saxual" en 1999; en el que narra su historia desde que en 1953 tomó un instrumento musical en sus manos hasta sus más recientes éxitos como compositor e instrumentista. La edición puertorriqueña contó con un prólogo escrito por el cineasta español Fernando Trueba, mientras que el de la edición española fue hecho por Guillermo Cabrera Infante, considerado el escritor cubano más importante de nuestros días. También ese año recibió un reconocimiento honorario de la Universidad de Alcalá de Henares. En 2000 obtuvo por tercera vez el Grammy , en esta ocasión por su disco "Tropicana Nights". Un honor el que halla estado en el festival de nuestra hermosa ciudad de Zacatecas en el año 2008, donde dió un formidable concierto.
La vuelta al mundo en 80 días Autor: Jules Verne. Genero: Aventuras. Saga: Viajes extraordinarios #11 Cantidad de páginas: 252. Fecha de publicación: 22 de Diciembre de 1872. Sinopsis: “El flemático y solitario caballero inglés Phileas Fogg abandonará su vida de escrupulosa disciplina para cumplir con una apuesta con sus colegas del Reform Club, en la que arriesgará la mitad de su fortuna, comprometiéndose a dar la vuelta al mundo en sólo ochenta días usando los medios disponibles en la segunda mitad del siglo XIX, siguiendo el proyecto publicado en el Morning Chronicle, su diario de lectura cotidiana. Lo acompañará su recién contratado criado francés y tendrá que lidiar no sólo con los retrasos en los medios de transporte sino con la pertinaz persecución del detective Fix, que ignorando la verdadera identidad del caballero se enrola en toda la aventura a la espera de una orden de arresto de la corona inglesa (la que no llegará sino hasta el final del viaje), en la creencia de que antes de partir, Fogg robó el banco de Londres.” Hacía tiempo que quería leer un libro de este hombre y por fin ahora me voy a dar el gusto. Verne es uno de los escritores más importantes de ciencia ficción y uno de los más importantes de la historia. Si bien casi todo el mundo lo conoce por sus novelas de ciencia ficción, este libro es una novela de aventuras y por eso quizás no es la historia más adecuada para conocer a Verne. También hay que tomar en cuenta que en su época Verne fue muy criticado por esta novela. Las comparaciones son odiosas pero este libro “es el crepúsculo del siglo XIX” y no era considerado buena literatura. Este libro nos presenta a dos personajes muy diferentes. Por un lado tenemos al señor Fogg un hombre que vive cada día bajo una estricta rutina. Una de las cosas que incluyen esa rutina es ir al Reform Club a pasar el día con otros señores millonarios y apostar por diversión. Por el otro lado tenemos a Jean Passepartout. Passepartout es el nuevo mayordomo del señor y es un delicado señor francés que solo vive para cumplir los deseos de su amo. De todas formas, Passepartout está feliz porque el señor con el que le tocó vivir es un hombre de costumbres y no se le ocurre hacer locuras. Como era de esperar, Fogg se pone a discutir con sus amigos del Reform Club y los trata de convencer que es posible dar la vuelta al mundo en 80 días. Tan seguro está de que esto es posible que apuesta toda su fortuna en que él puede hacerlo. Los otros hombres del Reform Club convencidos de que están frente a una cantidad importante de dinero fácil aceptan la apuesta. Tras hacer la apuesta, Fogg y Passepartout salen destino a Londres para empezar a dar la vuelta al mundo. Estos primeros capítulos son especialmente divertidos por el contraste que tienen ambos personajes. Al principio es Passepartout el que no quiere salir y Fogg quien lo empuja a viajar. Lo interesante es que a medida que empiezan a dejar kilómetros en el camino, Passepartout empieza a disfrutar e intenta conocer los lugares a los que viajan. Por el otro lado Fogg está totalmente concentrado en su objetivo y no tiene tiempo que perder conociendo las tierras por las que pasan. Es en este punto que empiezo a ver las primeras fallas de la escritura de Verne. Este libro está escrito por un francés y los protagonistas son un inglés y un francés. Esto hace que miren todos los lugares por los que pasan con un aire de superioridad europea. Fogg y Passepartout son dos hombres que si bien viajan por todo el mundo y empiezan a tener experiencias que deberían llenarlos por dentro, siempre miran al resto como seres inferiores y estúpidos. Creo que Verne podría haber tenido un poco más de tacto a la hora de describir otras culturas, en especial cuando el foco del libro es un viaje alrededor del mundo. Otro de los puntos débiles de este libro es la fortuna de Fogg. Creo que el cerebro de Verne fue adelantado a su época en muchos sentidos. Fue un hombre que soñó con cohetes espaciales y submarinos en pleno siglo XIX. De todas formas, se olvidó de explicar algunas cosas sobre sus personajes como ¿de dónde sacó su fortuna Fogg? En este libro sabemos que es un hombre muy rico y que básicamente puede salir de cualquier problema pagando. Lo que nunca sabemos es cómo hizo su fortuna. Como los libros siempre tienen cosas buenas, creo que debería contarles un poco de mi capítulo favorito en este libro. Por motivos que no llegan al caso, Fogg y Passepartout se encuentran con un grupo de hindúes realizando un ritual. El ritual se llama “satí” y consiste en inmolar a una mujer en la misma pira funeraria que su marido. Estos rituales son tétricos y hoy en día están prohibidos en la India. De todas formas, creo que es importante que los libros hablen de las cosas que no queremos escuchar para que no sean olvidadas. Esta es una práctica que lamentablemente se siguió permitiendo en la India hasta el año 1920 y que creo que valen la pena conocer para que no se repitan. Creo que este libro fue interesante y que Verne fue un autor que me gustó bastante, pero sigo con la sensación de que quizás debería haber leído otro libro para conocer mejor su obra. Este libro lo recomiendo a todos los que disfruten de las novelas de aventuras. De todas formas siento que es un libro que refleja otra época y que quizás sea un poco injusto mirarlo con ojos del siglo XXI.
Matías Pérez, el primer extranjero que se perdió en los cielos de Cuba El portugués Matías Pérez soñaba con viajar: el mar, el espacio, el aire, y en correspondencia se ponía trabajar. Desde su profesión de sastre y toldero, fabricaba y remendaba velas para los barcos que llegaban al puerto habanero. Solía devorar todo recorte europeo que tratara las leyes de aeronáutica, siendo un gran amante y estudioso del tema. Intentando todo lo posible para acercarse a su meta, se asocia como asistente al famoso piloto francés Eugene Godard, que llegó a la isla en 1856. Para él, Pérez acometía las preparaciones de las condiciones previas a los vuelos, entre las que se encontraban el registro del tubo conductor del gas, la supervisión de los instrumentos y el lanzamiento de dos globos pilotos con el propósito de conocer la dirección del viento. Al llegar Godard a Cuba, inmediatamente surge una amistad entre este y Matías, quien adquiere de manos de Godard un globo, el “Ville Paris” por una suma de 1250 pesos y se propuso probarlo el 12 de junio en el entonces Campo de Marte, actual Parque de la Fraternidad Americana, para lo que citadinos de todos los rincones se avinieron en común expectativa. Y, a pesar de los percances, el primer vuelo fue satisfactorio. La audiencia estaba lista y ansiosa, sosegándose gracias a la orquesta contratada para el evento. Pañuelos y voces se alzaron al unísono una vez que el globo se comenzaba a desligarse de la tierra. Pero la cuerda que habría la válvula del globo se atoró, lo que hizo que el vehículo descendiera rápidamente unos cuantos metros. Matías, valiente y resolutivo ante todo, subió por los amarres que sujetaban la barquilla y mantuvo abierta con los brazos la boca del globo, apaño que consiguió que llegaran a la quinta de Palatino, por el Almendares. Por suerte, el “Rey de los toldos”, como era conocido Pérez en la sociedad cubana de la colonia, seguía empecinado con sus sueños de aeronauta, y tenía cómo financiarlos, pues su negocio era más que fructífero dada la popularidad de los toldos entre la alta sociedad habanera. Se intentó llevar a cabo la hazaña en dos otras circunstancias, mas se tornó imposible por climas desfavorecedores. El domingo 29 de junio de 1856 fue fijado como la fecha del próximo tanteo. Desde la Plaza de Marte una vez más y ante un público estupefacto, fue arrastrado el globo y el tripulante por una fuerte ráfaga de viento hacia el mar, ganando altura vertiginosamente. Se cree que unos pescadores que laboraban cerca del Torreón de La Chorrera le insistieron para bajar (supongo que aventándose al mar), pero el navegante dejó caer unos sacos de arena de contrapeso y fue más nunca divisado. Lo vieron alejarse y desapareció, así de simple. Luego de una exhaustiva pesquisa por zonas de Pinar del Río, La Habana y Matanzas, adonde se cree pudo haber llegado el globo, se dio por cerrado el caso. Matías Pérez se desvaneció en el cielo o en la espuma. Y no fue hasta unos años más tarde que fueron descubiertos, por coincidencia, lo que fue en su momento un globo aerostático, pero no hubo evidencias contundentes que condujeran a conclusión certera sobre si era o no el “Ville Paris”. “Voló como Matías Pérez” pasó a formar parte fundamental de la fraseología cubana, de nuestro acervo cultural. Pudo no haberse convertido en el aeronauta que esperaba, pero sí en leyenda, en un modelo de intrepidez. Así pasó a la historia en forma de frase, una que se utiliza para referirse a los que se van y no vuelven jamás. Esta frase forma, en conjunto con “Ambrosio y su carabina” y el “médico chino”, un importante trinomio del folclor cubano.
Nocturno: ¿por que nació ese espacio musical? Andrés Pascual Su primer locutor fue el pinareño Julio Capote que emigro a Venezuela en 1968, donde alcanzo el éxito absoluto junto a una de sus hijas. A partir de Julio, las voces se buscaron lo más parecidas posible a la del iniciador: Juan Jose Gonzalez Ramos o Pastor Felipe…por ejemplo. En 1965 el Ministerio de Cultura envió en "viaje de buena voluntad" a Francia a un grupo de los mejores cantantes y agrupaciones que quedaban en Cuba con el nombre de "Music Hall Cubano"; el espectáculo, en forma de revista, se presento en el famoso Olimpia de la capital gala y siguió su gira por los países del Pacto de Varsovia: Pello el Afrokan y su orquesta, a la que se refirió un agudo cronista musical francés así, "…el espectáculo de tambores fue opacado por el sonido al garete de las mas desafinadas trompetas que jamás soplaron en este país…", la Aragón, Los Zafiros, Jose Antonio Mendez…fueron la mercancía. Lo positivo fue el encuentro de la música cubana con la balada francesa e italiana que se conocía subrepticia y extraoficialmente que, desde 1966, Georgia Gálvez, Luisa Maria Güell, Los Meme, Danny Puga, Regino Tellechea y varios más se encargarían de difundir e imponer en un desliz de la férrea censura de la época. Antes de Nocturno existía Sorpresa Musical, conducido por Agustín "Chucho" Herrera y dedicado a un público más amplio que la juventud en el que se difundía solo a cubanos solistas y agrupaciones bailables de éxito como Neno Gonzalez y Aragón; su tema musical era "Una casita portuguesa", instrumental por Frank Pourcell que cambio en 1967 a "Mi verdad", también instrumental, por Paul Muriat. Sorpresa modifico su programación a totalmente juvenil con participación internacional a mediados de 1967. Pero Nocturno nació con un poema y una canción y el tema "La muchacha de la valija" instrumental por Fausto Papetti de la película homónima interpretada por Claudia Cardinale; también con participación cubana y alguna internacional: Elena, Luisa Maria, Georgia, los Meme o Felipe Dulzaides con "Elisa", de la música de Legrand de Los Paraguas de Cherburgo; o Renata, Herve Vilar, Daniel Velásquez o Giancarlo Guardabassi…y durante 1967 fue que entraron los ingleses como The Animals, que los programaron antes que a The Beatles, con "Sky Pillow". Los de Liverpool se oyeron en Nocturno por primera vez con ¡Hello, Good Bye! A mediados de año. Enrique Guzmán se oyó en Cuba desde 1960 con los Rebeldes del Rock; después, a partir de 1965, como Cesar Costa, Alberto Vazquez y Palito Ortega con "Despeinada". Sandro fue escuchado por primera vez en Sorpresa con "Así", en 1969, como Salome, Marisol, Los Angeles Negros, Los Módulos, Lito Nebia y Los Gatos con "Viento, dile a la lluvia"; o Los Apson de Méjico. En 1966 Rosita Fornes canto con Eddy Gaytan "Ninguno me puede juzgar", de Tony Dallara, que se escucho al año siguiente en radio con "Una noche en Palma de Mallorca" y "Margarita" por el propio italiano; "Sabor a Sal" fue un éxito a finales de 1966 por el ex futbolista español Jose Guardiola; Rafael inauguro su era en Cuba con "Yo soy aquel" a mediados de 1966; Luisa Maria estreno para Cuba "No tengo edad", un premio 1965 de Gigiola Cinquietti en San Remo y el éxito de Aznavour "Y por tanto", pero lo mejor de ella fue "Canto al Amor"; de Rita Pavone, en 1967, "A mi edad", que había sido el tema musical de uno de los cuentos del filme italiano de 1962 visto en Cuba, "Rogopag"; Donatella Moretti fue fuente de adaptación para Luisa Maria con "Te veo marchar"; Renata deslumbro con "Abrázame fuerte", pero yo preferí la versión de Martha Strada; Jimmy Fontana con "Un mundo"; "Una casa en la cima del mundo", italiana, la cantaron varios cantantes en Cuba; Gianni Morandi le prestó en 1967 a Jorge País "A que tu mama ahora te mande" y el italianito debuto en radio con "Orgullo" y "No soy digno de ti", versiones en español, en 1968 y 1967, igual que Nicola de Bari con "Giramondo" y "Si yo te hablara de mi". El dúo Dinámico, Los Mustangs, Los Salvajes, Los Doble Cero… a partir de 1967. En 1968 los Rocking Devils, los Yaquis o los Johnny Jet, de Méjico. Manzanero, finales de 1967 y Angélica Maria en 1969 con Jose Jose y Camilo Sesto en 1970 y 1971. Serrat y Alberto Cortez en 1969 ambos; pero Los 5 Latinos cantaron "En un Rincón del Alma" en 1968 en Nocturno; así como los Javaloyas y la Formula 5ta. o Los Pasos, Los Sirex, Los Angeles y Los Diablos. A mediados también de 1967 y por la influencia de Nocturno y de Sorpresa nació, en las voces de Mariana Ramirez Corria y de Manolo Ribeiro, Festival, en la usurpada CMQ, rebautizada por la horda Radio Liberación, a las tres de la tarde, con una hora de duración que después paso al horario de las 6 de la tarde.
LA DAMA DE LAS CAMELIAS DE ALEJANDRO DUMAS Argumento del libro "La Dama de Las Camelias" de Alejandro Dumas (Hijo). Armando Duval, un joven de la alta sociedad parisiense, se enamora perdidamente de Margarita Gautier, reconocida cortesana, quien corresponde sinceramente a este sentimiento. Olvidándose de esas circunstancias que les rodean, Armando y Margarita se entrego por completo a eses amor que sienten sin importarles el escándalo que este genera. Con la finalidad de alejarse de Paris, de la maledicencia en los círculos sociales que frecuentan y aislarse en la soledad de un amor que les llena, los enamorados huyen a una pequeña casa de campo hasta la que, en secreto, llega el padre de Armando para entrevistarse con Margarita. El anciano sabe que su hijo es feliz, que en realidad esta enamorado, pero los convencionalismos sociales se imponen y el rechazo a la condición moral de la cortesana empezaba hacerse extensivo a la familia Duval: una hermana de Armando ve frustrado su matrimonio merced a la deshonra que su relación con Margarita implica para sus allegados. Esgrimiendo como argumento el amor que Margarita siente por Armando, quien ignora esa entrevista hasta ultimo momento, su padre la insta a dejarlo haciéndole ver los perjuicios que las diferencias sociales y morales que existen entre ambos le acarrearían fingiendo calculo, diferencia hastió, Margarita deja la casa de campo en la que por primera y ultima vez fue feliz y retorna Paris en donde acepta la protección del conde de Varville, quien paga sus gastos a cambio de convertirla en su amante. Herido en su amor propio y movido por el despecho, armando arroja a la cara de Margarita un montón de billetes que gana en el juego una noche en que coinciden en el casino. Ella no a dejado de amarlo. Su actitud la hiere profundamente y empeora el crítico estado de salud en que se encuentra. La tuberculosis la consume; la perdida de Armando la lleva desear la muerte. Una sombra, Nanette, ama de llaves de Margarita, hacido testigo de todo lo ocurrido. Ante la inminente muerte de su patrona, decide escribir una carta contándole la verdad a Armando Duval. Cuando el llega, la cortesana esta apunto de morir: entre sollozos entrecortados reconocen su amor y lamentan la derrota de ese sentimiento.
Simon Sebag Montefiore (Londres, 1965) sigue una larga y fructífera tradición de historiadores británicos que saben conjugar el rigor con la divulgación y la riqueza literaria con las técnicas del reportaje periodístico. De hecho, algunos de los más famosos hispanistas de Inglaterra, como Geoffrey Parker o Paul Preston por citar dos ejemplos famosos, han alcanzado un prestigio académico que no resulta incompatible, ni mucho menos, con la popularidad de sus libros. Así pues, investigar como un meticuloso académico y narrar como un ameno reportero parece ser la fórmula de éxito de los historiadores británicos. Sebag Montefiore, un especialista en la historia de Rusia formado en la Universidad de Cambridge, aplica sin lugar a dudas esta receta en sus ensayos que han sido premiados con reconocidos galardones como ocurrió con La corte del zar rojo (Crítica, 2004) o Llamadme Stalin (Crítica, 2007). Los Románov representa un libro monumental que ya se ha convertido en una referencia sobre la dinastía que gobernó el Imperio ruso con mano de hierro durante tres siglos, entre 1613 y 1918, cuando los devastadores efectos de la Primera Guerra Mundial precipitaron la revolución bolchevique y el derrocamiento del zar Alejandro II. Cerca de un millar de páginas, producto de muchos años de investigación; un estilo muy ágil y didáctico; varios álbumes de ilustraciones y fotos; y una bibliografía y unas notas amplísimas al final del volumen; definen el libro de Sebag Montefiore como una obra imprescindible para analizar el pasado y también para comprender el presente de una de las grandes potencias mundiales. La documentación manejada por el historiador de Cambridge llega a ser tan exhaustiva que el lector puede imaginar, casi contemplar, la vida de aquellos zares autocráticos y despóticos hasta en sus más mínimos detalles cotidianos. Por las páginas de Los Románov desfilan desde la mítica Catalina la Grande hasta el intrigante Rasputín en una sucesión de personajes que van explicando la expansión del Imperio ruso al rebufo de una dinastía absolutista, rodeada de fastuosas cortes y apoyada en una oficialidad aristocrática al mando. Al fondo, un campesinado oprimido y sojuzgado, un pueblo analfabeto y pobre, alienados por una Iglesia ortodoxa que va prestando a lo largo de tres siglos la coartada religiosa a los Románov. El autor se detiene con frecuencia en trazar los perfiles psicológicos tanto de los zares como de sus familias y allegados en un enfoque que, en ocasiones, deviene pesado y prolijo y que obliga al lector a consultar de modo constante los repartos de personajes que Simon Sebag Montefiore introduce al principio de cada capítulo. Así pues, las enfermedades, vicios, amoríos, desmanes y rarezas de la Corte rusa aparecen descritas con una minuciosidad a veces excesiva y poco relevante para los propósitos de una historia de fondo. De algún modo, significa un tributo a un público generalista que pueda interesarse por el libro. Tal vez en esta faceta radique la debilidad de una obra en cualquier caso extraordinaria. Pero sin caer en una estrecha visión marxista de la historia, podría decirse que Los Románov recoge una infinidad de anécdotas individuales, de batallas concretas, de intrigas palaciegas, pero no refleja con suficiente nitidez ni profundidad la sociedad rusa de las distintas épocas, una sociedad que iba mucho más allá de la Corte y que se extendía desde Europa central hasta el océano Pacífico en sus periodos de mayor dominio. Así pues, las condiciones económicas y sociales del pueblo ruso, su cultura y cotidianidad, apenas quedan apuntadas en este ensayo histórico con trazo grueso o como un simple contrapunto de la política que se diseña desde los palacios imperiales. No obstante, da la impresión de que el autor ha elegido deliberadamente este enfoque de una historia más centrada en unos personajes individuales que, por muy decisivos que fueran, acaban respondiendo a los avatares colectivos y a la geopolítica de cada momento. A pesar de ello, Los Románov se convierte en un libro necesario para cualquier lector español que desee adentrarse en la turbulenta y poco conocida historia de la Rusia de los últimos siglos. Por otra parte, este ensayo ofrece también las claves para entender la evolución posterior del país tanto en las décadas del comunismo de la Unión Soviética (1917-1991) como en la democracia autoritaria de la actualidad con un Vladímir Putin que aspira a emular sin ningún empacho a los antiguos zares. De hecho, un libro magnífico como la biografía novelada de Límonov (Anagrama) podría leerse como la continuación de esta antología de los Románov. Por si cabía alguna duda del determinante peso de la historia en un inmenso país como Rusia y de la pervivencia de sus regímenes autoritarios, opresores e imperialistas, Simon Sebag Montefiore cierra su libro con una cita de Vladímir Putin. “Los criminales más grandes de nuestra historia”, afirma el actual presidente ruso, “fueron esos peleles que tiraron el poder al suelo, Nicolás II y Mijaíl Gorbachov, que permitieron que quienes lo recogieran fueran una pandilla de histéricos y de locos”. Una visión muy peculiar de la historia de Rusia que explica toda una filosofía de uno de los políticos más poderosos del mundo.
Ringasd El Magad . Locomotiv GT se dio a conocer en Cuba durante los 70. Felipe Morfa, uno de los directores de programas radiales de música que más respeto, en virtud de su buen gusto, sentido de búsqueda en cuanto a grabaciones del pasado y del presente, así como por la defensa que hace de la promoción de la música cubana al margen del sitio donde se haya registrado, ha prometido pasarme toda la discografía de Locomotiv GT. Es casi seguro que dicho ensemble poco o nada represente para las nuevas generaciones de melómanos cubanos, pero para los que andamos por la media rueda y gustamos del rock, esa banda húngara es parte de nuestra memoria sonora. Nombres como Five Moto Rock, Kati Kovacs, Fonograf y los aludidos Locomotiv GT se dieron a conocer en Cuba durante los 70. Tuve la dicha de asistir a las presentaciones de LGT siempre que nos visitó y en particular, tengo grabada en la mente dos de sus conciertos aquí. Uno, el efectuado en el Karl Marx ante un público que repletó el teatro, y otro, llevado a cabo en el Cristino Naranjo, con una audiencia reducida y menos interesada en la propuesta sonora, pero eso sí, con una oferta de comida y cerveza abundantes, y al que pude ir gracias a mi amiga Nancy, compañera del preuniversitario en el que yo estudiaba entonces, que me cedió las invitaciones dadas a sus padres. Del grupo encabezado por Gábor Presser evocó una pieza como Lady of the night, tema grabado en inglés pues la banda editó varios discos en dicho idioma con el fin de penetrar el mercado estadounidense y el británico, país este donde la agrupación llegó a interactuar con el legendario Jack Bruce, quien intervino como invitado en un LP de la formación. Ahora bien, sin discusión alguna el corte más popular de LGT en Cuba fue Ringasd El Magad, que entre nosotros se coreó hasta el cansancio. Por la ya lejana época, entre los más duchos en materia de rock por acá, con frecuencia Locomotiv GT era comparado con otros compatriotas suyos, el grupo denominado Omega. Cultores de un rock progresivo que en etapas se tornó más o menos cercano al hard rock, lamentablemente este ensemble icónico de la escena underground húngara, nunca vino a Cuba y sus grabaciones solo circularon entre unos pocos afortunados. Según el criterio de los especialistas, el período de los años 70 resulta el momento de mayor esplendor para el rock en Hungría, dada la coexistencia de bandas como las mencionadas LGT y Omega, junto a otras como Edda, Piramis, Cartago y Solaris. En semejante listado de grupos, Omega es valorada como todo un símbolo. Con cerca de 20 álbumes publicados, los líderes del ensemble han sido László Benko (cantante, pianista y flautista) y János Kóbor (vocalista y guitarrista). Entre sus producciones fonográficas de mayor interés, yo mencionaría Omega Red Star from Hungary y 10000 lépés, al que pertenece su canción más conocida internacionalmente, Gyöngyhajú lány, versionada en la década de los 90 por los alemanes de Scorpions con el título de White Dove. Un colectivo clásico del mejor rock húngaro de todos los tiempos es Edda, también conocido como Edda Muvek. Con más de cinco millones de ejemplares de su discografía vendida en Europa, ellos son valorados en su país natal como una banda de culto. A lo largo de su historia, numerosos integrantes han pasado por las filas de la agrupación, en la que la columna vertebral ha sido el vocalista Attila Pataky. Su debut fonográfico se produce en 1980, con el LP nombrado Edda Muvek 1, de notable éxito en Hungría. Su disco más reciente data de 2012 y lleva por nombre Inog a világ (El mundo se tambalea). Si bien tras el derrumbe del socialismo en las naciones de Europa del Este, para nosotros se ha tornado muy difícil acceder a lo que en materia no solo de música sino de cultura en general acontece en un sitio como el país magiar, de cuando en vez algo nos llega. Así, para los interesados en materia de rock sugiero buscar grabaciones de grupos húngaros de los últimos tiempos, como por ejemplo, Intim Torna Illegál (ITI), cultores de un sonido aproximado al del rock alternativo y al menos con dos discos que yo conozca: Cirkusz y Kísérlet; y Turbo, interesantísimo ensemble de rock psicodélico progresivo, como se evidencia al escuchar sus CDs Vol1 y Lost Measure. Con nombres y textos de melodías impronunciables, dado lo complejo del idioma, ello no es óbice para no indagar por lo que en rock y metal se hace hoy en Hungría pues nadie sabe si por ahí nos pudiéramos encontrar con el equivalente de lo que en su momento fue Ringasd El Magad.
Los Novels Cuba 3 de abril · BIOGRAFIA DEL GRUPO MUSICAL LOS NOVELS El Grupo Musical Los Novels fue fundado el 6 de Junio de 1966 en la ciudad de Cárdenas provincia de Matanzas Cuba. Inmediatamente comenzaron a actuar en fiestas privadas y ya en el año 1967 se encontraban amenizando los bailables en el Cabaret Las Palmas de Cárdenas y en los Carnavales de los municipios de la provincia de Matanzas. Mas tarde fueron contratados para amenizar las tardes en el Bar Siboney del Hotel Internacional de Varadero. En el año 1968 el grupo fue a trabajar para la provincia de Camagüey por varios años. En este mismo año realizó sus primeras grabaciones, Por ella y su primer éxito, Aquel Verano ambas versiones al español de canciones internacionales. En 1970 fueron elegidos popularmente para integrar la selección de artistas nacionales para participar en el Festival de la Canción Internacional Varadero 70 debido a la popularidad alcanzada con la grabación de “Ella Quiere que tu Regreses” canción que llegó al lugar número 6 de la lista de éxitos del programa Nocturno. Después partieron para realizar su primera gira internacional a Bulgaria, Checoeslovaquia y La URSS y al regreso continuaron actuando en actividades culturales y bailables en toda la Isla de Cuba, así como grabaciones y programas de televisión tales como Buenas Tardes, Juntos a Las Nueve, En Vivo, Para Bailar,etc. También vinieron varias giras internacionales a países de todos los continentes y actuaciones en Shows de Cabarets de Playas del Este de La Habana y Varadero acompañando a artistas como: Omara Portuondo, Moraima Secada, Mirta Medina, Luis Bofill, Annia Linares, Rolando Ojeda (Ojedita), Duo Mary y Pupy, Barry Tatica, Mireya Escalante, Kino Moran, Pacolo, Mario Rodriguez, Dinorah Morejón, Miguel Angel Piña, Miguel Angel Céspedes, Hector Téllez, Marta Campos, Leonor Zayas, José Valladares, Juana Bacallao, Miriam Ballard, Ana Lidia Méndez, Daniel García (Juan Primito), Rosita Fornés, Fausto Durán, Malena, Rita Gil, Normita Diaz, Natacha, Santiago Iglesias, Elena Barreto, Lazaro Marezma, Ricardo Oseguera, Coralia Fernández y Ramón Veloz, etc.. Países visitados 1970 Bulgaria, Checoeslovaquia y URSS 1976 México 1981 Nicaragua 1984 Italia y Rumanía 1986 Nicaragua, Angola, Nigeria, Bénin, El Congo y Zaire 1987 URSS, Mongolia, Corea, Japón, Filipinas y Australia 1988 Dinamarca, Noruega, Suecia, Finlandia y Francia 1990 Finlandia, Noruega, Dinamarca, Islas Feroes, Islandia, Inglaterra, Francia, Luxemburgo y Bélgica, Chile, Uruguay y Argentina 1991 México 1992 Canadá Integrantes Pedro Rodríguez Raymond Garcia Miguel Fernández Adolfo Naquid Julio Urbizo Jorge Urbizo Otros integrantes o colaboradores a través de sus años de trabajo: Raul Armenteros, Miguel Rodriguez (Miguelón),Pastor López (Chico), Ramón Hernádez, Bruno Villalonga,Sergio Pichardo, Alberto Alberto, Rafael Arrieta (Papito), Alex Borges, Rudy Cardoso, Víctor Valdés (Vitico), Rolando Pérez Pérez (Pérez Pérez), Raul Montané, Odelkis Savingnon, Belkis Martínez, Elisardo Campos, Reynaldo Ojeda, Yolaine Elias, Rey Frank, Miguel Angel Smith, Pedro René Rodríguez, Jhoan Urbizo, Jorge Gonzalez Prieto, José Luis Quintana (Changuito) y otros ma
Los Brito Descendientes de una distinguida familia de músicos cubanos, Julio Brito Jr (fallece 14 Abril 2006) y Alfredo Brito , Mercy Díaz Suárez –con quien contraerá matrimonio en 1968- y más adelante se incorpora Pedro Sánchez , “El Nene” como le llaman sus amigos, quedando de este modo formado el cuarteto. El 8 de agosto de 1967 debutan Los Brito en Música y Estrellas, el programa musical más popular de la televisión cubana en ese momento, dirigido por Manolo Rifat y presentado por Eva Rodríguez. Esa noche interpretaron un tema de Alfredo titulado Matías Pérez, que tuvo un éxito inmediato. Pero repentina e inesperadamente, Pedro Sánchez fallece un año después del debut del grupo, siendo sustituido por Abelardo Cordero. Desde ese momento, el éxito de Los Brito fue in crescendo y se consolidó en programas radio y televisión, teatros y centros nocturnos de moda, como el Copa Room del Havana Riviera, Tropicana, Parisién, Habana Libre (antes Hilton), y otros. En el Primer Festival Internacional de la Canción Varadero 1970, en la playa de igual nombre, fue el único cuarteto elegido por votación popular para representar a Cuba. El repertorio de los Brito estuvo compuesto por temas de Alfredo Brito, su director musical, y de su hermano Julio Brito. Entre sus éxitos más recordados, además del ya mencionado Matías Pérez, estuvieron "Ellos" ,"Cabellos negros", "El Banquito", "Poco a Poco", "Cuando llego a mi casa", "El Soñador", "Noche de Fiesta", "Quiéreme un poquito", "Un viaje sin retorno ni partida", y muchos más. Aunque interpretó algunas baladas y canciones, el estilo del cuarteto se caracterizó mayormente por una mezcla de pop con ritmos cubano, por lo cual se puede considerar como precursor en esos años de la fusión entre la música cubana y otras de diverso origen. Realizaron actuaciones en espectáculos y programas de televisión para niños, como "Variedades Infantiles" o Sábado 37. Entre sus más populares páginas dedicadas a los pequeños se encuentran "El gatico Ferrufín", "Carpintero" o "El ratón barrigón". Esta última dio motivo a un dibujo animado Fue uno de los grupos cubanos de más popularidad en los finales de los años 60 y hasta principios de la década de 1980. El cuarteto los Brito se disolvió en 1983, cuando sus integrantes se radicaron en el exterior del país.
Los iniciadores de este boom en Cienfuegos fueron LOS JAGUARES, fundados en 1966 bajo este nombre por ser alegórico al Hotel Jagua donde el cuarteto trabajaba permanentemente, interpretando entre otras, canciones de los Beatles y otros clásicos Anglosajones con textos en castellano y éxitos del pop español y latinoamericano. A mediado de los 70 después de 10 años eran el principal y más popular grupo pop cienfueguero de la época.
LOS SIGNOS. Banda formada a finales de 1969 en Ciudad Habana con la intención de interpretar música White Soul. Sus integrantes al principio lo fueron Lourdes León en la guitarra bajo y leader, Mario Menéndez como voz solista, Nelson Rodríguez en el drum, José Bustillos en la guitarra leader, Orlando Vals en la segunda guitarra, Jorge Hernández en el teclado, la cuerda de metales estaba formada por Jesús Hernández como primera trompeta, Osvaldo Olivera en la segunda, Raúl Macianiero en el saxo tenor y Roberto Álvarez en el trombón de vara. Luego de algún tiempo a finales de 1970 entra Mayito Valdez por Lourdes en el bajo, Juan Carlos entra en el canto por Mario Menéndez aunque a la postre unirían sus dos voces agregándose un percusionista menor llamado Víctor Herrera. El repertorio de Los Signos se ajustaba a la corriente de Blood, Sweet and Tears y Chicago dos bandas muy de moda en ese momento internacionalmente, ejecutando verdaderas imitaciones de Make me smile, I am men, Vehicle, You make me so, More aunque también hicieron buenas versiones de Let it be en la tecla de Aretha Franklin e incursionaban en temas de The Animals, Rare Earth y Los Canarios( España). Loa Signos a diferencia de otras bandas de Rock Cubanas producto de su gran sonoridad indiscutible se presento en Festivales Nacionales para grupos aficionados ganando los festivales de 1969, 1970, 1971 y 1972 (en Cuba los festivales eran una verdadera muestra de calidad y máxime para una banda Rockera con la característica de Los Signos, anteriormente a ellos solo los Dada habían logrado ganar estos festivales tocando Rock instrumental en 1967, esta musica noe era muy bien vista por muchos miembros de los jurados que se aferraban al punto de vista de musica nacional en aquella época). Sus mejores actuaciones se efectuaron en fiestas de Quince y Bodas donde eran contratados por los interesados, son muy recordadas sus apariciones en el teatro Mella de la calle Línea en el Vedado, en los salones de Habana Libre, una presentación muy recordada fue la que tuvieron en la escuela Secundaria Básica Forjadores del Futuro situada en la esquina de Obispo y Oficios ( hoy día Museo de Ciencias Naturales ) a principio de 1972 donde efectuaron un Mano a Mano con Los Gnomos banda esta muy sonada en la época y de mayor trascendencia en tiempo de realización los que interpretaban un repertorio muy similar a Los Signos, esta banda estaba formada por Pedro Caña, Guillermo Fragoso, José Maria Vitier, Héctor Dalgo y una cuerda de metales, este concierto verdaderamente inolvidable termino con una presencia de un publico indeterminable que lleno no solo el salón de la biblioteca lugar que ocupaban las bandas, sino también parte de la Plaza de Armas ( parque céntrico frente al lugar). La imposibilidad de profesionalizarse llevaron a Los Signos a su lamentable ruptura a finales de 1972. Luego de su disolución su columna vertebral de Los Signos formada esta por Mayito Valdez, José Bustillos y Nelson Rodríguez pasan a formar parte de otras agrupaciones algunas de ellas distanciadas del genero, de esta manera Mayito se integra a Pello el Afrokan, Bustillos primero pasa como guitarrista acompañante de diversos solistas y luego a Síntesis y Nelson conjuntamente con otros miembros de la extinta banda a la columna Juvenil del Centenario. Los Signos tenían música propia pero en aquel momento el Rock Cubano era verdaderamente visto como algo estúpido y fuera de alcance intelectual y era muy subjetivizado . La calidad de la banda los llevo a la televisión haciendo diferente programas televisivos a pesar de su breve periodo de formación ( 1969-1972 ). Todavía al pasar por allí se recuerdan con verdadera nostalgia sus primeros locales de ensayo como lo fueron el de la calle Rayo en el barrio de los Sitios en Centro Habana (casa de Lourdes León su bajista y primera mentora) y el del Pasaje de Teresita en la barriada de Lawton. Realmente LOS SIGNOS fueron algo que SIGNIFICARON mucho para la cultura Rockera Cubana.
Los Dan, grupo musical que surge en la decada de los sesenta (1967) integrados por 3 guitarristas, 1 bajo y una bateria : Eduardo Larena, Victor Saravia , Ricardo Rodríguez , Roberto Sosa y Jorge Sosa. Surguierón en el municipio Plaza de la ciudad de la Habana. En el año 68 mediante el movimiento de artistas aficionados, participaron en el 1er Festival Nacional de la música, obteniendo el 1er lugar como agrupacion vocal. Seguido de diversas presentaciones para diferentes entidades lograron formar parte del Instituto Cubano Radio Television (ICRT). En el año 1970 grabaron el 1er LP con temas como: "Yo te di todos mis sueños" , "Si, el sol salio" , "Que sera de mi mañana" y "Si realmente piensas refugiarte en mi ". Tuvieron la oportunidad de presentarnos en la mayoría de programas televisivos y radiales de Cuba, como Juntos a las 9 , Buenas Tardes , Recital , Cantando , Para Bailar. En los años 1975 ganaron el Premio Opina a la Popularidad ; teniendo presentaciones en importantes festivales como: - Adolfo Guzmán; - Premio a la mejor interpretación con el tema "Te espero en la eternidad" ., de la autoria de Adolfo Guzmán - Festival Benny More; - Grupo invitado - Festival de Rock; - Premio agrupación vocal - Festival Internacional de Varadero; - Grupo Invitado Alcanzaron lo casi imposible,en un país de tantos músicos buenos, jamas imaginamos cuando grabamos los dos primeros números que seria uno de ellos este que suena aquí,Yo te di todos mis suenos...jamas nos paso por la mente que este seria el super éxito y quedaría en el primer lugar de los hit parade de Cuba entera....fueron momentos inolvidables y en la radio cubana no cesaban de pasar nuestros temas...fue algo asombroso,pues fuimos merecedores de dos premios a los artistas mas populares de toda Cuba, siendo aun aficionados Eduardo Larena, baterista se marcha a E.U
El Grupo Insignia de Caibarén ( Surgió en 1984 con el nombre de Grupo Trébol) en 1988, incursionamos en temas de corte filosófico y social con influencias del pop-rock.Lo integraron (De izquierda a derecha):Pedro Luis González y Eduardo Quincoso (compositores de los temas),Juan Vera,William Rivero,José Mirabal (Fallecido),José Manuel Ortega y Heriberto Santana.
Los Bule Bule de Camajuani en los 60's. ( The Beatles de Camajuani) Cantantes Jesus Loreto Fariñas , Pnciano Alvarez y Roberto Prieto ( qpd) , Humberto Urquijo bateria , Luis Méndez organo ( qpd) , Feli Leal bajo , Roger Torres guitarra .
A lo largo de la historia, todas las culturas han tenido una serie de personajes relacionados con el terror o el miedo, siendo en muchas ocasiones historias que se usan para asustar a los más pequeños, y cuyos orígenes se pueden arrastrar a muchos siglos atrás. Para hablar sobre una de las historias de terror más interesantes de la cultura latina en esta lección de unPROFESOR vamos a ofrecer un resumen de la leyenda de la Llorona. También te puede interesar: Leyenda de Eco y Narciso: resumen corto Índice ¿Quién es la Llorona? Orígenes de la leyenda de La Llorona Semejanzas de la leyenda de La Llorona con otras culturas ¿Quién es la Llorona? La Llorona es la denominación que recibe un fantasma de los relatos hispanoamericanos cuyas historias durante años se han pasado de generación en generación. Se dice que este fantasma es el alma en pena de una mujer que por motivos desconocidos mató a sus hijos ahogándolos en el agua, tras esto ya arrepentida y con una maldición indeterminada busca a sus hijos por todos los medios de agua posibles, como ríos o mares, realizando en su búsqueda un llanto aterrador que asusta a toda persona que lo escuche o vea. Una de las cosas más interesantes de la historia de la Llorona es que su paso por diferentes zonas hispanas ha hecho que su historia sea muy diferente dependiendo de la zona donde sea escuchada, existiendo decenas de historias diferentes sobre el desenlace de sus hijos o sobre su forma posterior a la muerte. Una de las muestras de lo que puede cambiar este relato es sobre las características de la mujer, ya que dependiendo donde se escuche la historia o quien la cuente podemos hablar sobre una mujer rica o pobre, su etnia o con nombres tanto para ella como para su esposo e hijos. Esto muestra que una historia que pasa por muchas bocas puede terminar teniendo muchas formas distintas, siendo por lo tanto complicado recordar la historia original de la Llorona. Otras cuestiones que cambien según el relato es la razón por la que mató a sus hijos, el lugar se realizaron los hechos, la presencia del agua o no, incluso existen versiones en la que el asesinato no es cometido por ella, sino que otra persona como su marido, alguna clase alta o un espíritu el que mata a los hijos de la Llorona. En cuanto a las funciones para las que se ha usado la historia de la Llorona podemos hablar de muchas, siendo la más esencial la de asustar a los niños, pero también ha tenido otras funciones más extrañas, como las de advertir a hombres y mujeres de no engañar a sus parejas, o como símbolo colectivo de grupos que han sido discriminados por las clases sociales altas. Leyenda de la Llorona: resumen - ¿Quién es la Llorona?Imagen: Slideshare Orígenes de la leyenda de La Llorona Como todas las historias, la leyenda de la Llorona tiene un origen muy antiguo, aunque a lo largo de los años y debido a que la historia se ha tergiversado en muchas ocasiones la historia original era muy diferente a la actual. Para conocer la leyenda en esta lección de unPROFESOR vamos a hablar sobre sus orígenes, y su evolución hasta la etapa actual. Las criaturas mitológicas y fantasmas que lloran sobre corrientes acuáticas como los ríos han sido muy comunes a lo largo de la historia de la humanidad, teniendo su origen en los pueblos aborígenes de las culturas anteriores a los hispanos. Existen tres principales teorías sobre el origen verdadero de la Llorona, siendo la primera la que piensa que los hechos pasaron realmente, la segunda que un hecho real se unió a un mito antiguo creando la leyenda, y la tercera que es tan solo una historia con cierto simbolismo. Se piensa que el origen de la leyenda nace en los pueblos prehispánicos y, más concretamente en la diosa Auicanime, siendo una deidad prehispánica relacionada con temas como la muerte, el inframundo y la lujuria. Otras deidades que se piensa que pudieron influenciar a la historia de la Llorona son la diosa maya Xtabal, la diosa zapoteca Xonaci o la diosa mexica Cihuacoatl. Tras años de cambio, la leyenda de la Llorona cambia totalmente tras la llegada de los españoles a América, siendo ellos quienes transforman la historia para convertirla en un verdadero mito. Fue la mezcla entre las historias aborígenes, las de las culturas precolombinas y las historias creadas por las españolas las que crearon la llamada leyenda de la Llorona. Leyenda de la Llorona: resumen - Orígenes de la leyenda de La LloronaImagen: Infobae Semejanzas de la leyenda de La Llorona con otras culturas Para concluir este resumen de la leyenda de la Llorona, debemos hablar sobre las grandes semejanzas que existen entre esta leyenda y otras historias que aparecen en culturas bastante alejadas de ellas. Algunas de las historias de otras regiones que guardan parecido con la Llorona son las siguientes: La leyenda de Medea de la mitología griega, quien asesinó a sus hijos tras ser abandonada por su marido. El mito griego de Lamia, cuyos hijos habían sido asesinados por Hera, y que vagaba por el mundo comiéndose a los hijos de otras personas. En la religión cristiana tenemos la figura de Raquel, quien llora por la muerte de sus hijos como representación del exilio del pueblo hebreo. La banshee de la mitología celta cuyos característicos chillidos marcaban el final de alguien. El pueblo yoruba tiene una leyenda sobre una mujer en forma de viento que llora por la muerte de sus hijos a manos del océano.
Leyenda "La Segua" Hace mas de doscientos años, en un pueblito de Cartago, vivía una hermosa mujer, la más bella del pueblo. Linda como una rosa, de curvas pronunciadas, hermosísimos bustos, piernas torneadas y una cara sin igual; sin embargo era la muchacha muy orgullosa y no guardaba la menor consideración por sus padres, a los que con frecuencia humillaba y desobedecía, pues se decía ser muy infeliz de ser pobre. Cuenta la leyenda que, un día, esta bellísima joven recibió una invitación de un acaudalado y buen mozo español para asistir a un baile, a lo cual su madre se opuso, pues el joven era reconocido por sus atributos de conquistador, “Don Juan” y poco formal con las muchachas. Ante la negativa de su mamá, la joven estalló en ira y blasfemó contra ella; llenó de improperios su humilde hogar mientras su madre la observaba y lloraba en silencio ante la actitud de su hija, pero a la joven no le bastó con insultar, sino que en un momento dado levanto su mano para abofetearla, pero no había levantado completamente aún su mano, cuando de la nada salio una mano negra, con grandes uñas y sostuvo la mano de la hija ingrata, entonces se escucho una voz estruendosa que dijo: “Te maldigo mala mujer, por ofender y pretender golpear a quien te dio la vida, desde hoy y para el resto de los siglos los hombres a ti se acercarán por tu hermoso cuerpo pero por tu espantoso rostro de ti correrán“ Así es como desde entonces la cegua se aparece de pronto en el camino pidiendo que a algún jinete la lleve en su caballo, argumentando que va al pueblo mas cercano; “no hay un hombre que se resista a tan hermoso cuerpo y dulce ruego”, pero una vez que sube en ancas al caballo su cara se transforma en la de una horrible bestia similar a la de un caballo relinchando. La cegua aparece también a aquellos hombres mujeriegos que andan a altas horas de la noche en la calle, ella se les aparece y con su dulzura le hace creer que es una nueva conquista pero en un momento dado muestra su rostro de caballo. Muchos dicen haber tenido encuentros con la Cegua y aún hoy se menciona que en cualquier carretera cuando vayas en tu auto y de noche, has de tener cuidado de quien te haga una parada, pues ella se subirá con todos sus encantos a tu auto, y cuando estés absorto con su belleza se convertirá en lo que es, la Cegua.
El Lobisón es el Hombre Lobo de Argentina. Si bien este personaje mítico existe desde tiempos inmemoriales en muchas culturas a lo largo del planeta, se dice que ya existía en esta zona de la Tierra antes de la llegada de los conquistadores. Es el séptimo hijo varón de una pareja, por lo que en este país suele suceder que al séptimo hijo varón lo apadrine el presidente o la presidenta de la República, para cortar el efecto maléfico del destino. La representación más frecuente del Lobisón es la de un perro negro y grande con orejas desproporcionadas que le caen sobre el rostro y con las que emite un fuerte ruido. Sus patas terminan en pezuñas como si fueran de cabra. A veces parece tener mezcla de cerdo o burro. A diferencia del Hombre Lobo europeo que aparece con la luna llena, el Lobisón se convierte a las doce de la noche de los viernes, que es día de las brujas también, y a veces también los martes. Antes de que esto ocurra, el hombre se aleja de los poblados y de la compañía de sus semejantes y se refugia en la oscuridad de los montes. A la hora señalada se quitará la ropa y dará tres vueltas sobre sí, de derecha a izquierda, mientras reza un credo al revés. Una vez hecha la metamorfosis, el Lobisón sale a hacer sus maldades durante toda la noche hasta el primer canto del gallo. Anda por los graneros, los gallineros, los chiqueros y los cobertizos en busca del excremento de los animales, que es su alimento más preciado. También andan por los cementerios revolviendo tumbas y buscando carroña. Los perros aúllan con fuerza durante esa noche como advirtiendo su presencia. De cuando en cuando se come algún niño no bautizado para equilibrar su dieta de porquerías. Claro que esta afirmación tiene la influencia del catolicismo que llegó hasta este lugar del mundo de la mano de los conquistadores. Por otra parte, para matar al monstruo hace falta dispararle con una bala bendita. Si esto pasa, el tirador encontrará al Lobisón con su forma humana y desnudo, nunca al animal. El hombre que es Lobisón suele ser flaco, desgarbado, huraño y antipático. Su piel tiene tonalidad amarillenta y no es raro que desprenda un olor rancio que en algunos casos llega a ser nauseabundo. Es descuidado en el vestir y francamente intratable. Y un detalle más… Los sábados suele caer enfermo en cama a causa de todas las porquerías que comió el viernes a la noche. ¿Conoces a alguien que cumpla con estas características?.
“Vivir como Carmelina” La muy popular frase “Vivir como Carmelina”, nació en la ciudad matancera de Cárdenas, en el extremo occidental cubano, y se atribuye a la nieta mimada de José Arechabala Aldama, natural de Vizcaya, España, propietario de un poderoso emporio industrial y acreedor de una de las fortunas más grandes de la isla. El refrán conocido en toda Cuba, está relacionadas con la vida holgada y opulenta de la joven, que organizaba grandiosas fiestas y disfrutaba a sus anchas con un mundo de riquezas a sus pies, gracias al próspero negocio de su abuelo, dedicado desde 1878 a la producción de aguardiente y ron. Carmelina era la nieta consentida de José Arechabala Aldama un vasco aplatanado en Cuba y propietario de un poderoso emporio industrial incluido el ron Havana Club fundado en 1935, una de las fortunas mayores de la isla. Nació Carmelina en la ciudad matancera de Cárdenas. La consentida Carmelina y la familia en general, disfrutaban de las comodidades y lujos que les brindaba las fortuna del abuelo, los cardenenses, comentaban que la muchacha era algo así como una princesa envuelta en trajes de seda, contando con dos señoriales casas una en la ciudad y la solariega en las afueras de la misma. Ella era el símbolo de la abundancia y su forma de vida, el sueño del ciudadano común de las décadas del 40 y el 50, pero los cardenenses coinciden en presentar a Carmelina como una mujer simpática y mesurada. Una amiga confesó de manera categórica a un periodista, que la susodicha era una persona amable, generosa, sencilla, y muy bonita. La identidad y origen de la expresión es cuestionable, pero lo cierto es, que la frase: “Vivir como Carmelina”, forma parte del rico refranero popular cubano, el cual está ligado a nuestras costumbres, tradiciones y herencia cultural. De ahora en adelante cuando digas la frase, pensarás en una linda y consentida heredera de Cárdenas que vivió rodeada de lujos y comodidades. En Madrid contrajo matrimonio con el cardenense Dr. Miguel Ángel Arechabala y Torrontegui, hijo de Ramón Arechabala y Saínz (sobrino del fundador Don José) y Catalina Torrontegui y Garteiz, graduado de abogado en la Universidad de la Habana en 1925. Ambos como podemos ver estaban lejanamente emparentados. Pasando el tiempo su esposo llegó a ser director de la Compañía, cargo que desempeñó con acierto y humildad hasta que el 21 de septiembre de 1946, a los 42 años, falleció de un inesperado infarto cardíaco mientras se encontraba en su residencia de descanso en la playa de Varadero. No fue Carmelina Arechabala una mujer de vida muelle, opulenta o inútil. Su continua presencia en las actividades de la fábrica, la familia que formó tras la temprana pérdida de su esposo, la sencilla y elegante forma en que vestía, las reseñas que hemos visto sobre las actividades sociales y de caridad en que participaba, etc., nos la presentan como una más de las tantas damas de la burguesía cubana que fueron ejemplo de abnegación y buen gusto.
Antonio María Romeu Pianista, compositor y director de orquesta de baile Datos generales Nombre real: Antonio María Romeu Marrero Fecha de nacimiento: 11 de septiembre de 1876 municipio Jibacoa, provincia de La Habana, capitanía de Cuba, Fecha de fallecimiento: 18 de enero de 1955 (78 años) ciudad de La Habana, Ocupación: músico Información artística Otros nombres: El Mago de las Teclas Antonio María Romeu Marrero (Jibacoa, 11 de septiembre de 1876 - La Habana, 18 de enero de 1955). Maestro de los danzoneros, iniciador de las charangas francesas y promotor incansable de la música cubana. No sólo fue un pianista singular, sino también un destacado compositor, como lo demuestra en el tratamiento de las fórmulas pianísticas de variaciones que hizo en Tres lindas cubanas. A los ocho años de edad comenzó sus primeros estudios musicales con el sacerdote Joaquín Mariano Martínez, quien además de impartirle solfeo y teoría, le facilitaba que estudiara en el armonium de la iglesia de Jibacoa. A los diez, cuando casi autodidácticamente había aprendido el piano, comenzó a tocar en bailes; el 5 de agosto de 1887 debutó como pianista en el Casino Español de Aguacate, donde ejecutó por primera vez un danzón: Cariño, no hay mejor café que el de Puerto Rico. El 22 de enero de 1889 comenzó a trabajar en el café La Diana acompañado de un güiro, allí compuso su primer danzón: Ten Dollars o Ten Days. Fue el creador de la orquesta llamada "charanga francesa", al introducir el piano en la agrupación danzonera de Leopoldo Cervantes, integrada por este como director y flauta; Ramón Cervantes, violín; Avelino Ceballos, contrabajo; José de los Reyes, güiro y Remigio Valdés, timbal. Antonio María Romeu Presentaciones En el café Manzanares en 1904 se incorporó a la charanga de Tata Alfonso, en la que permaneció hasta 1910; en 1909 estrenó su danzón El barbero de Sevilla, en el que utilizaba temas de la obra homónima de Rossini. Entre 1910-1920 formó su propia orquesta. Con ella ganó enorme popularidad y realizó un mayor número de grabaciones de la época de tecnología acústica. Estaba integrada por Feliciano Facenda, violín; Alfredo Valdés Brito, flauta; Rafael Calazán, contrabajo; Remigio Valdés, timbal y Félix Vázquez, güiro. Por la calidad de sus obras, las mismas fueron objeto de atención de compositores como Darius Milhaud, quien entre 1920 y 1921 compuso Saudades do Brasil, en la que utilizó temas del danzón de Romeu Ojos triunfadores, y Amadeo Roldán. Fue uno de los miembros al fundarse la Sociedad Solidaria Musical de La Habana en 1922. En 1926 trabajó sobre fragmentos melódicos del ya famoso danzonero en la parte final de Fiesta negra de los Tres pequeños poemas. Al estrenarse en Matanzas en 1929 el danzonete Rompiendo la rutina compuso sus primeros danzonetes, en la interpretación vocal de los cuales se destacó Fernando Collazo y posteriormente Enrique García, quien en ocasiones hacía dúo con Collazo, voz prima. A partir de 1931, y por varios años, Romeu se presentó en el programa La Hora Múltiple, que se trasmitía por La Voz de las Antillas. En 1933 al fundarse la Unión Sindical de Música de Cuba, fue uno de sus organizadores. La radioemisora el Progreso Cubano lo contrató con su orquesta por varios años; a la vez se presentó como pianista solista en el programa La Hora Íntima y por sus actuaciones en este espacio comenzó a llamársele "El Mago de las Teclas". En 1937 Barbarito Diez se incorporó como cantante a la orquesta de Romeu. El 10 de abril de 1939 se estrenó el filme Estampas habaneras, donde Romeu interpretó Tres lindas cubanas, primer danzón donde se toca un solo de piano. Esta pieza, elaborada sobre un viejo son, es su composición más conocida. La radioemisora RHC Cadena Azul lo contrató junto con su orquesta, que entonces se llamara "orquesta gigante", pues a los instrumentos propios de la charanga francesa, le agregó trompeta, trombón de pistones y clarinete. Viajó por Estados Unidos, donde amenizó fiestas cubanas y grabó numerosos discos. Es considerado como el mejor danzonero que haya escrito para la flauta de madera de cinco llaves, pues sus danzones con solos de flauta se consideran un tratado de interpretación y ejecución para dicho instrumento; dos brillantes flautistas integraron su orquesta: Alfredo Valdés Brito y Francisco Delabart (Flauta Mágica). Sobrenombre El sobrenombre de "El Mago de las Teclas" lo ganó por su maestría en el piano, ya que contribuyó a la consagración del danzón y compuso más de 500 temas, entre ellos Marcheta, Cinta azul, Jibacoa, El mago de las teclas y muchos más. Arregló para danzón numerosas canciones criollas, entre ellas Guarina de Garay, Me da miedo quererte de Villalón, Mares y arenas de Ruiz, Mercedes de Corona y Perla Marina de Garay. Anécdota En una fiesta en la sociedad Unión Fraternal no pudo escribir el danzón que estaba anunciado. Llegó el baile y en uno de los pasillos del edificio escribió dos partes de la pieza, le indicó a los músicos que la tocaran y a una señal que haría interrumpiesen la parte escrita que él seguía solo.
Guillermo Portabales Información personal Nombre de nacimiento José Guillermo Quesada Castillo Nacimiento 6 de abril de 1911 Ver y modificar los datos en Wikidata Rodas (Cuba) Ver y modificar los datos en Wikidata Fallecimiento 25 de octubre de 1970 (59 años) San Juan, Puerto Rico Nacionalidad Cubana Información profesional Ocupación Compositor, cantante, guitarrista Años activo 1928–1970 Seudónimo Guillermo Portabales Ver y modificar los datos en Wikidata Géneros Punto guajiro, bolero, son cubano Instrumento Guitarra y voz Ver y modificar los datos en Wikidata José Guillermo Quesada Castillo, más conocido como Guillermo Portabales (Rodas, Cuba, 6 de abril de 1911 - San Juan, Puerto Rico, 25 de octubre de 1970), fue un compositor y guitarrista cubano que popularizó entre los años treinta y sesenta la guajira, un estilo cubano de música campesina. Sus lánguidas, melancólicas y líricas guajiras, así como su estilo elegante de cantar lo hicieron popular en toda América Latina. Biografía A los once años, Portabales comenzó a trabajar como asistente en una imprenta en Cienfuegos. En 1928, hizo su debut en la estación de radio CMHI, y de ahí en adelante dividió su tiempo entre su trabajo como ayudante de impresor y su oficio de cantante. En sus comienzos, Portabales interpretaba diferentes estilos de canciones como tango, bolero y son, hasta que descubrió que sus oyentes disfrutaban más con sus guajiras. Fue refinando el estilo y lo denominó guajira de salón. De esta forma interpretó temas bucólicos de la vida del campesino cubano o guajiro, como se le llama. Portabales cantaba y tocaba guitarra, y se acompañaba de bajo, percusión y una guitarra, que hacia las veces de requinto. Su guajira resultaba una exquisita mezcla rítmica con elementos de bolero y son. Portabales va a Puerto Rico en 1937 y le gusta tanto que permanece por dos años, realizando presentaciones en radio, clubes y teatros. En 1939, se casa con la periodista puertorriqueña Arah Mina López, con la que retorna a Cuba ese mismo año. Por muchos años, Portabales realizó numerosas giras por Colombia, Venezuela, Ecuador, Perú, Panamá, Nueva York y Tampa. Ya en La Habana, Portabales realizó presentaciones en vivo con el Trío Matamoros. En 1953, finalmente se instaló en Puerto Rico, desde donde siguió grabando, realizando presentacioes y giras al exterior. El triunfo de la revolución cubana lo encuentra radicado desde años en Puerto Rico y, aunque realizó grabaciones en 1960 en Cuba, asumiría una postura crítica con el régimen revolucionario expresada en términos discretamente poéticos. Portabales murió trágicamente en San Juan, Puerto Rico, el 25 de octubre de 1970, a consecuencia de un accidente automovilístico. Grabaciones Sus primeras grabaciones se encuentran reeditadas en el disco compacto Guillermo Portabales. El creador de la guajira de salón 1937-1943. Al vaivén de mi carreta (Tumbao TCD 084). También existe la grabación Guillermo Portabales. El carretero (World Circuit WCD 023), donde se incluye material de tres diferentes sesiones en los años sesenta. Estilo y legado Su repertorio, en un principio muy amplio, más tarde se especializó en lamentos y guajira-son unidos con un poco de guaracha. Con su forma dulce de interpretación creó el género guajira de salón. Su estilo fue un reflejo del lado español del criollo en contraste con otros trovadores cubanos del siglo XX. Su música viene directamente de la tradición de los viejos campesinos de origen hispano, los guajiros. Aunque como compositor no tuvo la trascendencia de su coterráneo Ñico Saquito, las composiciones de Portabales presentan una excelente calidad y siguen siendo populares hoy día. Cuatro de sus más notables canciones son: "El carretero", "Nostalgia guajira", "Cuando salí de Cuba" y "Cumbiamba". Su voz y su técnica como guitarrista se perfeccionaron sustancialmente con el paso de los años. La calidad de su voz, su pureza y sutil evocación de emociones así como su calidad instrumental fueron una influencia importante en la nueva generación de músicos.
Violines de Pego. Lorenzo Pego fue un pianista, organista, acordeonista, director, compositor. nacido en 1905 Desde 1926 estaba dirigiendo orquestas y en 1926 ya era figura importante con su grupo “Pego y sus Diplomáticos”. Los Diplomáticos se crearon en 1930, tocando música americana y uno de los miembros era Germán Lebatard, que después fuera parte de la orquesta de los Hnos. Lebatard, y su director. Los Diplomáticos se componían de mandolina, trombón, cornetín, clarinete, saxo, violín, batería y piano. Más tarde con la orquesta Rio de la Plata tuvo éxito a través del circuito radial CMQ. Para la decada del ‟50 con su orquesta Violines de Pego se institucionaliza en el Starlight Terrace de Casino Parisién; al fin y al cabo Pego había sido sin saberlo, un precursor del sonido Mood music o Música ambiental que triunfaría en esa década. Su orquesta grababa lp‟s que eran éxito tras éxito. Su hijo Lorenzo Pego Jr. formaba parte de la orquesta. Después de 1960, los Pego continuaron su carrera fuera de Cuba. La revista Réplica reportaba en abril 14 de 1982 la muerte de Lorenzo Pego en Nueva York, que no sabemos si era el padre o el hijo
A años de su muerte, el 3 de noviembre de 2006, el director de orquesta francés, Paul Mauriat, no es olvidado por sus admiradores y como muestra es la aparición reciente en Internet de un video suyo de la interpretación del tema 'Bésame mucho', de la mexicana Consuelito Velázquez. De acuerdo con un texto de ayer del 'Jornal do Brasil', el video que se puede apreciar en la liga www.ex-vermelho1.blogspot.com, procede de una grabación hecha por la orquesta de Muriat en 1976. El músico galo también permanece en el recuerdo sus seguidores, quienes no olvidan sus grandes álbumes, como 'L´amour est bleu' y 'Last tango in Paris', entre otros, como lo evidencia el 'blog' de la red de redes 'Vinilo y vinilos'. A través de este espacio, además de escuchar algunas piezas del músico nacido en Marsella, Francia, también se puede disfrutar de los logros, anécdotas y biografía de Paul Muriat. Paul Mauriat nació el 4 de marzo de 1925, comenzó sus estudios musicales a la edad de cuatro años, en el conservatorio de la localidad, y 10 años más tarde pudo culminarlos obteniendo el primer lugar de su generación, lo que le valió a obtener su propia orquesta, un año después. El director que realizó una inmensa cantidad de arreglos para todo tipo de músicos, en especial del género popular, se dio a conocer con el éxito logrado por la grabación de "El amor es triste" (L´amour es bleu), del compositor francés André Popp, con el que consiguió el primer lugar en las listas de estados Unidos en 1968. Tras formar su propia banda durante la Segunda Guerra Mundial (1939-45), en 1950 se convirtió en director musical de por lo menos dos conocidos cantantes franceses: Charles Aznavour y Maurice Chevalier, a quienes acompañó en diversas giras. Además, dos de sus composiciones fueron éxitos en todo el mundo: "I will follow him" y "Mon Credo", interpretado por la famosa cantante francesa Mireille Mathieu, para quien significó el lanzamiento a su exitosa carrera como intérprete en Europa y resto del mundo. En 1958 grabó su primer EP, previo a firmar un contrato con la compañía Bel-Air, y siete años después inició una relación comercial con el sello Philips, en donde realizó la mayor parte de sus grabaciones durante casi 30 años. También, la Gran Orquesta de Paul Mauriat ha sido la única a la que se le ha editado la mayor cantidad de títulos o volúmenes, en todo el mundo, en diferentes formatos, como LP, CD, Laser disc, VHS y DVD, entre otros. Cumplidos los 75 años, Mauriat tomó la decisión de encargar la dirección de su orquesta a uno de sus músicos, Gilles Gambus, luego de declarar en una entrevista que tenía un mal incurable: el perfeccionismo, por lo que ya no se sentía en condiciones para seguir entregando obras de la misma manera en que lo había hecho antes. Durante su último concierto, en Japón, en 1998, titulado 'Sayonara Concert', interpretó algunos de sus grandes éxitos, como 'Space race', 'Invitation to the dance', 'Caravan', 'Dolls and dreams', 'Toccata' y 'Penelope', entre otros. Finalmente, a la edad de 81 años, la vida del compositor y director de orquesta francés llegó a su fin, el 3 de noviembre de 2006, en Perpignan, Francia.
Fernando Arbex Fernando Arbex (1941 - 2003), batería del grupo Los Brincos. Biografía Nace el 18 de mayo de 1941 en Madrid. A los 16 años empieza a tocar la batería en el grupo Los Estudiantes. Más tarde participa en el grupo Los Brincos que le dieron sus mejores éxitos en la década de los 60, compartiendo protagonismo con Juan Pardo y Antonio Morales (más conocido como Junior). Tras la separación de estos para formar el dúo Juan y Junior, mantiene el grupo bajo su fuerte liderazgo y obtiene importantes éxitos, editando diversos singles y dos LP más. En 1968 tiene un pequeño papel en la película Días de viejo color, de Pedro Olea. En 1970 tras disolver el grupo forma el grupo Alacrán, y posteriormente Barrabás. Con letras en inglés y a medio camino entre el funk y un incipiente rock latino, Barrabás tuvo éxito y entró en las listas de música negra estadounidense. Arbex produjo a artistas tan dispares como José Feliciano, Rita Pavone, Harry Belafonte, Nana Mouskouri, Camilo Sesto, Aviador Dro y Emilio Aragón. También fue compositor de algunos de los mayores éxitos de Miguel Bosé, Micky, Marisol, Tony Ronald y Middle of the Road. También grabó la obra sinfónica para ballet El caballero del arco iris, el musical La maja de Goya y la cantata Terrasanta. A los 30 años de su primera separación, en el verano del 2000, un concierto de Los Brincos en La Coruña (junto con Miguel Morales como únicos miembros históricos) atrajo a 40.000 personas. Después, grabaron un disco con canciones nuevas, Eterna juventud, y anunciaron una gira de conciertos. Fallece el 5 de julio de 2003 a la edad de 62 años después de una larga enfermedad. Filmografía como compositor Éste es mi barrio, de José Antonio Escrivá(1996) Cristina Guzmán, de Luis César Amadori (1968) Las 4 bodas de Marisol, de Luis Lucia Mingarro (1967) Más bonita que ninguna, de Luis César Amadori (1965) Zampo y yo, de Luis Lucia Mingarro (1965)
Bebu Silvetti (27 de marzo de 1944 – 5 de julio de 2003) fue un pianista, compositor, arreglista y productor argentino. Su éxito más grande fue Lluvia de primavera, en 1977. Compuso más de 600 temas, unos 200 comerciales para televisión y radio, y música original para telenovelas, películas y home vídeos. Contenido Biografía Bebu nació en Quilmes, provincia de Buenos Aires. A la edad de 6 años sus padres lo enviaron con un profesor de piano. En 1965, a los 21 años, se fue a España. Trabajó años como pianista en algunos de los clubes de jazz más populares del tiempo. Más adelante, Bebu y su grupo fueron contratados para actuar a bordo del crucero Cabo San Roque. Después de viajar por todo el mundo durante un año decidió afincarse en México a principios de los años '70. Ahí inició su carrera como compositor, arreglista y productor para otros artistas. En 1976, salió su primer disco de larga duración El mundo sin palabras bajo la producción de Rafael Trabucchelli del sello Hispavox. En la época donde inició sus exitos, pudo adaptar gran parte de su música al género Disco, sumó adeptos y compuso, algunas como el arreglista para The Salsoul Orchestra y otras composiciones junto a su conjunto musical, con quienes sacaron temas como Voyage of No Return, Velvet Hands, Spring Rain, entre otros que formarian parte de la historia de la Música disco; género al que, en cierto modo, Silvetti dio elegancia y un toque de distinción, tal y como hacían algunos artistas en los '60 con géneros de la epoca. Fue en 1977 cuando el single Spring Rain (lluvia de primavera) se convirtió en éxito mundial, se mantuvo en todas las listas de popularidad estadounidense por más de 15 semanas consecutivas. Bebu fue muy innovador al introducir el sistema Dolby de supresión de ruido de fondo, interesante para la época. En 1978, (con 34 años) sacó su disco Concert from the stars, donde tocó sintetizador. En 1980, grabó el disco En México donde tocó su sintetizador mezclado con el sonido del mariachi, muy innovador. En este disco incluyó el tema del programa de TV mexicano "Noche a Noche", conducido por la señora del buen decir Talina Fernández. Sus temas para telenovelas en México fueron Dulce amor de la novela Gabriel y Gabriela (1982), Vanessa (también de 1982) e Imperio de cristal, de 1994, año en que compuso y dirigió la Orquesta de la Teletón Chilena. El Himno de dicha ocasión, se tituló "Hay un Niño que llama a tu corazón", interpretado por Myriam Hernández y un Coro de Niños de diferentes Colegios. Silvetti decayó mucho tras la muerte de su esposa, la compositora hispano-francesa Silvia Riera, en octubre de 2002. Tras sufrir complicaciones por un cáncer de pulmón, Bebu murió a los 59 años en donde residió los últimos 17: Miami (EE.UU.)(tenía ciudadanía norteamericana). Premios Clío Award a 2 comerciales para televisión y radio. Grammy latino póstumo por mejor productor del 2003, Tributo póstumo como mejor productor del año en premios Lo Nuestro (2004). Estos dos últimos cuando Bebu ya no estaba en vida. Discografía Mundo sin palabras (1976) Super Disco Sound (1976) Lluvia de primavera (1977) Concert From The Stars (1978) I Love You (1980) En México (1980) Soñando (1982) Sinfonía de los espejos (1984) Íntimos (con Armando Manzanero, 1997) Mis momentos (1998) Eastern Winds (2000) Autumn In Vienna (2000) Smooth Brazilian Jazz (2000) Adiós al amigo (2003). Colaboraciones Durante su larga y prolifera carrera fue arreglista y productor para artistas como: Andrea del Boca Paul Anka Daniel Barenboim y Milton Nascimento con quienes trabajó para el disco "Brazilian Rhapsody"; hizo los arreglos y se incluyó una pieza de Silvetti que da título al disco. Roberto Carlos Kjarkas (en su disco Proyecto Pacha) Vikki Carr Alberto Cortez Plácido Domingo (productor de los discos: "De mi alma latina I y II" "Cien años de mariachi" y "Quiereme mucho") Rocío Dúrcal La Mafia Dyango Juan Gabriel Engelbert Humperdinck Armando Manzanero Luis Miguel (fue productor del disco de boleros: Romance, y arreglista musical para el tercer disco de boleros Romances) Ricardo Montaner (arreglista y productor de los discos: "Con La London Metropolitan Orchestra", "Sueño repetido" y "Suma") José Luis Perales Raphael The Salsoul Orchestra de Vincent Montana Jr. Daniela Romo (productor de los discos: "Quiero Amanecer Con Alguien", "Amada Más Que Nunca", "De Mil Colores", "La Cita" y "Me Vuelves Loca". Paloma San Basilio Simone Marco Antonio Solís Tamara Álvaro Torres Guillermo Fernández Raul Di Blasio Yuri
EL AGENTE SECRETO, JOSEPH CONRAD [The Secret Agent]. Novela inglesa de Joseph Conrad (Teodor Józef Konrad Korzeniowski, 1857- 1924), publicada en 1907. Es la historia oscura y dramática de un agitador asalariado, espía de embajada, Adolfo Verloc, hombre indolente, de mentalidad mediocre, enamorado de su mujer, Winnie, que sólo se ha casado con él para asegurar una existencia tranquila a su hermano, un joven de inteligencia débil, algo distraído, incapaz de bastarse a sí mismo, por quien siente un profundo afecto, única luz de su existencia mediocre. Verloc se ve inesperadamente obligado a salir del círculo de su pereza, cuando el secretario de la embajada para la cual trabaja le amenaza con despedirle si no consigue provocar algún acto terrorista que promueva escándalo y la inmediata actividad represiva de la policía contra los revolucionarios. Estos revolucionarios son en realidad gentes muy tranquilas, que se contentan con propaganda incendiaria y meros proyectos. Sólo uno, el profesor, tiene cierta decisión trágica: animado por un odio fanático contra cualquier forma de legalidad, agencia a Verloc un explosivo cuando éste, tras de semanas llenas de angustiosa perplejidad, decide ejecutar personalmente el delito. Y se sirve del servicial e irresponsable cuñado para lanzar la máquina infernal contra el Instituto de Greenwich; pero en la tentativa el joven queda destrozado por la explosión. Winnie, al conocer la atroz verdad, mata de una puñalada al marido; acude después, buscando ayuda, junto a un antiguo compañero del marido, pero éste, preocupado por el temor de quedar ligado con semejante exaltada, la abandona en un tren, después de quitarle el dinero que su marido le había entregado el día de la tragedia. La desgraciada acaba por quitarse la vida, arrojándose, en una noche de niebla, desde un barco que atraviesa el canal de la Mancha. Dos temas alternan en la novela: el afecto fraternal de Winnie, representando en toda su profunda complejidad, y la fatalidad que trastorna a individuos hechos para la existencia más normal.
Nocturno: emblemático programa de la Radio cubana en sus 40 agostos Nocturno: emblemático programa de la Radio cubana en sus 40 agostos La música trasciende a su belleza, cuando más allá de los límites estéticos apoya el sentimiento, e integra el patrimonio emocional, junto a los sueños vividos en todos los tiempos. Las generaciones de cubanos y cubanas que vimos nacer al programa Nocturno, de la emisora nacional Radio Progreso (1), aún escuchamos este espacio con el beneplácito de recordar el amor adolescente en una época dorada del pentagrama melódico universal, la llamada “Década Prodigiosa” de los años sesenta del pasado siglo. En medio de su esplendor Nocturno surcó el éter por primera vez, un 6 de agosto de 1966, bajo los acordes del tema “La chica de la valija”, de Fausto Papetti. De sus dones y bendiciones… Desde entonces, el espacio salió al aire con la bendición de la popularidad y preferencia de la familia cubana. Entre sus dones recordamos la legión de personalidades de la radiodifusión que en estos 40 años de existencia han integrado su nómina de realización. Sus primeros creadores fueron: Rafael Suárez Yera (director), Pepe Gutiérrez (editor) y Julio Capote (locutor). Posteriormente trabajaron, Albertico Fernández (director), Pepito Ciérvides (edición) y Pastor Felipe (locución). Luego, una de las magistrales voces de la radiodifusión cubana, Juan Ramón González Ramos, Tatita, otorgó a Nocturno su impronta estilística. Corría el año 1975 cuando Emérito Martínez –prestigioso radialista cubano con un grueso currículo profesional- asume la dirección del programa que ha llegado a sus 40 años de vida con el reconocimiento de siempre entre su abundante audiencia y se dice fácil. Estos frutos, provocaron la entrevista en exclusiva para nuestro Portal. Nora Rodríguez Calzadilla: Cuando se escriba la historia del programa Nocturno, estará delimitada en la “Década Prodigiosa“. Concuerdas con esta afirmación? Emérito Martínez: Cuando nació el programa tenía otro formato. Recuerdo el año 1966, surgimiento de la balada, de la música pop, de nuevas generaciones de talentosos músicos - clásicos de la época- y en ese contexto Nocturno dio a conocer a esas estrellas de la música cubana e internacional. Prácticamente los Beatles comienzan en el año 1965, mientras que en otras latitudes se destacan otros baladistas y en medio de esa época, nacimos y con grandes voces de la locución cubana: Pastor Felipe, Ramón González Ramos, Fernando Alcorta, hasta nuestros días que contamos con la locución de Julio Alberto Casanova y Marlon Alarcón Santana. Son estelares voces, distintivas por su estilo de presentación. A ello añadir que el programa se ampara en la poesía, el amor, para dejar siempre un mensaje positivo y alentador al radioescucha. Han transcurrido cuarenta años y Nocturno mantiene toda su audiencia, ha incorporado nuevos estilos, novedosas estéticas musicales y textos, respetando siempre su perfil, su línea de mensaje poético, amalgamado con las letras de las canciones con sentido. Por eso continúa en la preferencia de los radioescuchas. Se mantiene la música de la llamada época prodigiosa, en el programa de los miércoles y ahora mismo por ejemplo, estamos editando el programa del domingo que denominamos “Selección de selecciones de Nocturno”, con el hit parade de las sonoridades actuales, tanto de Cuba como de otras latitudes. Nocturno sigue ese lenguaje, esa estilística y propósito, para que su audiencia disponga de 55 minutos de placentero esparcimiento. Esta es la obra de Nocturno en la Radio cubana, siempre ha estado latiendo al calor de la efemérides de nuestro pueblo y este año celebramos el aniversario 40 con nuestros oyentes, jóvenes como tú, jóvenes que cuatro décadas atrás eran niños y que ya tienen otros niños y éstos últimos, también escuchan Nocturno, en familia, junto a sus padres y abuelos. Es un programa que propicia armonía familiar, además de unir a muchas personas. Recuerda que cuando éramos aún más jóvenes, las personas se conocían a través del programa. Hoy lo escuchan con ese mismo ánimo. Así, algunos jóvenes que comienzan a enamorarse, perciben que sus sentimientos son respaldados por la música de este espacio radial, que ratifica su bregar en el éter y responsabilidad en la Radiodifusión del país en este cumpleaños
Tratado de Tordesillas A partir del comienzo de las exploraciones ultramarinas de Castilla y Portugal a mediados del siglo XV, se hizo necesario establecer acuerdos sobre el control de los territorios encontrados a fin de evitar conflictos. Algunos de esos antecedentes fueron: El Tratado de Alcáçovas (o Alcázobas), firmado en 1479, fue el antecedente directo del Tratado de Tordesillas. En este pacto, que ponía fin a la Guerra de Sucesión Castellana, se establecía el dominio de algunos sectores atlánticos como las Islas Azores y las Canarias y de la costa africana. Varias bulas papales que otorgaban a la corona de Castilla los territorios que había descubierto en sus exploraciones atlánticas. ¿Qué estableció el Tratado de Tordesillas? Algunas de las cláusulas que se establecieron en el Tratado de Tordesillas fueron: Se fijaba una línea divisoria de polo a polo que pasaría a 370 leguas al Oeste de las islas de Cabo Verde. Se otorgaba al reino de Castilla el dominio de todas las regiones al Oeste de esa línea y a Portugal, al Este. Se crearon unas comisiones integradas por portugueses y castellanos que debían establecer los puntos por donde pasaba la línea, conocida como el meridiano de Tordesillas. Ambos reinos se comprometían a respetar los términos del tratado. Se autorizaba a España a pasar por territorio bajo dominio de Portugal durante la navegación de regreso desde América hasta España. Límites de demarcación del Tratado de Tordesillas. Límites de demarcación del Tratado de Tordesillas. Consecuencias del Tratado de Tordesillas Las consecuencias del Tratado de Tordesillas fueros las siguientes: Puso fin a un largo conflicto por los territorios explorados por el reino de Castilla y Portugal. El acuerdo evitó que estas dos potencias entraran en guerra. Por primera vez en la historia, se estableció una frontera que dividía el mundo negando derechos a cualquier otra nación. Portugal exploró y conquistó territorios en América que, más adelante, pasarían a integrar el Imperio portugués. Si bien el Tratado logró resolver los conflictos inmediatos, con el avance de las expediciones y los nuevos descubrimientos quedaron áreas sin regular que fueron nueva fuente de conflicto, entre ellas, los territorios asiáticos conquistados por España y la región del Río de la Plata.
Benito Juárez García (21 marzo 1806-18 julio 1872) Nació en San Pablo Guelatao, Oaxaca. Hijo de padres indios zapotecas, se fue a Oaxaca a los trece años, cuando aún no hablaba castellano. Por poco tiempo fue cosechero de grana, pero encontró un protector en Don Antonio Salanueva, encuadernador y terciario de la Orden Franciscana. Con él y con el maestro Domingo González, aprendió a leer. Se matriculó en el Seminario de la Santa Cruz, donde estudió preparatoria; cursó latinidad, filosofía, y concluyó el bachillerato en 1827. Al año siguiente ingresó, sin la aprobación de su protector, al Instituto de Ciencias y Artes, donde se graduó de abogado en 1834, correspondiéndole ser el primer profesionista graduado en dicho Instituto. En 1831 fue regidor del Ayuntamiento de Oaxaca y en 1833, fue diputado local. En 1841 fue juez de lo civil y al ser derrocado de la Presidencia el Gral. Paredes Arrillaga, Juárez resultó electo diputado federal. Al volver a Oaxaca, Juárez ocupó por poco tiempo la gubernatura a la renuncia de José Simeón Artega. Al terminar el periodo en agosto de 1848, se presentó candidato al siguiente periodo y resultó electo. Procuró el equilibrio económico y ejecutó algunas obras públicas: caminos, reconstrucción del Palacio de Gobierno, fundación de escuelas normales; levantamiento de una carta geográfica y la formación del plano de la ciudad de Oaxaca; reorganizó la Guardia Nacional y dejó superávit en el tesoro. Terminó su mandato en 1852. Al volver Santa-Anna al poder, muchos liberales son desterrados, entre ellos Juárez, primero a Jalapa y luego a La Habana, tras una breve prisión en San Juan de Ulúa. De La Habana se le deportó a Nueva Orléans, donde desembarcó en octubre de 1853. Después, al caer Santa-Anna y llegar Juan Álvarez y Comonfort a la Presidencia, se le nombraó ministro de justicia (octubre - diciembre, 1855). En noviembre de 1855, se expide la ley sobre administración de justicia, llamada Ley Juárez, en la que son abolidos los fueros. Nombrado gobernador de Oaxaca, se hace cargo del gobierno el 10 de enero de 1856. Convocó a elecciones y fue designado nuevamente. Al expedirse la Constitución Federal de 1857, la promulgó. El 17 de diciembre se proclamó el Plan de Tacubaya; Juárez no se solidarizó con la nueva política de Comonfort y fue aprehendido. Fue liberado en enero de 1858 y salió de la capital. En julio de 1859 expidió, con el apoyo del grupo radical, las llamadas Leyes de Reforma: independencia del Estado respecto de la Iglesia; ley sobre matrimonio civil, sobre el Registro Civil, la de Panteones y Cementerios, paso de los bienes de la Iglesia a la nación. González Ortega, civil improvisado general, llevó al triunfo a las armas liberales y entró a la ciudad de México a fines de diciembre de 1860. Mientras, Juárez había prorrogado su mandato en el Gobierno. Convocó a elecciones y resultó designado para seguir en el mando. La justa suspensión de pagos que ordenó respecto de la deuda extranjera, provocó la expedición de Inglaterra, Francia y España a Veracruz. Al final, Francia quedó sola y en 1862 se inició la Intervención. El ejército francés fue detenido en Puebla por Zaragoza, el 5 de mayo de 1862, pero en 1863, a pesar de la heroica defensa de González Ortega, la ciudad cayó tras tres meses de asedio. El 31 de mayo Juárez dejó la ciudad de México, encarnando en el éxodo la soberanía de México. El ejército francés se retiró por la situación europea y se inició la restauración de la República. Juárez fue reelecto Presidente nuevamente y tomó posesión el 25 de diciembre de 1867. Tuvo que sofocar rebeliones en México y en Yucatán, y en 1871 se rebeló Porfirio Díaz. Cuando la rebelión iba declinando, murió Don Benito Juárez, el 18 de julio de 1872, en el Palacio Nacional. Acuñó la frase: El respeto al derecho ajeno, es la paz.
Una vida dedicada a la causa de la justicia “El doctor Martin Luther King fue uno de los gigantes morales del siglo XX. Dedicó su vida a la causa de la igualdad, la justicia y el cambio social sin violencia. Décadas después de su muerte sigue inspirando a toda la gente del mundo que lucha por los derechos y la dignidad humana frente a la opresión, la discriminación y la injusticia”, dijo el Secretario General de la ONU, António Guterres, el 4 de abril de 2018, al cumplirse medio siglo del asesinato de este líder de los derechos civiles. Guterres afirmó que su convicción de justicia social y de las virtudes de la diversidad son hoy más relevantes que nunca. Martin Luther King se entregó a la causa de la igualdad y el respeto de los derechos humanos de la población negra de su país, de las personas más pobres y de todas las víctimas de injusticias. Su arma de combate fueron las protestas pacíficas, en las que pronunció discursos que siguen resonando en la actualidad. Una vez terminada la guerra y adoptada la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la lucha por estas garantías cobró efervescencia en el mundo. Para las décadas de los años 50 y 60, surgió y ganó fuerza en Estados Unidos el movimiento por los derechos civiles, con el que la población negra de ese país buscaba una igualdad de derechos ante las leyes nacionales. El movimiento contó con el apoyo de gran parte de la población blanca estadounidense. Aunque Estados Unidos había abolido la esclavitud desde la segunda mitad del siglo XIX con la Guerra Civil y a que numerosos afroamericanos habían combatido y perdido la vida en la Segunda Guerra Mundial, persistían la discriminación y el racismo, especialmente en el sur del país. El líder más notable del movimiento por los derechos civiles fue Martin Luther King, ministro bautista y activista social, que luchó por esas garantías desde 1955 hasta que fue asesinado en 1968. Tengo un sueño, sueño que mis cuatro hijos vivan un día en una nación donde no sean juzgados por el color de su piel sino por su carácter. Su trabajo arduo le ganó un gran poder de convocatoria y le permitió liderar eventos históricos como la Marcha a Washington en agosto de 1963, a la que acudieron más de 250.000 personas y cuyo efecto se reflejó en la proclamación de las leyes de los Derechos Civiles y del Derecho al Voto, que garantizó el derecho al sufragio libre a todos los ciudadanos de Estados Unidos sin ninguna restricción discriminatoria. Hasta entonces, algunos estados basaban ese derecho en criterios raciales o de alfabetización. En esa ocasión, Martin Luther King dio su discurso más famoso “Tengo un sueño”, que trascendió fronteras y le valió un gran reconocimiento y respeto a nivel internacional. “Tengo un sueño, sueño que mis cuatro hijos vivan un día en una nación donde no sean juzgados por el color de su piel sino por su carácter. (…) sueño que un día en Alabama las niñas y los niños negros puedan tomarse de la mano con las niñas y los niños blancos como hermanas y hermanos”, dijo el luchador social en esa movilización en la capital estadounidense. Premio Nobel de la Paz Un año más tarde, en 1964, Martin Luther King recibió el Premio Nobel de la Paz, siendo el galardonado más joven hasta ese momento. Martin Luther King era un gran partidario de las Naciones Unidas como institución y como ideal. En un discurso pronunciado en 1968, pocos días antes de ser asesinado, afirmó que la existencia del género humano dependía de la no violencia y que la ONU era la instancia a la que había que respaldar para conseguir y garantizar la paz. “La alternativa al no desarme, a no suspender las pruebas nucleares, a no fortalecer las Naciones Unidas y de este modo desarmar al mundo entero, sería una civilización sumida en el abismo de la aniquilación y la transformación de nuestro hábitat en un infierno que ni Dante hubiera podido imaginar”, sostuvo. Martin Luther King y su esposa Coretta Scott King se reunieonr en la sede de la ONU con el secretario general adjunto para Asuntos Políticos, Ralph J. Bunche en 1950.ONU/Yutaka Nagata Martin Luther King y su esposa Coretta Scott King se reunieonr en la sede de la ONU con el secretario general adjunto para Asuntos Políticos, Ralph J. Bunche en 1950. Visitas a la sede de la ONU Martin Luther King visitó la ONU en 1964 con su esposa Coretta tras haber recibido el Premio Nobel de la Paz en diciembre de ese año. El entonces secretario general adjunto para Asuntos Políticos, Ralph J. Bunche, fue el encargado de recibirlo. Años más tarde, el 15 de abril de 1967, Martin Luther King regresó encabezando una delegación que presentó ante la ONU una protesta formal contra la guerra de Vietnam y el papel de Estados Unidos en ella. Al salir de esa reunión, frente al complejo de la ONU y ante una multitud de 125.000 personas opositoras a esa guerra, pronunció un discurso al respecto. Apenas un año después, el 4 de abril de 1968, Martin Luther King fue abatido a tiros cuando se encontraba en el balcón de un hotel en Memphis,
Rubén Darío, cuyo verdadero nombre era Félix Rubén García Sarmiento, nació el 18 de Enero de 1867 en Metapa, Nicaragua. Hijo de Manuel García Darío y Rosa Sarmiento Darío. Fue periodista y diplomático. Estudió con los Jesuitas en 1878 y escribió en 1879 sus primeros poemas. Poesías y artículos en prosa fue un trabajo que realizó en 1881 y nunca llegó a publicar. Suspende sus estudios y luego se emplea en la Biblioteca Nacional de Managua en 1885. En 1886 llegó a Valparaíso, tenía diecinueve años, allí realizó colaboraciones periodísticas en diarios de Valparaíso y Santiago. En 1888 aparecen sus Rimas y Azul. En Febrero del año siguiente parte a centroamérica pocos días después de haber enviado su primera colaboración al diario La Nación de Buenos Aires. En los años siguientes desempeña diversos cargos diplomáticos y publica en Madrid Cantos de vida y esperanza (1905) y El canto errante (1907). México, La Habana, París, Barcelona, son las escalas del viaje final de Darío. En Nueva York cae enfermo y se retira a una hacienda de Nicaragua. A las 10 de la noche del 6 de febrero de 1916 murió Darío a los 49 años de edad en León, la ciudad de su infancia. Frente a su distinguido cadáver de poeta desfilaron durante cinco días miles de personas. SUS OBRAS: Escribió prosa y poesía. Entre toda su producción se destacan tres obras que ayudan a comprender la evolución del Modernismo: Azul, Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza. Los raros, en prosa, y El Canto Errante son otras de sus obras. Azul (1888): fue su primera obra importante. Publicada en Valparaíso, está constituida por relatos breves y algunos poemas. Significó para su autor el reconocimiento en América y en España. Sus rasgos son: sensualidad, erotismo y musicalidad. En los sonetos que cierran la obra, Darío revela sus preferencias y su cosmopolitismo. Prosas profanas: fue publicado en Buenos Aires, en 1896. Las variaciones temáticas y las audacias métricas, son tantas que provocaron en América y en España grandes polémicas. Predomina el tema erótico, envuelto en un arte cromático y perfecto. Cantos de vida y esperanza (1903): Los temas del libro son, entre otros: el paso del tiempo, la misión del poeta, la búsqueda de la fe, la preocupación por el futuro de América, etc. El libro termina con una expresión de temor y duda sobre el misterio de la vida. De contenido diferente, este volumen presenta el mismo cuidado formal y la notable variedad de metros y riqueza de lenguaje que caracterizan al gran poeta.
La Niña de Guatemala fue María García Granados y Saborío quien era una dama de la alta sociedad, hija del general Miguel García Granados, cuya residencia era utilizada para realizar tertulias de artistas y literatos destacados. La verdadera historia de la Niña de Guatemala En el año 1877 el poeta cubano José Martí llegó a Guatemala y su asistencia a las tertulias en la residencia del general dieron como resultado que se enamorara de María. ADVERTISING José Martí solía manifestar una visión crítica con respecto a la inferiorización de que era objeto la mujer, por lo que centró su atención en las damas guatemaltecas y las describía de “andar indolente, de miradas castas, vestidas como las mujeres del pueblo, con las trenzas tendidas sobre el manto…”, por eso cuando conoció a María, una mujer con semejantes características aunque con un aire más cosmopolita, se enamoró inmediatamente. maria garcia granadosMaría García Granados y Saborío. (Foto: Geni.com) José Martí de 24 años y María García Granados de 17, coincidieron en lo que sentían mutuamente, sin embargo el amor nunca se pudo corresponder debido al compromiso de matrimonio de José Martí con otra mujer. Finalmente, el 10 de mayo de 1878, María García Granados y Saborío falleció, hecho que dio lugar a la creencia de que había muerto de amor al no soportar el dolor que le provocó el matrimonio de su amado, luego José Martí plasmó su tristeza en el poema IX de sus Versos Sencillos, más conocido como La Niña de Guatemala. boda de jose martiBoda de José Martí con Carmen Zayas. (Foto: Ogún Guerrero) Datos curiosos José Martí dejó entrever en el poema IX algo más que una muerte por tristeza, sugiere alegóricamente el suicidio de la niña en las líneas “Se entró de tarde en el río, la sacó muerta el doctor, dicen que murió de frío, yo sé que murió de amor.” Cuando José Martí regresó casado a Guatemala, María le escribió la siguiente nota: “Hace seis días que llegaste a Guatemala, y no has venido a verme. Yo no tengo resentimiento contigo, porque tú siempre me hablaste con sinceridad respecto a tu situación moral de compromiso de matrimonio. Te suplico que vengas pronto”. tumba de la niña de guatemalaPlaca conmemorativa a La Niña de Guatemala. (Foto: Revista Debate) En el año 2013, con motivo de celebrarse el aniversario número 160 del nacimiento de José Martí, la Embajada de Cuba en Guatemala ubicó la tumba de María García Granados en el Cementerio General y en un acto protocolario se develó una placa conmemorativa a la Niña de Guatemala. La tumba de María García Granados era una de las mas visitadas, especialmente por muchachas que pedían su ayuda en situaciones amorosas, además existe la leyenda de que cerca de esta tumba se aparece una dama con semblante triste que pide que se adorne con flores a la Niña de Guatemala.
El príncipe y el mendigo. Novela del escritor estaounidense Mark Twain, fue publicada por primera vez en Canadá en 1881 antes de ser publicada en los Estados Unidos en 1882. Es la primera novela histórica de Twain. Ambientada en 1537, cuenta la historia de dos niños de apariencia física idéntica: Tom Canty, un mendigo que vive con su padre cruel en Offal Court, Londres, y el príncipe Eduardo, hijo de Enrique VIII de Inglaterra. Sinopsis En 1537 en Londres nace un niño se llama Tom Canty su familia era pobre y no lo querían, Tom era pobre, un mendigo, otro niño nació el mismo día se llamaba Edward Tudor, y no era pobre. Era príncipe el hijo del rey, y su familia lo quería mucho, su padre era el rey Enrique VIII de Inglaterra. Las personas de Inglaterra querían mucho a Edward. El rey Enrique tenía dos hijas pero quería que un hijo que gobernase después de su muerte. Entonces su esposa, la reina Jane, tuvo un hijo pero murió en el parto. Aunque los ingleses estaban muy tristes por la pobre reina, estaban muy ilusionados por el príncipe. Desde hace mucho años habían esperado y deseado un hijo para su rey. Había música y bailes alegría y festejos en todos los sitios. Todos hablaban del príncipe pero nadie se interesaba por Tom. Argumento Pasados los años los niños se conocen e intercambian sus roles: Tom Canty toma el lugar de Eduardo en el palacio y Eduardo toma el lugar de Tom en su casa. Nadie cree a Eduardo cuando dice que él no es Tom, sino el verdadero príncipe. El padre de Tom lo maltrata y el príncipe escapa con ayuda de un noble caído en desgracia, Miles Hendon, pero se pierde entre una multitud de gente que estaba protestando por el rey. En el palacio nadie cree a Tom al decir que él no es realmente Eduardo y piensan que el príncipe se ha vuelto loco. Mientras tanto Enrique VIII fallece y por consiguiente se hacen los preparativos para la coronación. Billy y Bobby Mauch, caracterizados para el filme "El príncipe y el mendigo" Después de una serie de aventuras, Eduardo logra intercambiar su lugar con Tom, justo cuando éste estaba a punto de ser coronado. Tom está ansioso por quedarse en el trono pero los nobles se niegan a creer que el niño que se les aparece como un mendigo es el verdadero rey, hasta que les describe el sello real que había escondido antes de salir del palacio y que Tom había tomado por un abre nueces. Miles es recompensado con el título de duque y con el ordinario permiso de sentarse en presencia del rey, reservado sólo a la familia real. Tom recibe como agradecimiento por apoyar la reclamación del nuevo trono el título de «Protegido del Rey». Datos del autor Mark Twain, autor del libro Mark Twain Aventurero incansable, encontró en su propia vida la inspiración para sus obras literarias. Nació el 30 de noviembre de 1835 en Florida, Missouri. Su verdadero nombre es Samuel Langhorne Clemens. Escritor y humorista estadounidense que escribió bajo el pseudónimo de Mark Twain. Publicó la primera novela que le daría fama, Las aventuras de Tom Sawyer, en 1876 basada en su infancia a orillas del Mississippi. Antes había escrito una novela en colaboración con C. D. Warner, La edad dorada (1873), considerada bastante mediocre. Su talento literario se desplegó plenamente con Las aventuras de Huckleberry Finn (1882), obra ambientada también a orillas del Mississipi, aunque no tan autobiográfica como Tom Sawyer, y que es, sin duda, su obra maestra, e incluso una de las más destacadas de la literatura estadounidense, por la que ha sido considerado el Dickens norteamericano. Cabe destacar también Vida en el Mississippi (1883), obra que, más que una novela, es una espléndida evocación del Sur, no exenta de crítica, a raíz de su trabajo como piloto.
CLAVELITO – El programa de radio cubano más escuchado de todos los tiempos. Miguel Alfonso Pozo nació el 29 de septiembre de 1908, en la ciudad de Ranchuelo, provincia de Las Villas. De su abuelo, José Clavelo heredó su nombre artístico “Clavelito”. Durante su juventud fue vendedor callejero, voceando frutas y pollos. Su talento poético es nato, por eso llegó a ser uno de los mejores repentistas (improvisadores de la música campesina) de toda Cuba. Sus conocimientos generales los adquirió leyendo mucho cada vez que podía, por eso además de cantar música guajira, compuso canciones en diferentes géneros de la música cubana y escribió libros de poemas y dos de consejos u orientaciones siquiátricas, siempre tratando de ayudar a sus semejantes. Comenzó su vida artística en la emisora de radio CMHI de la ciudad de Santa Clara, formando el dúo Mariano-Clavel con un programa de punto guajiro. Más tarde el desaparecido Amado Trinidad, le dio la oportunidad de redactar las décimas de “Pepe Cortes”, el bandolero romántico, que escribiera Aramis del Real, para Cadena Azul. El también desaparecido Miguel Gabriel, lo manda a buscar a cualquier precio y se traslada a la C.M.Q. de Monte y Prado, en la que actúa por espacio de trece años. Su éxito comienza cuando debuta en el programa “El Rincón Campesino”, que pasó a ser “El Rincón Criollo” con Coralia Fernández y Nena Cruz “La Calandria”. Gaspar Pumarejo, cuando adquiere “Unión Radio”, lo traslada con un sueldo de seiscientos pesos mensuales. En Unión Radio, inicio el programa “Controversias de la pelota”, entre Habana y Almendares, con Coralia Fernández. Tiempos después, la Emisora Unión Radio, fue vendida a Ángel Cambo y este le dio la facultades a “Clavelito” para aparte de actuar produjera el tipo de programa que quisiera. Así tiene la oportunidad de producir su propio programa nombrado “Aquí está Clavelito”, que comenzaba con un laud y claves tocando una tonada campesina en la que el propio Clavelito cantaba la décima famosa de “Pon tu pensamiento en mí…”. REPORT THIS AD PON TU PENSAMIENTO EN MI Y VERAS QUE EN ESTE MOMENTO MI FUERZA DE PENSAMIENTO EJERZA EL BIEN SOBRE TI Después leía las cartas que le escribían los oyentes a los que aconsejaba mediante sus improvisaciones, pidiéndoles que antes pusieran un vaso de agua sobre el radioreceptor, y que se concentraran en la misma para que pudieran beneficiarse de sus poderes curativos. Para su sorpresa empezaron atribuirle milagros, porque lo mismo curaba a un desahuciado, armonizaba un hogar con problemas, daba los números de la lotería, buscaba un novio a la más fea, consolaba a cualquier afligido, etc. “El vaso de agua de Clavelito” se convierte en el programa más escuchado de la radio cubana de todos los tiempos. Mientras, las vitrolas no cesan de reproducir “El agua de Clavelito”, pieza interpretada por la Orquesta Aragón. Llegó a recibir más de 50,000 cartas en una semana. Su popularidad no fue soportada para la competencia, por lo que prepararon una denuncia de que incumplía con el código de ética radial y su programa fue cancelado el 5 de agosto de 1952. Mas en www.radiocentromiami.com TU RADIO EN INTERNET
Bill Robinson , apodado Bojangles (nacido como Luther Robinson ; 25 de mayo de 1878 - 25 de noviembre de 1949) fue un bailarín de claqué, actor y cantante estadounidense, el artista afroamericano más conocido y mejor pagado de Estados Unidos durante la primera mitad de la siglo 20. Su larga carrera reflejó cambios en los gustos y la tecnología del entretenimiento estadounidense. Su carrera comenzó en la era de los espectáculos de juglares y se trasladó al vodevil , el teatro de Broadway, la industria discográfica, las películas de Hollywood, la radio y la televisión. Según el crítico de danza Marshall Stearns , "la contribución de Robinson al claqué es exacta y específica. Lo puso de puntillas, bailando erguido y balanceándose", agregando una "ligereza y presencia hasta ahora desconocidas". Su rutina característica era el Stair Dance, en el que subía y bajaba las escaleras en una secuencia de pasos rítmicamente compleja, una rutina que intentó patentar sin éxito. También se le atribuye haber popularizado la palabra copacetic a través de su uso repetido en vodevil y apariciones en radio. Es mejor conocido hoy por su baile con Shirley Temple en una serie de películas durante la década de 1930, y por protagonizar el musical Stormy Weather (1943), basado libremente en su propia vida y seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine . Usó su popularidad para desafiar y superar numerosas barreras raciales, incluso convertirse en: uno de los primeros intérpretes de juglares y vodevil en aparecer como negro sin el uso de maquillaje de cara negra uno de los primeros artistas negros en actuar en solitario, superando la regla de dos colores del vodevil uno de los primeros artistas negros en espectáculos de Broadway el primer artista negro en aparecer en una película de Hollywood en un equipo de baile interracial (con Shirley Temple en The Little Colonel , 1935) el primer artista negro en encabezar una producción de Broadway de raza mixta Robinson fue objeto de fuertes críticas por su aparente aceptación tácita de los estereotipos raciales de la época, y algunos críticos lo llamaron tío Tom . Le molestaba mucho esto, y sus biógrafos sugirieron que los críticos subestimaban las dificultades que enfrentaban los artistas negros que se relacionaban con la cultura blanca dominante en ese momento, e ignoraban sus muchos esfuerzos por superar los prejuicios raciales. En su vida pública, Robinson lideró los esfuerzos para: persuadir al Departamento de Policía de Dallas para que contrate a su primer policía negro presionar al presidente Franklin Delano Roosevelt durante la Segunda Guerra Mundial para un trato más equitativo de los soldados negros organizar el primer evento público integrado en Miami , una recaudación de fondos a la que asistieron residentes de la ciudad tanto negros como blancos Robinson fue una figura popular en el mundo del entretenimiento en blanco y negro de su época, y es recordado por el apoyo que brindó a sus compañeros artistas, incluidos Fred Astaire , Lena Horne , Jesse Owens y los Nicholas Brothers . Sammy Davis Jr. y Ann Miller lo acreditaron como maestro y mentor, y Miller dijo que "cambió el curso de mi vida". Gregory Hines produjo y protagonizó una película biográfica sobre Robinson por la que ganó el premio NAACP al mejor actor . A pesar de ser el artista negro mejor pagado de la época, Robinson murió sin un centavo en 1949, su funeral pagado por su viejo amigo Ed Sullivan . En 1989, el Congreso designó el cumpleaños de Robinson el 25 de mayo como el Día Nacional del Tap Dance . Bill Robinson - https://es.qaz.wiki/wiki/Bill_Robinson
Rosa Parks (Rosa Louise Parks; Tuskegee, Alabama, 1913 - Detroit, Michigan, 2005) Defensora de los derechos civiles estadounidense. Hija de un carpintero y de una maestra, Rosa Louise McCauley (tal era su nombre de soltera) cursó estudios en la escuela industrial Montgomery Industrial School for Girls y en el colegio para maestros Alabama State Teachers College. Finalizados sus estudios, Rosa se casó con Raymond Parks. Rosa Parks El matrimonio vivía en una época en que la segregación, o sea la separación de las personas por motivos raciales o religiosos, predominaba todavía en la mayor parte de los estados del sur. Decidida a combatir el segregacionismo, Rosa Parks se convirtió en 1949 en asesora de una asociación para promover el bienestar de los negros, la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP). En 1955 tuvo lugar el incidente que la haría mundialmente famosa; pocas veces un acto tan nimio ha tenido tan importantes consecuencias, en este caso, en el terreno de la lucha por la igualdad de derechos en Norteamérica. Rosa Parks, un humilde modista negra, se negaba a ceder su asiento en el autobús a un viajero blanco. El conductor llamó a la policía y la mujer fue detenida y obligada a pagar una multa de catorce dólares. El hecho puso de manifiesto una vez más las condiciones de segregación a que estaban sometidas las gentes de color, que tenían prohibido el acceso a piscinas, escuelas, restaurantes y un gran número de servicios públicos exclusivos para los blancos. El incidente del autobús tuvo como primer efecto la creación de la Montgomery Improvement Association, cuya finalidad era la defensa de los derechos civiles de la minoría negra. Martin Luther King fue su presidente. La asociación organizó un boicot a los autobuses de Montgomery que tuvo un seguimiento masivo y fue un rotundo éxito: duró 382 días y contribuyó a que la causa de los afroamericanos de Montgomery fuese conocida en todo mundo. Como consecuencia de ello, el gobierno norteamericano se vio obligado a abolir la segregación en los transportes públicos. En 1957, Rosa y su marido se establecieron en Detroit, Michigan, donde prosiguió su actividad en la defensa de los derechos civiles. En 1965, Rosa Parks empezó a trabajar para el congresista John Conyers. Después del fallecimiento de su marido en 1977, fundó el instituto Rosa and Raymond Parks Institute for Self-Development, dedicado al desarrollo personal. Actualmente este centro patrocina el programa anual Pathways to Freedom (Camino a la Libertad), que organiza recorridos en autobús para adolescentes con el objeto de darles a conocer la reciente historia de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos. En 1989, Rosa Parks participó en la inauguración del monumento conmemorativo Civil Rights Memorial, en Montgomery, Alabama. En 1999 recibió de manos del presidente Bill Clinton la Medalla de Oro del Congreso. Todavía hoy la figura de Rosa Parks es considerada como una de las más importantes en la lucha por los derechos civiles.
Nocturno está conectado con la Década Prodigiosa, que fue el contexto socio-histórico que lo vio nacer, crecer y consolidarse. En ese espacio, se combina, con buen gusto «música de la buena», como la calificara el maestro Adolfo Guzmán, dramaturgia y poesía, percibida como manifestación escapada del alma de quien la escribe y la declama. De acuerdo con el discurrir del tiempo, el espacio fue transformándose y adaptándose a los nuevos tiempos, pero sin renunciar al estilo y la dinámica que lo distinguen desde hace cinco décadas, y le aportan, además, ese sello distintivo, único e irrepetible. El programa comunica, ya que establece una relación entre el ayer y el hoy, para que los radioyentes, de todas las edades y gustos, se sientan familiarizados con el mensaje musical y ético-humanista que Nocturno les hace llegar en cada emisión. Por otra parte, la selección de los números musicales se confecciona sobre la base de la correspondencia remitida a la emisora. Ese es, quizás, uno de los muchos secretos de que el espacio haya prevalecido -y prevalezca- en el gusto popular durante 50 años. Por último, los realizadores de Nocturno llegaron a la conclusión de que constituye un paradigma de programa musical que les obsequia hoy en radiocentro miami a los amantes del pentagrama sonoro caribeño y universal, porque en cada entrega irradia amor, energía positiva.
José Manuel Solís José Manuel Solís, "Meme" Los Meme: Farah María, José Manuel Solís, Miguel Ángel Piña y Héctor Tellez José Manuel Solís (también conocido como "Meme" o "Meme Solís"), es un cantante y músico cubano. Solís nació en Mayajigua, antigua provincia de Las Villas, Cuba. A los seis años comienza a estudiar música en el conservatorio Rita Chapú, de la ciudad de Santa Clara. En 1957 en Santa Clara se iba a inaugurar el teatro Cloris con el show "Cuba Canta y Baila", con Olga Guillot]y Fernando Albuerne. Al llegar el momento de la actuación, el pianista no llegaba, y para salvar la situación propusieron a Solís, quien con 14 años se sabía todo el repertorio de Guillot, La Reina del Bolero. El concierto fue todo un éxito, y Solís se fue a La Habana a buscar trabajo de pianista. Fernando Albuerne lo ayudó y lo introdujo en la sociedad habanera, mientras que el fundador de la televisión en Cuba, Gaspar Pumarejo, le dio el nombre artístico de "Meme", como lo llamaba una de sus hermanas. En 1958 llegó a acompañar a Elena Burke en el Casino del Habana Hilton, y grabó su disco LP La Burke canta. Al triunfar la revolución en enero de 1959, son cerrados los casinos, y Solís pasa a trabajar en el cabaret del Capri, donde acompañaba al cuarteto Las D'Aida. Cuarteto Los Meme Las D'Aida eran en ese momento el cuarteto más popular de Cuba, con su solista Moraima Secada. La cantante, de carácter difícil, pronto abandonó a Las D'Aida y convenció a Solís de formar un cuarteto nuevo. Solís organiza el nuevo "El Cuarteto de Meme Solís", formado también por Moraima Secada, Ernesto Marín y Wilfredo Riquelme. Éstos luego fueron sustituídos por Raúl Acosta y Bobby Jiménez. Por dos años Los Meme fueron la atracción del show "Caperucita se divierte", en el Hotel Capri, junto a Juana Bacallao. A pesar del éxito, Moraima Secada de nuevo abandona su grupo, para ser solista, y es sustituída por Farah María, quien no era cantante sino modelo del Capri. Solís cambia el repertorio y ensaya mucho, dando una nueva imagen del cuarteto, ahora renombrado como "Los Meme". En 1965 Bobby Jiménez deja el grupo y es sustituído por el joven talento [iguel Ángel Piña, y en 1966 Héctor Tellez toma el lugar de Riquelme. El nuevo cuarteto logra alcanzar los mayores índices de popularidad en Cuba en los sesenta, compartiendo junto a Bola de Nieve y Josephine Baker una larga temporada de teatro en el Garcia Lorca de La Habana. Los Meme se caracterizaban por que en él cada miembro alcanzaba su propia imagen como solista, sin dejar de ser parte de la propia imagen del grupo. El exilio Pero a fines de los sesenta se recrudece la lucha por la pureza ideológica en los medios cubanos. No se podía cantar con elementos supuestamente ajenos a la moral revolucionaria como el pelo largo, los pantalones campaña, las camisas de brillo o el cinto ancho. En 1968 se cerraron los cabarés y muchos artistas quedaron sin empleo. Meses después fueron reabiertos, pero Los Meme ya estaban en crisis. Poco antes habían sido amonestados por presentarse en el popular programa de televisión "Desfile de la Alegría" con trajes de vinyl negro y lanzarlos al público, como Raphael. Empresarios extranjeros, como el dueño del Olimpia de París los invita a actuar en sus países, pero les niegan la salida. Finalmente Meme no resiste más, y en diciembre de 1969 pide la salida de Cuba. Como consecuencia, Meme es retirado de toda vida pública, y su cuarteto fue disuelto. Los demás miembros del cuarteto Farah María, Héctor Téllez y Miguel Ángel Piña fueron obligados a repudiar la traición de su director en sendas declaraciones por radio y televisión. Por su lealtad, el Consejo Nacional de Cultura impulsaría la carrera de los tres como solistas. Años después los tres le pedirían perdón, y Solís las acepta, comprendiendo la presión a que fueron sometidos. Solís se ve obligado a adoptar la ciudadanía española de su padre. Así en 1987, 18 años después, logra salir de Cuba, gracias a la petición del entonces Presidente del Gobierno de España Felipe González, junto a un grupo de presos políticos. Meme se radica en Madrid, España y luego en Nueva York, reanudando su actividad artística, actuando también junto a otros famosos artistas del exilio cubano. En sus más de 50 años de carrera, ha compuesto alrededor de 300 obras, y ha grabado 15 discos.
ALFONSINA STORNI La poetisa del modernismo Alfonsina Storni, nació el 29 de mayo de 1892 en Capriasca, Suiza. Era la tercera hija de Alfonso Storni y Paulina Martignoni. Sus padres se habían mudado a Suiza en 1891, luego de ser dueños de una cervecería en San Juan, Argentina. Tenía dos hermanos mayores Romeo y María. A los cuatro años de edad, retorna con sus padres a San Juan, donde nace su hermano Hildo. Vivieron una mala situación económica, tomando la decisión de mudarse en 1901 a Rosario. Una vez allí, montaron un Café suizo donde Alfonsina trabajaba limpiando y atendiendo a los clientes. Su primer poema lo escribió a los 12 años y estaba inspirado en la muerte. Lo colocó debajo de la almohada de su madre, quien al leerlo le propinó varios capirotazos en la cabeza, explicándole que la vida es bella. Su padre era un hombre alcohólico y depresivo, quien murió en 1906. Para esa época, Storni no paraba de escribir poemas. Su madre se volvió a casar y se mudó a Butinza, donde daba clase de canto y música. ENTRE LA DOCENCIA Y LA POESÍA Alfonsina se fue a Coronda para estudiar en el Magisterio y comenzó a trabajar de vigilante en la escuela costear sus gastos. Al darse cuenta que lo que gana no le alcanza comienza a cantar como corista en un teatrillo en Rosario. Fue maestra en la Escuela Normal de Lenguas Vivas y en el Teatro Infantil Lavardén y como directora del internado de Marcos Paz. Participó en revistas famosas como Mundo Rosarino, Monos y Monadas, Caras y Caretas, Nosotros, La Nota y también en el periódico La Nación. Obtuvo varios premios literarios y compartió sus ideas literarias con grandes escritores. Las letras de Storni concurrieron entre dos etapas. La primera con aires modernitas donde relucen La quietud del rosal (1916), El dulce daño (1918), Languidez(1920), y Ocre(1920). La segunda etapa basada en un visión irónica, oscura y angustiosa, donde escribe Mundo de siete pozos (1934) y Mascarilla y trébol (1938). Incursionó en el Teatro de Cervantes con “El amo y el mundo” y “Dos farsas pirotécnicas”. Tuvo un hijo: Alejandro, quien nació el 21 de abril de 1912, cuyo padre era desconocido. FINALMENTE SE DEJÓ ABRAZAR POR EL MAR Alfonsina sufría de nervios, ataques de pánico y ansiedad. Fue diagnosticada con cáncer de mama en mayo de 1935, lo que empeoró su situación mental. Es sometida a tratamientos dolorosos y se convierte en una persona retraída y con mucho temor por la muerte. Storni consideraba el suicidio como una elección propia y en varias ocasiones sus pensamientos de muerte la llevaron a escribir poemas y hasta una canción llamada “Alfonsina y el mar”, la cual fue un presagio de su muerte. El 25 de octubre de 1938, encontraron su cuerpo sin vida en la playa La perla, en el Mar del Plata. Finalmente se dejó abrazar por el agua de ese mar profundo y ancho que tanto le fascinaba. Sus restos se encuentran en el Cementerio de la Chacarita, en Buenos Aires.
CAYO JULIO CÉSAR Julio Cesar nació en roma el 13 de julio del año 100 a.C. en una familia acomodada. A los 10 años de edad Marco Antonio Gnifón le enseñó materias como la literatura clásica y su lenguaje mejoró, así como su oratoria, importante para su futuro político. Su tía Julia casada con Cayo Mario, heroico plebeyo gracias a su destreza militar, logro involucrar en temas políticos a la familia. Julio acudiría a la ceremonia que sustituía sus vestiduras infantiles por las adultas a la edad de 15 años. Y para ese mismo año falleció su padre. Al poco tiempo se casa con Cornelia, la hija de uno de los máximos dirigentes logrando involucrarse totalmente en la vida política y enfrentarse a los corrompidos patricios. De esta unión nace su hija Julia. En el 82 a.C. huye a Asia y pasó a estar al servicio del propretor Termes, confiriéndole el grado de oficial y debido a sus victorias, Termes lo envía a la corte del rey de Bitinia, Nicomedes surgiendo una gran amistad entre ambos y tras la muerte de termes, esta pasa a ser una provincia romana. julio cesar SU REGRESO A ROMA En el 78 a.C. con la muerte de Sila, César regresa a Roma. Los seguidores de Sila dominaban el Senado. Decidiendo viajar a Rodas para formarse en oratoria y retórica. Con la muerte de su tío Aurelio Cota en el 74 a.C. ocupa la plaza vacante en el Colegio de Pontífices de Roma. Para el 68 a.C. es nombrado cuestor, y Tres años después fue nombrado edil curul. Presenta su candidatura al puesto tras la muerte del presidente del Colegio de Pontífices, y por su popularidad entre el pueblo, es nombrado pontifex maximus, pretor y propretor en Hispania Ulterior en el a.C. y posteriormente regresa a roma en el 60 a.C. Debido a su amigo Craso, logra formar con Pompeyo un triunvirato, sociedad de defensa reciproca, y por ello fue designado cónsul. El triunvirato se corroboró gracias al matrimonio entre Pompeyo y Julia (su hija). César se formó con todo el poder a la muerte de Craso en el 53 a.C. Julio César se reunió ante el Senado el 15 de marzo del 44 a.C. para debatir la batalla contra los partos (una de sus leyes), al sentarse ve que lo rodean y acto seguido es apuñalado, su hijo también era uno de los asesinos, cae sin vida con 23 puñaladas ante la estatua de Pompeyo.
Vuelo 19 «Te han informado mal sobre mí, estoy muy vivo». Georgie BASADA EN HECHOS REALES 5 de diciembre de 1945. La Segunda Guerra Mundial ha terminado y todos los soldados desean regresar a casa. Cinco aviones TBM Avenger despegan de la base de Fort Lauderdale para una sencilla misión de entrenamiento en el océano, pero tras una serie de dificultades y malas decisiones desaparecen sin dejar rastro. Al cabo de unas horas un avión del operativo de rescate, que ha salido en su búsqueda, tampoco regresa. Tras unos angustiosos días donde se articula un amplio dispositivo, todos los tripulantes del Vuelo 19 son dados por muertos. El día después de Navidad el hermano de uno de los desaparecidos recibe un telegrama: «Te han informado mal sobre mí, estoy muy vivo». ¿Hubo algún superviviente del Vuelo 19? ¿Qué sucedió con esas veintisiete personas y esos seis aviones? Con una ambientación recreada a la perfección, una escritura trepidante y una extensa labor de documentación a sus espaldas, José Antonio Ponseti hilvana una apasionante novela en la que ven la luz por primera vez muchos de los misterios que envolvieron el Vuelo 19. Una historia de aventuras, de huida, de esperanza, de amor, amistad y supervivencia.
Roberto Faz nació el 18 de septiembre de 1914 en el ultramarino pueblo de Regla, en la calle Calixto García 62 entre Céspedes y Agramonte. Su origen fue muy humilde y desempeñó diversas labores, entre ellas las de conductor de ómnibus y cantinero, a la vez que descargaba, guitarra en mano, por los bares de su pueblo; eran los días gloriosos de la explosión del son en la capital. Aunque también en la zona de Regla y Guanabacoa había un ambiente folclórico de toques y cantos de bembé de las potencias ñáñigas; unido a las rumbas y congas de comparsas que eran un plato fuerte en esta zona. El doctor Carlos González describe a Roberto Faz: "bajito, ojos color castaño, cabeza grande –le llamaban cariñosamente el cabezón-, mucho pelo, castaño claro y a menudo con bigote. No era grueso, ni delgado, aunque por su estatura daba la impresión de ser más bien envuelto. Tez blanca y sonrisa fácil. Le faltaba un dedo en la mano izquierda. Donde quiera que se presentara había lleno total, pues era muy querido por su pueblo". Vida artística Para ponerse a la moda de la época se integró en 1927 a un septeto infantil llamado Champán Sport, de Carlos Toledo, con el trompetista Félix Chapotín. "Yo le fui enseñando a Robertico –contaba Chapotín- los trucos de la música y el padre me servía un buen almuerzo todos los domingos". Después el Tropical y el de Ricardo Cabana, que organizaba su propio padre, un famoso cartero del pueblo. "Mi padre Pascual era como un representante mío –me dijo el sonero en una ocasión-, él metía cabeza donde quiera para que yo fuera cantante a toda costa y lo logró. Pero te digo que también aprendí a tocar todos los instrumentos de la percusión, esa era una de las distracciones de los jóvenes en aquellos tiempos". Ya en 1930 Robertico fue reclamado en diversos septetos como el Ultramar, que también estaba en manos de su padre y ya en 1932 se profesionalizó como cantante en un cabaret llamado Hit. Con ese entrenamiento llegó a cantar en la orquesta Habana, en 1938; en la Cosmopolita, y Los Hermanos Palau, en el aristocrático cabaret Sans Souccí, lo más grande del show en aquellos tiempos. En 1939 –cuando se creó Tropicana- llegó a ser artista exclusivo de la CMQ de Prado y Monte. Se presentó en 1941 en el cabaret del Hotel Nacional con la orquesta de Osvaldo Estivil, en la cual también cantó Tito Gómez. Y en 1944 se encontraba nada menos que con Alberto Ruiz en el conjunto Kubavana, que actuaba en el cabaret Zombie Club de Zulueta entre Trocadero y Ánimas, el antiguo Edén Concert. Robertico era un estilo que influyó a casi todos los boleristas en la manera de cantar: fluida, callejera y natural, y que seguirían Orlando Vallejo, Fernando Álvarez y muchos más. En ese mismo año de 1944 llegó para Roberto Faz la gran oportunidad de su vida: el conjunto Casino de Roberto Espí, con las voces de Rolito Reyes y Agustín Ribot; un ensemble que haría época en salones y sociedades cubanas. "En el Casino coloqué éxitos con boleros, guarachas y canciones de los filineros como Quiéreme y verás, y Realidad y fantasía, de Portillo de la Luz; A romper el coco, guaracha de Otilio Portal, y Que se corra la bola, guaracha de Alberto Ruiz. Con el Casino viajó a Estados Unidos y América Latina. En 1948 grabaron para la RCA Víctor; dominaron la radio y la televisión. Se mantuvieron un tiempo en la marquesina del Hotel Saratoga y en Radio Cadena Habana, la emisora musical de Cuba. Todo eso fue hasta el fin de año de 1955, en que el Casino tuvo cambios en su elenco. Roberto Faz organizó entonces su propio conjunto, con el cual debutó el 4 de febrero de 1956, durante un baile espectacular en el Liceo de Regla, con éxitos como Deuda de Luis Marquetti –apoyados por la Panart- que marcó un hito en el conjunto del reglano. En esa etapa viajaron a Cayo Hueso, Tampa y Panamá, mientras que en 1958 realizaron una gira por Centro y Sudamérica con un soberano éxito. Estuvieron una temporada en 1957 en el cabaret Alí Bar, donde ya el Benny Moré era el Rey. Hay una foto de ambos que queda para la historia. En 1961 grabó el bolero Comprensión de Cristóbal Dobal, un súper éxito; Como vivo en Luyanó, son de René Barrera y Cositas que tiene mi Cuba, son-montuno de Parmenio Salazar. En la última etapa del conjunto de Roberto Faz se puso de moda en 1966 el dengue con su tiqui tiqui y la llanta de automóvil y el conjunto tomó un nuevo aire: Dengue de la caña, Dengue del pollo, y Dengue en Fa que arrasó en los carnavales habaneros. También asumieron los ligaditos de boleros con el coro de los trompetistas.
BIOGRAFÍA DE HOMERO Nombre: Homero. Fecha de Nacimiento: Alrededor del Siglo VIII antes de Cristo. Lugar de nacimiento: Grecia antigua. Ocupación: Rapsoda y poeta. Vida: En los escritos e informaciones que existe de la vida de Homero se mezclan realidad y fantasía. Se dice que era ciego, que vivía en Quíos, sin embargo, se mencionan también como lugares de residencia a lugares como Atenas, Rodas, Itaca, Salamina, etc. El nombre Homero procede de la palabra homeros que significa rehén. Se cuenta que Homero podría pertenecer a un grupo de poetas que eran descendientes de prisioneros de guerra. En la Grecia clásica no se conocía ni existía ningún dato biográfico sobre Homero y se barajaban diferentes historias sin mucha base real. El único dato que suele admitirse de manera común es que procedía de Asia Menor, de la zona colonial jónica. Respecto a la fecha de su fallecimiento, desde el siglo V a.C. existe la tradición de que pudo ser en la isla de Ïos. Obra: Las obras atribuidas a Homero son La Ilíada y La Odisea. La Ilíada es el poema escrito más antiguo de la escritura occidental, es una epopeya que narra la cólera de Aquiles, hijo del rey Peleo, las consecuencias y la reconciliación, al final, con Príamo, padre de su fallecido enemigo Héctor. La Odisea es un poema épico que consta de veinticuatro cantos. Relata la vuelta a casa, Itaca, del héroe Odiseo (en latín Ulises) al finalizar la guerra de Troya. Un viaje de veinte años de duración, plagado de aventuras. Ulises era rey de Itaca y allí le esperaban su esposa Penélope y su hijo Telémaco. Otras apreciaciones: Aunque los datos biográficos de Homero son en su mayoría conjeturas, las obras que se le atribuyen han trascendido en el tiempo, siendo lecturas obligadas en cualquier estudiante de todo el mundo.
LA CEGUA, LEYENDA CENTROAMERICANA Según la leyenda, la Cegua es un ser monstruoso que se aparece de noche por caminos solitarios a los hombres mujeriegos que viajan solos, generalmente a caballo (o en automóvil o motocicleta, en relatos más modernos), bajo la forma de una hermosa muchacha. Es descrita como una joven muy linda, blanca (o morena, según la versión), de rostro ovalado, ojos negros y grandes, largo pelo rizado de color negro y boca preciosa, con labios rojos como sangre, con una voz divina que arrulla como canto de sirena, y de cuerpo con curvas pronunciadas, esbelto y tentador. Va vestida de negro completo o de blanco y en algunas ocasiones, con un vaporoso vestido de color rosado, y en otra versiones, con un lujoso vestido de época. La Cegua (del náhuatl, cihuatl, mujer), también conocida como Segua o Tzegua, es un personaje de las leyendas mexicanas y centroamericanas. Es un ser espectral que se materializa por las noches en caminos solitarios, solicitando ayuda para que la lleven a algún poblado cercano. El espanto generalmente se aparece a los hombres mujeriegos en la forma de una mujer muy hermosa, la cual luego se transforma en un monstruo con la cabeza de un caballo. El mito de la Cegua es de origen mesoamericano y está relacionado con el mito de la Siguanaba, con algunas variantes, y en parte, con el de la Llorona. El término «cegua» utilizado para denominar a este monstruo se encuentra más difundido en Costa Rica y Nicaragua, y ha inspirado obras literarias, teatro, cine, música, cómics y otras manifestaciones culturales. Versión Costarricense de la leyenda: La versión costarricense de la leyenda narra que el origen del fantasma estaría en una hermosa mujer de la ciudad de Cartago, quien, sin embargo, no guardaba ninguna consideración a sus padres pues era muy orgullosa, a los que con frecuencia humillaba y desobedecía, pues se decía ser muy infeliz de ser pobre. Un día, esta bellísima joven recibió una invitación de un acaudalado y buen mozo español para asistir a un baile, a lo cual su madre se opuso, pues el joven era reconocido por sus atributos de conquistador y poco formal con las muchachas. Ante la negativa de su mamá, la joven estalló en ira y blasfemó contra ella y llenó de improperios su humilde hogar; su madre la observaba y lloraba en silencio, ante la actitud de su hija, pero a la joven no le bastó con insultar, sino que en un momento dado levanto su mano para abofetearla, pero no había levantado completamente aún su mano, cuando de la nada salió una mano negra, con grandes uñas (o una bruja, según otras versiones) y sostuvo la mano de la hija ingrata, lanzándole una maldición: «Te maldigo mala mujer, por ofender y pretender golpear a quien te dio la vida, desde hoy y para el resto de los siglos los hombres a ti se acercarán, pero por tu espantoso rostro de ti correrán». Otra versión también cuenta que ésta una mujer, que fue muy vanidosa, se enamoró de aquel acaudalado hombre español, quien abusó de ella. Siendo así, ésta quedó condenada a vagar por la eternidad buscando a hombres infames. Así es como desde entonces la Cegua se aparece de pronto en el camino, insinuante y provocadora, pidiendo a algún jinete que la lleve en su caballo, argumentando que va al pueblo más cercano y no hay hombre que se resista a tan hermoso cuerpo y dulce ruego, pero una vez que sube en ancas al caballo su cara se transforma en la de una horrible bestia similar a la de un caballo relinchando. En la provincia de Guanacaste, también en Costa Rica, la Cegua, además de aparecerse a los hombres en los caminos, también podría aparecerse en los bailes y fiestas de los pueblos, en donde coquetea con cuanto hombre se le acerca. Aquel que logra conquistarla, la acompaña al descampado de la pampa guanacasteca, y bajo un frondoso árbol de guanacaste, entregarse a sus amoríos, hasta que bien avanzada la noche, cuando el hombre por fin intenta besarla, ocurre la metamorfosis. La manera de huir o escapar de ella es ponerle o mostrarles semillas de mostaza, a la Cegua le gusta mucho las semillas de mostaza; al llegarle el olor, la Cegua deja de perseguir a su víctima y pretende comer las semillas, pero como sus manos se convirtieron en cascos de caballo, vomita su alma al no poder hacerlo; así la víctima está salvada.
Pedro José Rodríguez Jiménez (Cheito). Pelotero cubano, tercera base. Integró los equipos Cuba, Campeón Mundial en Colombia 1976, Italia 1978, Japón 1980 y Cuba 1984. Medalla de oro en los VII, VIII y XI Juegos Panamericanos. Medalla de oro en los XIII Juegos Centroamericanos y del Caribe y de plata en los XIV, La Habana 1982. Síntesis biográfica Nace el 26 de noviembre de 1955. Nieto, sobrino e hijo de grandes peloteros cubanos. Fue gran bateador y slugger desde las categorías infantiles. Se destacó en los Juveniles cuando en un torneo internacional de esa categoría celebrado en Venezuela disparo 5 jonrones en solo once partidos, encabezando también el bateo y las impulsadas. En ese evento cautivó a todos la dimensión de sus jonrones a pesar de sus 16 años y poca estatura. Trayectoria deportiva Su debut en Series Nacionales, fue el mejor de todos los tiempos. Tercero en jonrones con 11, nueva marca para novatos que duró 27 años, a pesar de la posterior instauración del bate de aluminio y la bola viva. Debutó con el equipo Cuba y fue el mejor en bateo, jonrones e impulsadas durante la campaña internacional. Fue el mejor slugger entre 1974-1985 en que también fue el señor de la antesala cubana. Ese año fue interrumpida una trayectoria que lo situaba con apenas veintinueve años y doce series jugadas, como el segundo en jonrones con 276, a solo 15 cuadrangulares de Antonio Muñoz, pero con seis series y años menos que su compañero. Tercero en carreras impulsadas con 935, precedido por Muñoz y Agustín Marquetti, y en bases recorridas con más de 2100, por ese mismo orden de esas dos luminarias, era primero en slugging y flys de sacrificio, con average de 290 y entre los cinco primeros en casi todos los departamentos ofensivos. Mejores resultados deportivos Año 1978 Implantó record de jonrones para un Campeonato Nacional en la Serie Selectiva del 78 con 28 en 60 partidos. En el juego final del Campeonato disparó su jonrón 100 ante el astro Oscar Romero y así logró que su equipo, Las Villas, empatara en 1er lugar con Pinar del Río y tuvieran que celebrar un reñido Play Off. Decidió esa Selectiva con largo cuadrangular frente al pitcher de Rogelio García. En los Centroamericanos de Medellín implantó un record de jonrones e impulsadas con 15 jonrones y 37 remolcadas en solo 45 veces oficiales al bate. Líder en jonrones en los dos Juegos Centroamericanos en que participó, en un Panamericano, una Copa y un Mundial. Es el segundo con más jonrones conectados en Centroamericanos. Posee la mejor marca de cuadrangulares por un cubano con los 68 que dio en la temporada de 1978, incluyendo los 44 en la campaña nacional y los 24 en la arena internacional, récord también vigente. En el Mundial de Italia le decidió el partido a Japón con hit y fue el héroe contra Estados Unidos al empujar las carreras del empate y de la ventaja final, de ellas dos por kilométrico jonrón contra el supersónico Tim Leary. Año 1979 El más útil en los Juegos Panamericanos de Puerto Rico 79 con su liderato en bateo y récords en jonrones. En octubre fue la gran figura de la IV Copa Intercontinental celebrada en Cuba. Impuso marca de 3 jonrones en un juego contra Panamá. Fue el héroe contra Estados Unidos cuando en el primer juego frente a los norteños le dio dos cósmicos jonrones por el center field al astro zurdo Ken Dayley. Al concluir la Copa fue el líder en hits, anotadas, jonrones, impulsadas, bases recorridas y slugging. Es seleccionado el más útil en ese torneo y por segundo año consecutivo entre los diez atletas más destacados de Cuba y América Latina. Cuando arribó a los 1000 hits en Series Nacionales fue el que en menos series lo logró, empatado con Pedro Jova, y entre todos el más joven con 28 años.
Tata Güines Federico Arístides Soto Alejo (Tata Güines). Músico de origen cubano de gran popularidad nacional e internacional. Se ligó a los instrumentos de percusión, especialmente a la tumbadora. Es conocido artísticamente por el sobrenombre de Tata Güines. Es considerado en Cuba el rey de los tambores, tumbador por excelencia, intérprete clásico de la rumba y la conga sin parangón. Nació en Güines, La Habana el 30 de junio de 1930, en el seno de una familia de músicos, hijo de de Joseíto "El tresero" y de la Niñita, que desde muy pequeño solía tocar una caja de limpia botas en la esquina de la Capilla de Santa Bárbara, en el legendario barrio de Leguina, donde tanta congas y bembés se han hecho y se seguirán disfrutando. Trayectoria artística Decir Federico Arístides Soto Alejo quizás no le diga nada a algunos neófitos de la música, pero cuando se dice Tata Güines las cosas cambian radicalmente y todos piensan: Ese es la tumbadora hecha alma y sabor. Se ligó a los instrumentos de percusión, especialmente a la tumbadora, que como cubana gimió bajo el efecto de sus prodigiosas manos. Bajo la influencia de Chano Pozo, cuyos toques lo embrujaron y le dieron la clave para crear su propio estilo. Se formó como músico entre los tambores y las fiestas religiosas de su barrio. Adoptó su apodo de pequeño -el Tata-, y como apellido el del pueblo que le vio crecer. La música la trajo en la sangre: su padre y sus tíos hacían música con los cueros. Fue ejecutante del contrabajo en el conjunto Ases del Ritmo. Formó parte del grupo Partagás, dirigido por su tío Dionisio Martínez, y posteriormente fundó la orquesta Estrellas Nacientes y actuó con la orquesta Swing Casino, de Güines. En 1946 actúa en su pueblo natal con el Conjunto de Arsenio Rodríguez. En 1948 se traslada para La Habana, donde fue miembro de las orquestas La Nueva América, de Pao Domini; la del Havana Sport de José Antonio Díaz, Unión, de Orestes López, La Sensación de Belisario López, y en 1952 ingresa en Fajardo y sus Estrellas, con la que en 1956 viaja a Nueva York. Integró Los Jóvenes del Cayo, con el que se presentó en la radioemisora La Voz del Aire; después actúa con los conjuntos Camacho y Gloria Matancera. Acompañó como bongosero al trío Taicuba, y trabajó con Guillermo Portabales, Celina y Reutilio, y Ramón Veloz. Participó, junto a Chano Pozo, en la comparsa Los Dandys de Belén; además, Los Mosqueteros del Rey, Los Mambises y Las Boyeras. Grabó con Arturo O’Farrill (Chico) y con Cachao y su Ritmo Caliente, Frank Emilio, Guillermo Barreto, Gustavo Tamayo y otros. Formó parte del Quinteto Instrumental de Música Moderna (después Los Amigos), dirigido por el pianista Frank Emilio; Guillermo Barreto, timbal, Gustavo Tamayo, güiro, Israel López (Cachao) y Orlando Hernández (Papito), contrabajo. En 1955 viaja a Caracas, Venezuela, para participar en los carnavales de esa ciudad. Viaja a Nueva York con la orquesta de Fajardo y sus Estrellas, con la que actúa en el Palladium, en donde coincide con Machito y sus Afro-Cubans y con Benny Moré, a quien acompaña con la tumbadora; también se presentó en el hotel Waldorf Astoria, donde trabaja por vez primera como solista. Preparó un espectáculo y compartió el escenario con Josephine Baker, Frank Sinatra, Maynard Ferguson y Los Chavales de España, con los que grabó la pieza "No te puedo querer".
Breve historia sobre la caza de brujas De pequeña solía disfrazarme de bruja, me gustaba esa esencia malévola y misteriosa que caracteriza a esos personajes. En la cultura popular, las brujas generalmente son las villanas que le hacen la vida imposible a las princesas de los cuentos de hadas, son quienes buscan arrebatarles algo que, según, les falta (ya sea belleza o un príncipe). Sin embargo, hay toda una historia detrás de esas representaciones de brujas y de lo que significan dentro de esa lógica de desear algo de una mujer “perfecta”. La historia de las brujas en realidad no tiene tanto que ver con señoras con verrugas o nariz gigante, mucho menos con escobas y sombreros negros de punta. Para entenderlo basta regresar algunos años en la historia, específicamente a la caza de brujas, un proceso de persecución y asesinato del cual se habla poco. ¿Quiénes eran las brujas? A diferencia de las ideas que tenemos sobre las brujas, las mujeres señaladas como tal, generalmente eran las que solían conocer muy bien sus cuerpos. Las brujas eran parteras, curanderas, mujeres que evitaban la maternidad, mujeres que practicaban la sexualidad fuera de los vínculos del matrimonio y la procreación, así como prostitutas. Las brujas también eran mujeres rebeldes, que contestaban, que discutían, insultaban y luchaban. Mujeres que decidían no casarse, que dedicaban su tiempo a otras cuestiones, incluidas las relacionadas con lo medicinal, científico y literario, todo a escondidas y por eso eran señaladas, porque no respondían al ideal de mujer de ese momento. Tenían “mala reputación”, lo cual sirvió para ser enjuiciadas públicamente ¿Qué fue la caza de brujas? La caza de brujas sucedió entre los siglos XV y XVIII en Europa, durante este proceso, cientos de miles de mujeres fueron masacradas y sometidas a torturas por el simple hecho de ser «diferentes». Académicas feministas, como Silvia Federici, hablan de la caza de brujas como»una guerra contra las mujeres; fue intento coordinado de degradarlas, demonizarlas y destruir su poder social». La Iglesia y el Estado desencadenaron persecuciones contra las mujeres señaladas como brujas, quienes –tras un juicio– solían ser quemadas, torturadas y colgadas. En las Iglesias se colocaban urnas para que las personas se acercaran a señalar a las mujeres brujas de forma anónima, lo que generó una psicosis colectiva. La caza de brujas llegó también a Estados Unidos a finales del siglo XVII, en específico a Salem, Massachusetts, donde más de 200 personas, sobre todo mujeres, fueron acusadas de brujería. Se dice que la cacería de brujas en Salem comenzó después de que dos niñas sufrieran convulsiones y espasmos, lo cual hizo creer que podrían estar poseídas por algún espíritu maligno. ¿Por qué cazar brujas? La caza de brujas fue fundamental para consolidar y reconstruir el patriarcado, un sistema en el que los cuerpos de las mujeres, su trabajo y su poder sexual y reproductivo son colocados bajo el control del Estado. Aumentó las divisiones entre sexos, porque inculcó a los hombres el miedo a que las mujeres tengan poder sobre ellas mismas y sus cuerpos. Pero no sólo eso, sino que a partir de la caza de brujas es que se forjaron muchos de los modelos de feminidad de la actualidad, por ello la insistencia en los cuentos de hadas de que las brujas siempre quieren algo de la princesa, principalmente su belleza, la cual es totalmente construida desde esos márgenes y representa un modelo de mujer sumisa. Vuelta al origen En la actualidad, muchas mujeres jóvenes están retomando algunas prácticas de la brujería como la herbolaria, la astrología y otros conocimientos ancestrales, quizá en una búsqueda de conectar con su fuerza interior y, a la vez, redimir a esas mujeres rebeldes que pagaron el precio más caro por el simple hecho de querer vivir en libertad.
Eran las 03.40 de la madrugada del lunes 25 de abril de 1977 y pese a la impenetrable oscuridad del desierto, los jóvenes conscriptos Pedro Rosales y Juan Reyes corrían hasta donde se encontraban sus compañeros de patrulla: “¡Dios mío, qué es eso! ¡Miren la luz brillante que hay en el cerro!” Alertados por los gritos de Rosales, los soldados reunidos en torno a una fogata, lo miraron sorprendidos, y de seguro deben haber pensado que bromeaba. Pero la cara de espanto que tenían los agitados conscriptos, no dejó lugar a dudas que “algo” estaba ocurriendo… Con esas palabras, el joven soldado daba comienzo a uno de los casos más discutidos a nivel mundial. Poco después el cabo segundo de Ejército, Armando Valdés Garrido, desaparecía por 15 minutos luego de acercarse a un gigantesco OVNI. Su testimonio fue ratificado por los siete miembros de la patrulla que lo acompañaban aquella noche. La noche en Putre, un pueblo ubicado en la pre cordillera desértica de la Primera Región, a unos 150 kilómetros de Arica, se vio interrumpida por las palabras del agitado conscripto Pedro Rosales. Su superior lo conminó a explicarse y atropelladamente el joven soldado le dijo que dos extrañas luces se aproximaban a lo lejos, sobrevolando los cerros. Valdés, no tardaría en comprobarlo por sí mismo. Pedro Rosales se encontraba junto a Juan Reyes montando guardia en una pequeña pendiente cercana, cuando algo extraño llamó su atención: “¡Miren esas dos luces, una esta bajando y la otra se quedó en el cerro!” De inmediato, el resto del grupo se dirigió hacia donde indicaba el conscripto, y tras un breve recorrido, se encontraron con lo inexplicable… una inesperada visita aguardaba por ellos; la patrulla quedó paralizada por el terror. En esos momentos, una de las luces avanzó directamente hacia ellos, mientras el otro objeto se mantuvo a distancia. Ambos ovnis irradiaban una potente luz color violeta. El que se aproximó a la patrulla tenía un cuerpo ovalado y en los extremos dos puntos de un rojo intenso, que a medida que se acercaba, aumentaba su tamaño. El cabo Valdés miró su reloj, eran las 3.45. Mudos testigos del hecho fueron los siete conscriptos de la patrulla que Valdés tenía a su cargo, la que estaba compuesta por Humberto Rojas, Germán Riquelme, Iván Robles, Pedro Rosales, Raúl Salinas, Juan Reyes y Julio Rojas. Valdés juntó a sus hombres, y se colocaron en posición de combate. “¡Si algo pasa que nos pase a todos juntos!”, dijo el cabo. Todos asintieron, víctimas de un pánico indescriptible. Agazapados, le sacaron el seguro a sus armas y Valdés decidió avanzar hacia la luz, que se encontraba a unos 500 metros de distancia. Caminó hacia el OVNI y atemorizado exclamó: ¡Alto ahí, identifíquense! Sorpresivamente, Valdés desapareció de la vista de la patrulla. El reloj marcaba las 04.15 de la madrugada. Luego de 15 desesperantes minutos, que se hicieron eternos para los asustados soldados, el cabo Valdés reapareció ante la incredulidad de sus compañeros: Lo levantaron, y lo llevaron a la fogata. Estaba como en trance, empezó a reírse y tenía la voz cambiada. Fue en esos momentos cuando exclamó la célebre frase, que más tarde daría vueltas al mundo: “¡Ustedes nunca sabrán quienes somos ni de donde venimos, pero volveremos!”. Después de estas enigmáticas palabras, Valdés volvió en sí, y sólo repetía una y otra vez: La luz… la luz… la luz… la luz. Finalmente se tranquilizó entregándose al sueño. Su reloj se había detenido a las 4.30 de la madrugada, hora en que reapareció, pero el calendario indicaba el 30 de abril, fecha posterior en 5 días. Su barba era también de 5 días, aunque se había afeitado esa misma noche, antes de comenzar su guardia. Sus subordinados no podían dar crédito a lo que veían, pero estaban seguros de que habían sido protagonistas de un hecho único, que les cambiaría la vida para siempre.
LO MEJOR DE LA MUSICA DE TODOS LOS TIEMPOS,CON ANTONIO SANTIAGO OLIVER
Apartir de los últimos años de la década del veinte del siglo pasado, una oleada renovador a recorrió los espacios bailables de toda la isla. La interacción entre los fundacionales sextetos y septetos de sones y las jazz bands importadas de los Estados Unidos, formal y armónicamente mucho más completas, provocaron la chispa inicial de un fenómeno que -en los años 40- alcanzaría su máximo esplendor: la era de los conjuntos de sones . Ya durante el primer lustro de los 40 y mucho más avanzada esta corriente, tres agrupaciones constituyeron su vanguardia: el conjunto de Arsenio Rodríguez, el conjunto Sonora Matancera y el conjunto Casino. A partir de estos patrones estilisticos la permanencia y continuidad de este formato quedó garantizada para décadas posteriores. El conjunto Club, fundado en 1956 por el trompetista ldelfonso Salinas (miembro activo por entonces del 'Casino') combinó el estilo casinero con el del conjunto de Arsenio Rodríguez. Para ello contó con un grupo de jóvenes entusiastas de la localidad de Regla, incluidos algunos miembros de su familia, teniendo como propósito inicial efectuar grabaciones comerciales y eventualmente amenizar alguno que otra fiesta particular. Pero la idea de su fundador fue quedando atrás por el empuje y las ganasde hacer de sus bisoños compañeros: Herminio Salinas, Domingo Lugo, Nelson Arocha, entre otros. Sin embargo muy pocas oportunidades tenía a su alcance una joven formación en un ambiente marcado por la dura competencia entre innumerables agrupaciones de calidad ya establecidas, así como las difíciles condiciones socio-económicas instauradas por la dictadura batistiana. La presencia del Club en los discos de esos años quedó registrada por los sellos Panart y fama aprovechando la similitud vocal de Domingo Lugo con el genial bolerista-sonero Panchito Riset. Tres verdades, Nochebuena guajira,Oye caminante y Blancas margaritas fueron a su vez algunos de los primeros éxitos de ese valioso cantante ya desaparecido. Ya en los sesenta, producto de los cambios introducidos por la Revolución en el sector cultural,el ambiente musical se vio supeditado a innumerables directivas institucionales.Algunas no incidieron favorablemente en el desenvolvimiento de las agrupaciones populares. Fue esta una de las razones que impulsó a los músicos del conjunto Club a encontrar una solución que les permitiera mantenerse en escena. Para entonces el azar también pareció sonreirles: para 1972 Roberto Espí, previendo su inminente retiro de la música, planeaba dejar su emblemática agrupación a cargo del cantante Orlando Reyes (recién salido del conjunto de Roberto faz) pero, por cuestiones ajenas al veterano cantante cienfueguero, esto no fue posible. Casualmente ese mismo día tres de los miembros del conjunto 'Club': Orlando Garrucho, Marcelino Linares y Herminio Salinas visitaron a Reyes con el propósito de ofrecerle la nómina del conjunto para acompañarlo. Ante la imposibilidad de quedar al frente del conjunto Casino, Orlando Reyes re-bautizó a los muchachos del Club con un nombre más comercial: Los Latinos. Esto ocurría el 26 de enero de 1972. El objetivo inicial planteado por Reyes tuvo muy buena acogida entre los músicos pues no se trataba de incluir solamente los géneros ya establecidos en el repertorio tradicional de los conjuntos cubanos, sino de ampliar un poco más el espectro introduciendo otros ritmos del área del Caribe como la plena, la bomba y el merengue. Esta linea de trabajo despertó igualmente la atención del público desde el debut del conjunto en bailables, radio y televisión de esa época. El atractivo y variado repertorio de Los Latinos, respaldado por un estilo y timbre bien definidos, identificó la labor artística de sus integrantes durante los años setenta e inicios de los ochenta. Para mantener durante todo ese tiempo esa posición privilegiada jugaron roles primordiales la dirección musical de Orlando Garrucho, los arreglos del pianista Pepito López y por supuesto las voces de Ricardito Rivera, Marcelino Linares y Frank Pereira quienes representaron los momentos de mayor popularidad de esta importante agrupación sonera que preservó -en años dificiles- la longevidad de la célebre frase del gran Ignacio Piñeiro: el son es lo más sublime para el alma divertir. Agradecimientos especiales a Herminio Salinas, fundador del conjunto Clulb y Los Latinos._René Espí
"Lazarillo de Tormes" - Reseña de Libro Lazarillo de Tormes es una novela española anónima cuyas ediciones conocidas más antiguas datan de 1554. El libro relata la historia de Lázaro de Tormes, un joven humilde huérfano de padre y madre que no estaban casados que poco a poco va cambiando para poder sobrevivir a la dura vida de la época. Éste pasa por manos de siete amos que le van mostrando la realidad del mundo para poder mantenerse y al final se casa con una criada de su último amo que le permitió llegar a un período de estabilidad en su vida donde todo era mejor. La novela, escrita en primera persona y en forma de carta, está compuesta por 7 tratados que explican la vida de Lázaro. Ésta lleva un ritmo un poco rápido y utiliza un lenguaje simple. Además, su trama está bien elaborada y es entretenida ya que contiene la realidad social española de la época el falso sentido del honor y a la hipocresía, que solo sirve a los poderosos mientras que los pobres pasan hambre y miseria. Encuentro que esta obra fue muy interesante por su trama ya que pude conocer cómo era la realidad de la sociedad en esa época con todos sus vicios y corrupciones. También me gustó por el hecho de que el protagonista es un niño con aproximadamente la misma edad que yo que tuvo que pasar trabajo para poder ser feliz, eso nos deja como enseñanza de que hay que luchar por las cosas que queremos. Se lo recomiendo a todos los jóvenes porque no solo es fácil y rápida de leer sino también porque nos ayuda a reflexionar sobre la vida.
PROFECIA DEL SANTO PRELADO ANTONIO MARIA CLARET Y SU PREDICCIÓN SOBRE CUBA HACE MAS DE 100 AÑOS. El arzobispo Antonio María Claret, nació en España el 23 de Octubre de 1807, fue una figura muy querida por los pobres y esclavos de la isla, a su muerte se convirtió en una figura de protección espiritual, que la mayoría en la isla invocaban. Montado en un burro atravesó más de 35 veces la Sierra Maestra, para evangelizar y ayudar a los pobres y esclavos del lugar. Su diócesis como arzobispado comprendía Camagüey y Oriente. El no se mezcló nunca en asuntos políticos, pero como español, muchas veces sirvió de mediador entre cubanos y españoles cuando la guerra de independencia. Entre sus obras más destacadas se encuentran la cooperativa de ahorros y créditos y el instituto de religiosas, María Inmaculada, para ayudar a niños pobres y fue presidente de amigos del país. Viajaba en su burro por la Sierra Maestra acompañado de sus seguidores, cuando de momento cayó como desmayado, todos pensaron que era a causa del gran calor del lugar, al tratar de ayudarlo, el prelado comenzó a hablar como en un estado de éxtasis lo que sus ojos veían. Hoy muchos se dan cuenta que esas predicciones que estuvieron sepultadas por años en los archivos de la catedral de Santiago de Cuba, se han ido cumpliendo paso a paso. Dicha versión quedó manuscrita perteneciente al siglo ante-pasado. Profecía del Arzobispo Antonio María Claret. Dice así textualmente. A esta Sierra Maestra vendrá un joven de la Ciudad y pasará un corto tiempo cometiendo hechos muy lejanos a los mandamientos de Cristo, habrá inquietud, desolación y sangre, vestirá uniforme no tradicional, jamás visto en el país, muchos de sus seguidores llevarán rosarios y crucifijos colgados al cuello e imágenes de muchos santos, junto a armas y municiones, este joven bajará de las estribaciones de la Sierra Maestra con barbas y muchas veces fumando un puro, será recibido con fervor por el pueblo cubano, al cual lo engañará. Lo dividirá y lo dejará sumido en angustias con mucho dolor y sangre. La república será entregada a un hombre que viene de un país muy lejano, que hablará un lenguaje que no es ni castizo ni romano. Con la riqueza de la isla Cuba entregará la soberanía y la independencia por la que hoy se lucha (se refería a la guerra de independencia) Todos los cubanos serán presos y esclavos de un sistema maléfico. Este joven gobernará por casi 4 décadas cercano a medio siglo, en ese tiempo habrá sangre mucha sangre, el país quedará desbastado, cuando se cumpla ese tiempo, ese joven que ya será viejo, caerá muerto y entonces el cielo cubano se tornará limpio y azul, sin esta oscuridad que ahora me rodea. Se levantarán columnas de polvo y otra vez la sangre anegará el suelo cubano por unos pocos días, sin embargo como dice el refrán: "Después de la tempestad llegará la bonanza", cuando esto ocurra, vendrá un estado de alegría, paz y unión entre cubanos, y la república florecerá como nadie podrá imaginar. Habrá un gran movimiento de barcos en las aguas, que de lejos las grandes bahías de Cuba parecerán ciudades enclavadas en el mar. Habrá venganzas y revanchas entre grupos dolidos y otros codiciosos, que por corto tiempo empañarán de lágrimas los ojos. Después de estos días tormentosos, lo mejor para Cuba estará por venir. Se erradicarán enfermedades, vendrá el arrepentimiento, se extinguirán falsas religiones, la fe Cristiana entrará en los corazones ateos. Después de toda esta catástrofe que ahora veo, saldrá el arcoíris, anunciando la paz y la prosperidad para todos los cubanos. Cuba será la admiración de toda América, incluyendo la del Norte.
MIGUEL HIDALGO Y COSTILLA Miguel Gregorio Antonio Ignacio Hidalgo y Costilla Gallaga Mandarte y Villaseñor, nació en lo que hoy conocemos como Guanajuato (Pénjamo), México en 8 de mayo de 1753. Destacado sacerdote revolucionario que se dio a conocer por el acto del Grito de Dolores, momento histórico considerado como la referencia obligada que da inicio a la guerra de Independencia de México. Fue promotor de la lucha armada que puso fin al dominio español en México, etapa que duró 300 años. Era uno de los cinco hijos del hogar conformado por su madre, Ana María Gallaga y su padre, Cristóbal Hidalgo y Costilla; quien administraba la haciendo donde nació Miguel. Desde 1765 a 1778, empieza y culmina respectivamente, su formación académica, en una escuela ubicada en el estado de Michoacán, más específicamente, en el colegio de San Nicolás de Valladolid y allí se ordenó como sacerdote. biografia de miguel hidalgo MIGUEL HIDALGO: SACERDOTE REVOLUCIONARIO, SU VIDA Y SU MUERTE Pudo evidenciar, durante su estadía en la parroquia de Dolores Hidalgo en 1803, el abuso al que se sometían las pobladoras indígenas desde su niñez, en esta, como en otras regiones. Su mente consciente y brillante, captaba la delicada situación que campesinos, indígenas y los pobladores más vulnerables de la Nueva España sufrían constantemente. En 1808 con la invasión de Napoleón Bonaparte a España, Miguel empieza a participar en actividades vinculadas a la formación de un gobierno autónomo a la corona española en Nueva España. Fue así como se animó en liderar las juntas literarias o conspiración de Querétaro, lo que ocasiona la guerra de independencia mexicana, el 16 de septiembre de 1810, al ser descubierta. Pudo llegar a las puertas de la ciudad de México, pero prefirió retirarse definitivamente y es así como pierde la batalla de Puente de Calderón. Con la finalidad de huir de todo este caos y buscar armamento, se une a otros insurgentes y se dirigen a los Estados Unidos de América, poco después regresa y decide continuar la guerra. Por medio de un juicio de excomunión, es capturado y despojado de su atuendo sacerdotal. El 30 de julio de 1811, es fusilado en Chihuahua; se le cortó la cabeza, la cual fue llevada a Guanajuato y su cuerpo fue sepultado en la capilla de San Antonio, del templo de San Francisco de Asís.
JOSÉ MARÍA MORELOS José María Morelos, es un prócer mexicano, conocido como El Siervo de la Nación. Nació el 30 de septiembre de 1765 en Valladolid, hoy estado de Morelia, en su honor. Fue un sacerdote que se hizo caudillo, a la cabeza del segundo proceso independentista de México. Los primeros estudios los realizó con a su mamá en la escuela de José Antonio Pavón, su abuelo. Su padre lo deja a la familia cuando era muy pequeño por lo que tuvieron profundas carencias económicas y Morelos se fue a trabajar al campo. Durante once años estuvo en aquella hacienda en la cual se hizo diestro en agricultura y ganadería, bajo la tutela de su tío Felipe Morelos; era experto en caballos y en ganado. A los 25 años, por petición de su mamá, ingresa al seminario para ser sacerdote. En el Colegio San Nicolás entra en contacto con Miguel Hidalgo; inicia sus estudios de lengua latina y español y luego de dos años entrar al Seminario Tridentino de Valladolid. Obtiene el título de Bachiller en Artes en Ciudad de México. Enseña retórica y letras a los niños de Uruapan. En 1797 es ordenado sacerdote y enviado a poblaciones muy desdichadas como Churumuco y Carácuaro, en donde laboró por una década. Se sustentaba de la ganadería que había iniciado en sus días en el campo y de una herencia materna. JOSÉ MARÍA Y EL GRITO DE INDEPENDENCIA El Cura Miguel Hidalgo traza en 1810 el comienzo de la independencia de México invitando a sus fieles para levantarse en armas en la población de Dolores. El Padre Morelos se presentó ante Hidalgo para ser Capellán del Ejército. Hidalgo lo persuade para que con otra tropa tomará Acapulco, iniciando su participación política y militar. Especialista en las artes militares, hizo enseñanza pastoral en pro de las clases más desfavorecidas, a través de cuatro campañas. CAMPAÑAS DE INDEPENDENCIA Durante la primera campaña agrupo y formo la tropa, instruyéndola en las artes militares. Ajusticiado el Cura Hidalgo, Ignacio López Rayón creo La Suprema Junta Nacional de América. Luego, la campaña entre 1813 pierde fuerza militar debido a un ataque español a sus tropas en Valladolid. En las cercanías de Iguala, los españoles atrapan a Morelos; en México las autoridades civiles, militares y de modo especial las eclesiásticas discutían su derecho a juzgarlo. Así, el 22 de diciembre de 1815, el gran José María Morelos muere fusilado arrodillado de espalda.
MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA Miguel de Cervantes Saavedra, novelista, poeta y dramaturgo; sobre la fecha de su nacimiento es algo que está aún en entredicho, se presume que nació en Alcalá de Henares el 29 de septiembre de 1547. Es considerado el máximo exponente de la literatura española. Mundialmente es conocido, por su ingenio y creatividad; pero sin duda alguna su novela, Don Quijote de la Mancha, es una de las mejores obras de toda la literatura universal y gracias a ello, se le llama “Príncipe de los Ingenios”, al poseer una mente brillante e intelectual. VIDA DE MIGUEL DE CERVANTES SAAVEDRA Hijo de Rodrigo de Cervantes, cirujano de profesión y de Leonor Cortinas, un matrimonio que tuvo siete hijos, en el que Miguel ocupaba el cuarto lugar. Huyó a Italia a los dieciocho años, luego de haber herido a un hombre; allí estuvo al servicio del cardenal Acquaviva. Al poco tiempo se formó como soldado, y en 1571 tuvo un desempeño heroico en la batalla de Lepanto, quedando huellas de aquella contienda en el pecho y en su mano izquierda, pero esto no le impidió manifestar su orgullo al haber participado en dicha batalla. Siguió como soldado y un desafortunado día de 1575, cuando junto a su hermano Rodrigo regresaban a la península, fueron privados de libertad y llevados a Argel. Gracias a su familia y a los padres trinitarios, fue liberado cinco años después en 1580. miguel de cervantes biografia Luego de su cautiverio y luego de doce años de ausencia, hizo todo su esfuerzo por conseguir un empleo en las Indias y no obtuvo respuesta positiva, una etapa muy difícil que atravesaba Cervantes y le causaba molestia. En 1584 se casó y se residencio en Sevilla; entre 1587 y 1600, realizaba un trabajo humilde como comisario de abastecimientos, labor que lo llevaba a movilizarse por toda Andalucía pues su misión era la de revisar los alimentos que se utilizarían en las expediciones que preparaba Felipe II. Todos los acontecimientos que Cervantes vivió en Sevilla son indudablemente piezas clave en su biografía, pues todos los personajes que durante sus experiencias conocía, los dio a conocer más adelante en muchas de sus obras. En 1604 se trasladó a Valladolid tratando de superar sus dificultades económicas, un objetivo que parecía conseguir, ya que en 1605 cuando publicó la primera parte del Quijote, el éxito fue total. Pero lamentablemente, las carencias no desaparecieron y siempre estaba en constante búsqueda de mecenas entre los nobles y solo el conde de Lemos parcialmente lo ayudo. Los trabajos de Persiles y Segismunda, fue una obra que dedicó al conde de Lemos, en retribución a su noble gesto. Muere en Madrid el 22 de abril de 1616 y el 23 de abril su cuerpo fue sepultado, de ahí que popularmente es esta la fecha que se le concede su mue
FEDERICO GARCÍA LORCA Federico Garcia Lorca, nace en La Fuente Vaqueros, el 5 de julio del año de 1898, fue un gran dramaturgo y poeta español el cual fue de una gran influencia en la literatura y con ello también en el teatro español del siglo XX. Su familia, bien posicionada económicamente, no deja de inculcarle desde niño el amor por la literatura y la poesía, el mundo que esconden los libros y que se pueden expresar a través de las palabras que están allí reposando. Todo este amor por la literatura, hace que Lorca crezca con un gran talento innato y por ello en 1918 publica el que sería su primer libro titulado Impresiones y paisajes el cual fue financiado económica por su padre. Un año después aparecería en el teatro con su obra el maleficio de la mariposa, después se marcha a la ciudad de Nueva York, donde decide escribir un libro de poemas acerca de toda esta cultura, todo esto lo realiza mientras vive en la universidad de Columbia. LORCA, UNA VIDA DE TALENTO ESCRITO En el año de 1919, en Madrid conoce a grandes y consagrados autores quienes serían su fuente de inspiración, tales como Juan Ramón Jiménez y crea una gran amistad con poetas de su generación como el pintor Salvador Dalí. Su fascinación por el dibujo y por el teatro hace que cree a lo largo de su vida grandes lazos de amistad con aquellos que eran, en el momento autores, intérpretes y dibujantes de gran renombre, prestigio y talento sin igual. Su poesía, contenía una gran cantidad de Surrealismo, por ello en 1921 publica su primera obra en verso titulada Libro de poemas, la cual a pesar de las criticas llego a causar gran impacto y atención positiva por parte de grandes círculos sociales. Este mismo reconocimiento y éxito literario hizo que lograra publicar en 1927 el poemario canciones y sobre todo grandes representaciones del drama patriótico, Mariana Pineda representando una historia militar de hacía años atrás. Temática que cautiva y un español universal La temática española se hace presente y por ello Lorca, lucha por seguir investigando y utilizando como fuentes de investigación grandes textos antiguos y de compañeros que desean como el, seguir descubriendo la belleza en el arte escrito. Finalmente, de entre todas sus obras la más destacada es la casa de Bernarda Alba del año de 1936, la cual sería su última obra puesto que en ese mismo año es detenido y en pocos días fusilado por los Franquistas.
Cuarteto “Los 4” El 8 de febrero de 1977 es fundada la agrupación por Meme Solís, una gloria de la música cubana; para entonces se nombró “Meme y Los 4”, o sea un quinteto, y lo integraban el propio Meme Solís, Rosa Sánchez, Jorge Luis Rojas, Ángel Marrero y Rodolfo Sánchez. Durante esta etapa fundacional realizaron presentaciones a lo largo y ancho de la isla, pero su sede principal fue el Cabaret Pinomar y el Hotel Atlántico, en las Playas del Este de la Capital. En 1980 Meme Solís se retira del grupo y Jorge Luis Rojas pasa a ser el director y nuevo líder de la agrupación, ahora solamente “Los 4”, nombre que ostentan hasta la actualidad. “Los años 80” fue la década dorada de “Los 4”, conquistando los principales centros nocturnos de la Capital, siendo su nuevo cuartel general el Cabaret “Copa Room” del Hotel Habana Riviera; al igual ocurría en la radio y televisión nacionales, donde sus presentaciones en programas estelares como “Buenas tardes”, “Juntos a las 9”, “Joven Joven” entre otros, cautivaron al público, al punto de ser galardonados con el Premio de la Revista “Opina” por 5 años consecutivos.
ALEJANDRO MAGNO Alejandro III de Macedonia también llamado Alejandro Magno nacido en el 356 a.c., en Pela, Macedonia, territorio de la Antigua Grecia, fue Rey entre el 336 al 323 a.c. Se formó intelectualmente con Aristóteles y su padre lo preparó en el arte de la guerra. Hijo de Filipo II de Macedonia y Olimpia de Epiro hija de Neoptólemo I de Epiro. El inicio de su educación fue orientada por Leonidas el mejor maestro de Macedonia que educaba a los hijos de la nobleza, se caracterizaba por impartir disciplina estricta. Con el maestro Leonidas, Alejandro se inició en la disciplina del ejercicio físico, más adelante, tuvo como maestro a Lisímaco un hombre más cordial que lo introdujo en el mundo de las letras homéricas. Se dice que recitaba de memoria poemas de la Ilíada. De los 13 a los 18 años, su educación fue puesta bajo la dirección de Aristóteles, con él se formó en filosofía, lógica, metafísica, retórica, política y otras materias, lo que le sirvió para las tareas gubernamentales que le asignó su padre al nombrarlo regente. Debido a un altercado con su padre el día de su segunda boda, Alejandro fue expulsado de Macedonia y se exilió en Epiro junto con su madre. Luego en el 336 a.c. Filipo fue asesinado como resultado de una conspiración atribuida a Olimpia, la madre de Alejandro. A partir de la muerte de Filipo, Alejandro toma el poder, tenía 20 años. Se propuso engrandecer mas a Macedonia, pero al mismo tiempo, tuvo que lidiar con los rebeldes de las tierras que había conquistado su padre. Con un ejército pequeño inició la venganza de los griegos contra los persas, obra que ya había comenzado Filipo, años atrás. Ganó batallas en Asia Menor, Fenicia, Egipto, Mesopotamia, hasta llegar a usurpar las capitales de los territorios persas. En el 331 a.c., el ejército de Alejandro invadió Persia, tomó Sussa, mientras que Darío III huía, buscando apoyo para enfrentarlo. Mientras tanto, Alejandro fue a Persépolis, en donde provocó el incendio del palacio. Alejandro Magno estuvo casado tres veces y sus esposas fueron: Roxana de Bactriana, Estaeira y Patrisatys, pero aún cuando estuvo casado, se ha dicho que era homosexual. alejandro magno MUERTE DE HEFESTIÓN, SU MEJOR AMIGO Mucho se ha especulado sobre la sexualidad de Alejandro Magno, y una de las leyendas está relacionada con Hefestión, su compañero de armas y amigo entrañable. Muchos aseguran que eran amantes, sin embargo, no existen pruebas contundentes al respecto. La única prueba es la reacción de de Alejandro al enterarse de la muerte de su amigo, siglos más tarde, el historiador Plutarco relataba que la tristeza de Alejandro fue exceso profunda, nunca nadie había visto tan devastado al hombre que libró tantas batallas. Por otro lado, los funerales que se le rindieron fueron para la época los más grandes y prolongados que hubieran existido. Se dice que Alejandro se tumbó sobre el cuerpo de Hefestión un día y una noche y durante muchos días sucesivos cayó en profunda depresión. Alejandro magno, murió en junio del año 323 a.c, a la edad de 32 años.
TÚPAC AMARU I Felipe Túpac Amaru es considerado como el último gobernador inca de la dinastía rebelde de Vilcabamba, que se levantó en contra los españoles. INICIOS DE UN LÍDER Amaru I nace en 1545, en una región actualmente conocida como Vilcabamba, en Ecuador. En el año 1570, Titu Cusi Yupanqui, el hermano de Túpac y líder Inca falleció repentinamente (algunos creen que fue envenenado por los españoles bajo la confabulación de los sacerdotes al envenenarle), dejando el cargo libre. Es en este momento que Amaru I toma el puesto como el cuarto Inca de Vilcabamba. Su hermano en vida se encontraba haciendo relaciones de negocios con los embajadores de la corona española que habían llegado a la zona, por lo que Túpac tuvo que seguir realizándolas con mala gana. Túpac I crea una celada, que al momento que se la realizan a las tropas, uno de los españoles, llamado Atilano de Anaya, huye despavorido junto a su escolta, pero en el camino a su cuartel fueron capturados por Curi Paucar, general inca, mientras intentaban pasar un puente. Obviamente, este hecho no fue de agrado para los españoles, y de tomar una actitud amable y de negocios, empezaron a tornarse violentos ante esa traición. Posteriormente, uno de los curas de Amaybamba declaró por fallecidos a los dos españoles, y el virrey peruano, Francisco Álvarez de Toledo, le declaró la guerra al imperio inca en el año 1572. LA GUERRA CON ESPAÑA Por el mandato del virrey, las tropas españolas fueron desplegadas para la expedición, liderada y encomendada a Martín Hurtado de Arbieto, quien finalmente conquistaría el imperio Inca junto a el secretario y alférez Pedro Sarmiento de Gamboa. También se les unirá a sus tropas el español Juan Álvarez Maldonado, debutando en la batalla como maestre de campo. El ejército antes de partir hacia el imperio inca contaba con 3000 hombres, y 2500 de ellos eran indígenas cañaris (antiguos enemigos del bando de Túpac). Por su parte, Amaru I comando un grupo de tan solo 2000 hombres, 500 de ellos eran de una supuesta tribu de caníbales, los Anti, o también llamados Los Chunchos. El general Pucar también se enlistó en las tropas, junto a otros personajes Incas importantes, como lo eran Coya Topa y Hualpa Yupanqui. Al momento de la batalla, el ejército español se dividió en dos, para poder atacar por dos zonas bastante fáciles de atacar. La primera por Cuquichaca, la otra por la región de Curahuasi. Sin embargo, la batalla terminó desencadenándose en una zona cercana al río Vicalbamba, llamada Choquelluca. Al momento de la gran batalla, las tropas españolas se vieron en una posición de defensa al inicio, por el gran poder e ímpetu de las tropas incas. Sin embargo, era evidente la ventaja de las tropas españolas, al poseer los arcabuces (armas de fuego similares a fusiles) ante tropas que estaban apenas armadas con indumentaria artesanal. Túpac se vio amenazado por la muerte de dos de sus coroneles de guerra, pero continuó la batalla. Al final del encuentro, se encontraba una pelea entre García de Loloya y el capitán Huallpa, este siendo asesinado por un disparo en la espalda por parte de una tropa española. Al perder la batalla, fue el inicio de la caída del imperio Inca: La ciudad fue completamente invadida por los españoles, apropiándose del palacio de Vitcos. Inga se rindió ante las fuerzas del ejército, y las tropas europeas acabaron con la resistencia rápidamente, el 23 de junio de 1572. Un día después, las tropas de Pedro Sarmiento y sus hombres tomaron por completo la ciudad de Villacamba, mientras que Amaru I, sus tropas que quedaban y sus familiares, huyeron hacia la selva. Estos fueron perseguidos, al igual que los demás miembros del clan Inca. Túpac resulta arrestado por 40 tropas españolas, las cuales se les había dado la orden de capturarle. Este, se mantenía a pie con los demás integrantes de su imperio, incluyendo su esposa que estaba en labores de parto, cosa que les atrasaba la huida. Finalmente, Amaru fue capturado y llevado a Cuzco para su ejecución, junto con su padre, esposa y hermano. Además de Amaru y sus familiares, también apresaron a cinco generales incas, los cuales fueron sentenciados a la horca. A Túpac trataron de atribuirle el cristianismo como religión, pero este se mostraba firme ante sus creencias. Su juicio fue dos días más tarde de la muerte de sus tropas. Fue culpado por la muerte de los sacerdotes de Urcos, de lo cual probablemente era inocente. En ese momento, fue sentenciado a la decapitación, la cual se la realizaron el 24 de septiembre de 1572, en frente de 10.000 personas.
RITCHIE VALENS Ritchie Valens es conocido por haber sido un músico estadounidense con ascendencia mexicana que fue pionero en la escena del rock and roll en los años 50. Aunque su carrera fue corta tuvo un gran impacto dentro de la industria y el movimiento del rock and roll en español. Nacido Richard Stevens Valencuela Reyes el 13 de mayo de 1941, en Pacoima, dentro del condado de Los Ángeles, California; Ritchie Valens creció escuchando mucha de la música tradicional mexicana a manos de sus padres, José Steves Valenzula y Concepción Reyes. No obstante, en sus primeros años de vida, también tuvo mucha exposición a música como la guitarra flamenca, el R & B y el blues. En contraste con esto, mostró mucho interés musical en poder tocar algún instrumento a partir de los cinco años de edad, por lo que su padre lo alentó a que aprendiera el arte de tocar guitarra y trompeta, aunque después aprendería a tocar batería de manera autodidacta. No obstante, mucho de su enfoque estuvo en la guitarra, y aunque fuera zurdo, aprendió a tocar de manera diestra. COMIENZO EN SU VIDA ESTUDIANTIL Una vez que empezó sus estudios de secundaria en el Pacoima Junior High School, tenía un amplio dominio sobre la guitarra, y ya a los dieciséis años de edad se une a una banda local llamada The Silhouettes. Y es aquí, cuando el vocalista abandona al grupo, Ritchie tomaría las veces de vocalista y el 19 de octubre de 1957 hace su debut en la banda, aunque también tocaba como solista en fiestas. Ya en 1958, es descubierto por Bob Keane, el presidente de Del-Fi Records mientras Ritchie tocaba para The Silhouettes en un local de un cine. Ante la presencia y talento de Ritchie, Keane quedó impresionado y lo invitó a su casa en Silver Lake, Los Ángeles, para poder grabar algunas canciones en su equipo de grabación. Aquí grabó algunas pequeñas caciones como Donna, canción que le cantó por primera vez a su novia Donna por teléfono, y Ritchies Blues. Luego, Keane invitaría a Ritchie a tocar en los estudios Gold Star, donde regrabarían las canciones anteriormente mencionadas con una banda. VIDA ARTÍSTICA Poco después, Richard Valenzuela, adoptaría el nombre artístico de Ritchie Valens para poder tener mayor influencia sobre el público de habla inglesa local, y graba de manera oficial la canción Come On, Let’sGo en el año 1958, junto a Framed. No obstante, su gran éxito y huella dentro de la escena del rock and roll, vendría después con su siguiente disco, en donde se tendría un doble sencillo de Donna, junto con La Bamba, una versión en rock and roll de la tradicional canción mexicana. Desde aquí su carrera despega rápidamente, empezando a hacer giras por Estados Unidos. No obstante, durante la gira Winter Dance Party, en 1959 el autobús en donde iban los artistas, incluido Ritchie, se estropea y lo lleva a él y a otros artistas a tener la idea de alquilar una avioneta para llegar rápidamente a su próximo concierto. Es aquí que el 3 de febrero de 1959, muere Ritchie Valens en un accidente de avión sin sobrevivientes debido al mal clima.
EMILIANO ZAPATA Emiliano Zapata, nació en el Estado de Morelos, México el 8 de agosto de 1879. De origen campesino, con gran destreza en las labores de ganadería y agricultura, habilidades que heredó de su padre. También venía de una familia de militares, algunos de ellos habiendo sido parte del ekército de José María Morelos y Pavón. A los nueve años empezó a presenciar muchas de las consecuencias del latifundismo porfirista, que terminó quitando las tierras de distintos campesinos a manos de los hacendados del lugar. A menudo se le escuchaba decir al pequeño Zapata que cuando creciera haría que le devolvieran las tierras a quienes las perdieron. Su padre murió a los once meses luego de fallecer la madre de Emiliano, quien tenía 16 años, en aquel momento. Esto lo terminaría empujando a trabajar como labrador y arriero para seguir evitando los momentos difíciles de la vida en pobreza. Los problemas no se hicieron esperar y al poco tiempo de morir sus padres, empezó a enfrentar dificultades. Fue en una fiesta patronal, en la que las autoridades lo aprendieron; en esa ocasión fue rescatado a la fuerza por su hermano, huyendo del pueblo y escondiéndose en la finca de unos amigos en otro estado, para evitar enfrentar alguna condena. Su misión como defensor de los agricultores más humildes, en contra de los hacendados más poderosos, empezó en 1906. Luego de un pleito en una reunión en Cuautla, se llegó a tal extremo que no hubo manera de evitar ser reclutado y desde aquel entonces empezó a prestar su servicio al ejército; dando inicio así, a su vida militar. Empezó formando parte del 9° regimiento de caballería. biografia de Emiliano Zapata ZAPATA MILITAR Aparentemente su rebeldía lo lleva a alistarse en el Ejército, pero esa fue la escapatoria que encontró para evitar su muerte, al ser perseguido por el padre de Inés Alfaro; joven a quien el rapto y con quien tuvo dos hijos, Elena y Nicolás Zapata Alfaro. Fue designado en el ejército como caballero del jefe del Estado Mayor, de Porfirio Díaz; más adelante ejecutó el mismo cargo al mando de Ignacio de la Torre, quien era yerno de Díaz y con quien sostuvo una relación de amistad al compartir un gusto en común por los caballos. En 1909, al ser parte de los fundadores del Club Mechor Ocampo, siendo un grupo que apoyaba la candidatura del momento de Patricio Leyva, quien buscaba hacerse con el poder polífico de Morelos. Desde este momento Zapata siempre fue abuerto en su oposición a lso latifundistas. Luego, ese mismo año es elegido calpuleque dentro de la Junta de Defensa de distintas tierras de Ayala. En este perido, se tomó a tarea de leer distintos documentos que se remontaban al virreinato, los cuales hablaban de cómo la tierra pertenecia al pueblo, aunque esto fuera totalmente inutilizado por las Leyes de Reforma. Todo este proceso, en realidad, teniendo un origen desde los primeros gobiernos conservadores. En 1910 forma nuevamente parte del noveno recimiengo de caballería, pero esta vez en Cuernavaca, como un simple soldado. Y, poco después, terminaría tomando violentamente las tierras que eran posesión de unos campesinos, aunque sería perseguido por el gobierno por esta y otras acciones, siendo catalogado como un bandolero. Con el firme propósito de derrocar a Porfirio Díaz y devolver las tierras a los campesinos, aparece el Plan San Luis, convocado por Francisco Madero, en 1910. Desde el exilio animaba para levantar las armas, acciones designadas por Madero a Pablo Torres Burgos y quien nombró Coronel del movimiento, a Zapata. Con la muerte de Burgos, Zapata toma la dirección como Jefe Supremo del Movimiento Revolucionario del Sur, desde donde empieza a tomar acciones por la reivindicación agraria. Tiempo después Zapata toma la ciudad de Cuautla, y desde allí empieza a distribuir las tierras, mientras se llevaba a cabo en todo el país, la revolución. A los seis meses cayó Díaz y huyo al exilio, dejando como interino a Francisco León de la Barra. Con la caída de Porfirio Díaz, viene el Plan Ayala. Al incumplir su promesa de devolver y distribuir las tierras a los campesinos, Zapata amenaza al presidente con expropiar a la fuerza dichas tierras, situación que genera entre Zapata y Madero ciertas discrepancias, pues Emiliano quería que de inmediato se devolvieran las tierras robadas y Madero, deseaba una reforma política, primero.
Roberto Carlos Cantante brasileño –En un mundo tan ingrato, solo tú Amada Amante lo das todo por amor– Uno de los cantantes más populares de Brasil. Canciones: Lady Laura, Amigo, El Gato Que Está Triste Y Azul... Género: Balada, Bossa Nova... Padres: Robertino Braga y Laura Moreira Braga Cónyuges: Cleonice Rossi Martinelli (m. 1968-979), Myrian Rios (m. 1980-1989), Maria Rita Simões (m. 1996-1999) Hijos: Ana Paula Rossi Martinelli, Rafael Carlos Torres Braga, Roberto Carlos Braga II, Luciana Carlos Nombre: Roberto Carlos Braga Moreira Voz de Roberto Carlos "Contigo conocí la grandeza del amor, la vida para mí tiene más valor, porque todo lo que siempre quise tener, ¡mucho más lo encuentro en ti!" Roberto Carlos Roberto Carlos nació el 19 de abril de 1941 en Cachoeiro do Itapemirim, en el estado de Espírito Santo, Brasil. Padres Hijo de Robertino Braga, un modesto relojero, y de Laura Moreira Braga, costurera. Católico ferviente. Marcado por un accidente ferroviario en su infancia en el que perdió la pierna derecha. Cuando tenía seis años, en las fiestas del patrón de su pueblo fue atropellado por una locomotora de vapor. Tuvieron que amputarle la pierna por debajo de la rodilla y desde entonces utilizó una prótesis. Cantante Roberto Carlos comenzó a cantar a los nueve años, en Radio Cachoeiro, en su ciudad natal. Trabajó de funcionario en el Ministerio de Hacienda antes de triunfar como cantante. Os Sputniks En 1957 formó el grupo Os Sputniks junto a Tim Maia y Erasmo Carlos y participaron en el programa Clube do Rock. Canciones Fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Su primera grabación como solista fue en 1959 para Polydor, Fora do Tom y João e Maria. El disco resultó un fracaso. Firmó con Columbia y en 1960 nuevamente con composiciones de Carlos Imperial apareció Canção do Amor Nenhum y Brotinho Sem Juízo. En 1961 grabó su primer LP, Louco Por Voce. Un año después lanzó Malena, de Rossini Pinto, y Fim de Amor. Su orquesta estaba formada por 32 músicos, posteriormente se redujo a 16 tras la aparición de los sintetizadores. Su inconfundible voz trascendió las fronteras nacionales y fue el artista brasileño que más discos vendió en el mundo, con más de 120 millones de copias. En 1963 salió Splish Splash y en 1964 ganó gran fama conduciendo junto a Erasmo y Wanderléa el programa televisivo Jovem Guarda, título también de un LP que grabó en 1965. Obtuvo varios éxitos durante los sesenta: O Calhambeque, Eu Estou Apaixonado por Voce, Um Leão Está Solto Nas Ruas, História de Um Homem Mau, É Proibido Fumar, Maria, Carnaval e Cinzas, Eu Sou Terrível, De Que Vale Tudo Isso, Namoradinha de um Amico Meu y Nossa Cançao. Lady Laura fue un tema que dedicó a su madre Laura Moreira Braga, una añoranza sobre sus tiempos de niñez. Fue invitado al Festival de San Remo 1968, donde compartió Canzone per Te con Sergio Endrigo (autor de la canción) obteniendo el primer puesto. Editaba dos discos por año, uno en portugués y otro en castellano, tradición que abandonó en 1994. Durante 50 años de vida musical de O Rei, fue considerado como el más popular de los artistas brasileños. Reapareció en noviembre de 2000, en el estadio Geraldão de Recife, con el espectáculo Amor Sem Fim, dedicado a la memoria de su esposa. Reconocimientos En 2010 recibió el premio de Sony Music en Nueva York por sus 100 millones de discos vendidos. En noviembre de 2015 la Academia Latina de la Grabación (Latin Grammy) le reconoció como persona del año. Parejas e hijos Con veinticinco años mantuvo relaciones con María Lucila Torres, con la que tuvo a su primer hijo, Rafael, que no reconoció por entonces. En 1991 una demanda le obligó a darle su apellido, Braga. Poco después, María moría de cáncer. Se casó en 1968 con Cleonice Rossi Martinelli, a la que conoció siendo asistente social, ella ya tenía una hija; en el matrimonio tuvieron otros dos, Roberto y Luciana. Tras 12 años de convivencia se separaron. Cleonice falleció de una enfermedad cancerígena. Después estuvo casado con la actriz Miriam Ríos, desde 1980 hasta 1989. En 1996, contrajo matrimonio con la pedagoga María Rita Simöes, que también falleció de cáncer en 1999.
Nombre: Elvis Presley Nace: 8 de enero de 1935 En: Tupelo, Mississippi Muere: 16 de agosto de 1977 Categoría: Cantantes A pesar de los años transcurridos desde su muerte, nadie ha conseguido arrebatar a Elvis Presley el titulo del rey del rock. Su música cambió una época que sigue viva. Vida y trayectoria Elvis Aaron Presley nació en Tupelo, Misisipi, el 8 de enero de 1935. Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys , fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. La familia sufrió muchas dificultades económicas, por lo que emigraron a Memphis, en busca de una vida mejor. Elvis recibió de su padre su primera guitarra cuando cumplió los 10 años. En 1954, cuando tenía diecinueve años, grabó un disco con dos temas para regalárselo a su madre por su cumpleaños. Varias veces más volvió a los estudios Sun Records para repetir sus sencillas grabaciones, hasta que el propietario de la compañía escuchó los temas y tres meses después le contrataba para editar su primer disco profesional, que fue un gran éxito en la ciudad. En 1955, Elvis era ya muy popular en Memphis y en el sur de los Estados Unidos, por lo que no le resultó difícil cambiar su pequeña discográfica por la RCA. Con su primer tema para la nueva discográfica, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno. Antes de su ingreso al servicio militar, ya había roto todos los récord de venta con sus discos y había protagonizado cuatro películas de enorme éxito popular. Entre 1958 y 1960, durante su servicio militar, fue destinado a Bad Nauheim, una base militar que Estados Unidos poseía en Alemania, en calidad de conductor de tanques. Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu. Tras ese periodo, regresó a los escenarios como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo algunos temas. La presencia de Elvis en el show constituyó todo un éxito de audiencia, al superar los 40 millones de espectadores. En los años 1960, se dedicó al cine. Rodó 31 películas, casi todas de mala calidad. El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann-Beaulieu, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley. Tres años después de la boda, la pareja se divorcia. En los años siguientes, siguió acaparando las primeras posiciones de los hits parades y protagonizó existos conciertos y apariciones en televisión. Así, por ejemplo, en 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el Hawaii, que fue visto por un número estimado de 1.500 millones de personas. Los años setenta quedaron también marcados por su transformación física, derivada de los excesos alimentarios y de su dependencia a algunas sustancias estupefacientes. Su último concierto tuvo lugar el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Idiana’s Market Square Arena. En la madrugada del 16 de agosto de 1977, Elvis regresó a su mansión de Graceland después de una consulta dental y dispuesto a notar por la noche vuelo para Portland. Sin embargo, su cuerpo es encontrado inconsciente en el baño de su habitación. Trasladado al hospital Baptist Memorial en Memphis, falleció muy poco después. A pesar de los años trascurridos, su casa-mansión Graceland sigue siendo visitada y venerada por miles de personas cada año.
El 5 de mayo de 1968, es fundada en la Ciudad de La Habana, por el notable saxofonista Daniel Rojas, la Orquesta Monumental devino raigal cultivadora de nuestros géneros y formas musicales más representativas. Agrupación que configura un formato instrumental cercano a la jazzband o banda cubana, a través de la radio, televisión, espectáculos de cabarets, bailables, fiestas de carnaval, festivales e importantes concursos nacionales, escaló rápidamente en el beneplácito popular. En su significativo quehacer musical, la Orquesta Monumental recreó con gran acierto diferentes géneros y formas de la tradición en estrecha mezcla con las sonoridades del momento, no solo de la música popular cubana, sino también de lo más representativo de algunos enclaves del caribe insular, en especial el merengue, la plena y la bomba puertorriqueña. Aunque para la suma de su amplio repertorio, no desdeñaba alcances certeros hacia ritmos legítimos de zonas continentales con afluentes en la cuenca del Caribe, entre otras, músicas de Venezuela y Colombia y que de manera experimental, mezclaba con el son, la rumba, el chachachá, el danzón, el bolero y la guaracha, en un loable oficio para su orquestación. Esta agrupación en cada uno de sus temas exhibe un excelente trío de voces encabezado por Arturo Clenton, quien pegó numerosos hits musicales en el gusto popular; Andrés Hidalgo y Lorenzo Esquivel, además cultores con acierto de la balada, la canción y la bossa nova. Sin dudas, la Orquesta Monumental ha dejado para el recuerdo, un legado de fieles interpretaciones de lo más genuino de la música popular bailable de Cuba.
MUHAMMAD ALÍ Cassius Marcellus Clay, el famoso Muhammad Alí, nació el 17 de enero de 1942 en Kentucky, Estados Unidos. Hijo de Cassius Marcellus Clay y de Odessa O’Grady, creció con una familia conformada por cuatro hermanos y una hermana. Tenía raíces afroamericanas y con linaje europeo. Su nombre fue Cassius Marcellus Clay, pero en 1964 decide convertirse al islam y asumir el nombre de Muhammad Alí con el que caminaría a la Muhammad Alí posteridad. CARRERA Su comienzo en el boxeo fue prematuro, motivado por una pelea callejera la cual consiguió ganar, y sus amigos cercanos lo exhortaron a dedicarse y formarse con este deporte. Conoce a Chuck Bodak, quien se convertiría en su entrenador en los primeros años de su carrera. En sus triunfos destacados esta su récord de cien victorias y con tan sólo cinco perdidas, así como la medalla de oro de los Juegos Olímpicos de 1960 en Roma. Su enorme destreza residía en su gran rapidez en cuanto al movimiento de pies y manos. Al momento en que derrotó a Sonny Liston, quien era campeón mundial de boxeo, se convierte en el mejor y más grandioso boxeador del siglo XX. Se negó en la década de los sesenta a alistarse en el ejército arguyendo pertenecer al pueblo musulmán; tomada esta acción como rebeldía le trajo como resultado cinco años de prisión, y una gran multa de dinero, así como también la pérdida del título. Luego de su retorno y de su derrota frente a Joe Frazier pierde el título, sin embargo, lo recupera cuatro años más tarde al ganarle a George Foreman. Y su última pelea derrotado contra Trevor Berbick fue el 11 de diciembre de 1981. Al pasar de un tiempo del abandono el ring, se le diagnostica con Parkinson, enfermedad común entre los practicantes de este deporte violento. Después de su retiro comienza a abogar por los derechos de los afroamericanos. A pesar de haber dejado de pelear, Muhammad Alí continua con sus apariciones en público; fue elegido para encender la llama de los Juegos Olímpicos de Atlanta en 1996, y luego llevar la bandera olímpica en los Juegos Olímpicos de Londres en 2012. Fallece en un hospital de Phoenix el 4 de junio de 2016, había ingresado por dificultades respiratorias.
Carlos Oliva... cantante, músico, compositor, productor, director de la orquesta Los Sobrinos del Juez. Nació el 15 de febrero en Sancti Spíritus, Las Villas. Demostró sus aptitudes musicales desde muy temprana edad y muy joven dominaba las congas, bongoes, batería Salió de Cuba en 1961, vía Colombia y ahí se radicó en Estados Unidos. Debido a sus vínculos con la Juventud Católica Cubana, comenzó a trabajar en el campamento “Matecumbe” de la “Catholic Welfare” a través del programa “Pedro Pan” donde sirvió como instructor o “consejero”, atendiendo a los niños que llegaban sin sus padres. En sus momentos libres compartía con otros muchachos, que como él sentían la inclinación y la afición por la música; uno de ellos era Willy Chirino. Con su entusiasmo y optimismo forma un trío, y comienza a actuar en el Hotel Sands de Miami Beach. Es ahí donde conoce a Julio Gutiérrez músico, arreglista y compositor cubano de la década de los 40, autor de los legendarios boleros “Inolvidable” y “Llanto de Luna” y se fueron a New York junto con Willy Chirino, el pianista Robertico Lozano y el tenor Héctor Fernández; luego Chirino regresó a Miami y Carlos se quedó cantando y tocando batería en la Orquesta de Julio Gutiérrez. En 1967, todavía en New York organizó un trío con Eddy Elmer y Héctor Fernández, quien después, ya en Miami, sería sustituido por su hermano Javier Oliva. Así surgieron “Los Sobrinos del Juez”, (The Judge’s Nephews) nombre inspirado en la famosa frase de Sammy Davis Jr... “Here comes the Judge”. Tuvieron una exitosa temporada en el restaurante “The Forge” en Miami Beach, donde comenzaron a interpretar temas como “La Guantanamera” y “Cu cu rru cu cú, paloma” a ritmo de rock y temas de Stevie Wonder en tiempo de son y guaracha comenzando así a experimentar y desarrollar lo que más adelante sería conocido como “El Sonido de Miami” de ahí que el Times Magazine lo acredita como el precursor de este popular sonido musical. En esa época, una de las asiduas visitantes a “The Forge” era la actrtiz cinematográfica Connie Stevens. A ella y a su representante les llamó la atención el estilo único de los “Los Sobrinos del Juez” y los contrataron para hacer una larga temporada en los principales escenarios de Las Vegas, donde tuvieron una acogida sin precedentes llegando a actuar en el Mike Douglas Show de la NBC Televisión. Ya se habían grabado dos discos de larga duración con muy buena acogida a nivel local cuando sucedió lo inevitable... el éxito internacional “Glorioso San Antonio”, de la autoría de los brasileños Antonio Carlos y Jocaffi. A partir de ahí han venido cosechando éxitos tales como “Pelotero La Bola”, “Ekelecuá”. “Díme si te gusto”, “Vehículo”, “Yayabo” “Nada como Miami” y muchos más. Corría el año 1974 y fue por esa época que un joven e inquieto admirador de “Los Sobrinos del Juez” llamado Emilio Estefan y quien dirigía un grupo musical masculino “Miami Latin Boys” le pidió a Carlos que lo ayudara a grabar un disco. En ese tiempo Oliva grababa para el sello “Audio Latino” propiedad de Tomás Fundora, y éste le dijo “Si tú lo produces, yo lo grabo”. En ese momento acababan de ingresar al grupo Gloria Fajardo y su prima Mercy, por lo que se les ocurrió “bautizarlos” como “Miami Sound Machine”, lo demás es historia. En 1979, Oliva fundó su propia compañía disquera “Common Cause Records”, “Causa Común”, para continuar con el trabajo que había iniciado como productor, no solamente de Miami Sound Machine sino también de Frankie Marcos y su grupo Clouds y de William Sánchez, ex director musical de la orquesta de “Sábado Gigante”. Todos talentos residentes en Miami. Carlos Oliva junto a su amigo, arreglista y asociado Camilo Valencia han sido los creadores de temas musicales para innumerables shows de televisión como Sevcec, Padre Alberto, Casa Club Magazine, además de “Cristina” y “Ocurrió Así”, ambos ganadores del BMI Latin Awards. Ha escrito más de 100 comerciales de radio y televisión entre los que se destacan: Budweiser, Coors Light, Kellogg’s, Mac Donalds, RC Cola, Pollo Tropical, Entenman’s, Bacardi Breezer, Sears, Lipton, Brandsmart y Ford Motor Company, de quien fuera el vocero para la comunidad Hispana del sur de la Florida. Ganador de muchos reconocimientos y premios como del preciado “Emmy Award” por la música de la campaña “Pégate al 23”, del Canal 23 en Miami, filial de Univision Network. (Datos extraídos del libro “Son y Sazón Cubano” de María Argelia Vizcaíno donde el artista participa aportando su receta favorita de la cocina cubana). Ganador del Premio a la Cubanía. Los Sobrinos del Juez, están cumpliendo 50 años de fundada en este 2017 y Carlos celebra sus 54 años de carrera artística y es por ello que pedimos que sea nombrado una calle con su nombre, mérito correspondiente a una figura artística que durante su carrera ha sido ejemplo de ser humano en su vida personal y publica por sus contribuciones a las causas nobles y sociales.
El Soul es un estilo cuya procedencia resulta de la fusión del Gospell, música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas, así como del R&B y el pop. Hasta los años 60 no aparece este término para designar este tipo de música, la cual tiene un gran contenido social contra la segregación racial ya que en sus orígenes, es un movimiento musical exclusivamente negro. Esta tipo de música fue un medio de expresión desde finales de los 50 de un sector de la sociedad en condiciones de extrema pobreza. Lo que en un principio eran canciones de amor luego se convertirían en canciones de crítica y de protesta. Esto dio lugar a que el público blanco, que en sus inicios, acogió muy bien a este género, diera la espalada a finales de los 60 al mismo , debido a su contenido social y de crítica. Posteriormente desaparecería la etiqueta que se le daba a este estilo de música racial siendo aceptada por toda la población. Uno de los cantantes más representativos del Soul, fue Sam Cooke , se convirtió en el primer artista de color en triunfar en el panorama musical en la década de los 60 y 70. Tuvo una corta carrera musical, desde 1950 hasta 1964 año en el que murió asesinado, aunque ejerció una fuerte influencia en todos los músico
MOVER PROFÉTICO DE DIOS CON: JESUS VAZQUEZ La administración de la revelación de los secretos y misterios de Dios La Palabra de Dios dice 1 Corintios 2: 9-10 “Antes bien,como está escrito: Cosas que ojo no vio, ni oído oyó, Ni hansubido en corazón de hombre, son las que Dios ha preparadopara los que le aman. Pero Dios nos las reveló a nosotros porel Espíritu; porque el Espíritu todo lo escudriña, aun loprofundo de Dios.”En el reino de Dios existen cosas secretas y reveladas comolo expresa Deuteronomio 29:29 dice: “Las cosas secretas pertenecen a Jehová nuestro Dios; mas lasreveladas son para nosotros y para nuestros hijos para siempre, para que cumplamos todas laspalabras de esta ley.”Las cosas reveladas no necesitan descubrirse pero existen secretos y misterios del Reino que Dios síquiere que conozcamos y que solo pueden ser obtenidos por medio del Espíritu Santo. El Señor noquiere guardarse esos secretos sino compartirlos con los suyos, como dice Amós 3:7 “Porque no haránada Jehová el Señor, sin que revele su secreto a sus siervos los profetas.” Además, Dios quiere que los suyos administren bien lo que él les revela. En 1 Corintios 4:1 leemos:“Así, pues, téngannos los hombres por servidores de Cristo, y administradores de los%2
DEFENSORES DE LOS DERECHOS HUMANOS CÉSAR CHÁVEZ (1927-1993) Trabajador agrícola mexicano-americano, líder sindical y activista de derechos civiles César Chávez trajo mejores condiciones para los trabajadores agrícolas. Nacido en la granja de su familia en Yuma, Arizona, Chávez fue testigo de las severas condiciones que los trabajadores de la granja soportaban. Los trabajadores eran rutinariamente explotados por quienes los empleaban, a menudo sin recibir paga, viviendo en chozas a cambio de su trabajo, sin servicios médicos, ni otros servicios básicos. Sin una voz que los uniera, no tenían medios para mejorar su posición. Chávez cambió eso cuando dedicó su vida a lograr el reconocimiento de los derechos de los trabajadores agrícolas, inspirándolos y organizándolos en la National Farm Workers Association (Asociación Nacional de Granjeros), la cual más tarde se convirtió en United Farm Workers (Granjeros Unidos). Mediante marchas, huelgas y boicots, Chávez obligó a los patrones a pagar salarios adecuados y a proporcionar otros beneficios, y fue el responsable de que la legislación pusiera en ejecución la primera declaración de derechos para los trabajadores agrícolas. Por su compromiso con la justicia social y la dedicación de toda su vida al mejoramiento de las vidas de otros, Chávez fue
Nina Simone Su nombre real era Eunice Kathleen Waymon, pero sería como Nina Simone como pasaría a la historia de la música, gracias a su particular estilo, en el que mezclaba un rango vocal contralto con una fuerza y una pasión jamás antes vistas. Esta gran artista dejaba mucho espacio a la improvisación, lo que suponía una buena muestra del sentimiento con que se subía a los escenarios y que se vio reflejado en canciones inolvidables como “Feeling Good” o “My baby just cares for me”. Simone también dedicó su vida a luchar por los derechos civiles, lo que demuestra su carácter ya que era una mujer negra en un país que tenía estados donde se permitía la segregación racial, ¿curioso, no? De hecho, se fue para siempre de Estados Unidos cuando asesinaron a Martin Luther King.
Ella Fitzgerald Ella Jane Fitzgerald fue considerada la Reina del Jazz, aunque su capacidad artística iba mucho más allá, pues era capaz de ofrecer grandes interpretaciones en otros muchos estilos. Ella fue muy tranquila, supo cómo manejar la fama que tenía y eso no solo le permitió seguir evolucionando, sino que además le llevó a ser reconocida con 14 premios Grammy y galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos. Ella Fitzgerald cantó de todo y todo lo cantó bien, aunque en el recuerdo siempre tendremos canciones como “Dream a Little Dream of Me” junto a Louis Armstrong, así como las legendarias rolas “Cheek to Cheek“ y “Summertime”, también con el genial trompetista. También cabe destacar que Frank Sinatra era un gran fanático suyo y trabajaron juntos en temas como “The Lady Is A Tramp”.
Harriet Tubman condujo a cientos de personas esclavizadas a la libertad Biografía de Harriet Tubman Harriet Tubman escapó de la esclavitud para convertirse en una líder abolicionista. Ella condujo a cientos de personas esclavizadas a la libertad a lo largo de la ruta del Ferrocarril Subterráneo. Nacida en la esclavitud en Maryland, Harriet Tubman (c. 1820 al 10 de marzo de 1913) escapó a la libertad en el Norte en 1849 para convertirse en la más famosa “conductora” del Ferrocarril Subterráneo. Harriet Tubman Foto Pixabay Tubman arriesgó su vida para llevar a cientos de miembros de su familia y otros esclavos del sistema de plantaciones a la libertad en esta elaborada red secreta de casas seguras. Un líder abolicionista antes de la Guerra Civil Americana, Tubman también ayudó al Ejército de la Unión durante la guerra, trabajando como espía entre otros papeles. Tras el final de la Guerra Civil, Tubman dedicó su vida a ayudar a los antiguos esclavos empobrecidos y a los ancianos. En honor a su vida y por demanda popular, en 2016, el Departamento del Tesoro de Estados Unidos anunció que Harriet Tubman reemplazará a Andrew Jackson en el centro de un nuevo billete de 20 dólares. Harriet Tubman y el nuevo billete de 20 dólares En%
Nocturno: ¿por que nació ese espacio musical. Andrés Pascual Su primer locutor fue el pinareño Julio Capote que emigro a Venezuela en 1968, donde alcanzo el éxito absoluto junto a una de sus hijas. A partir de Julio, las voces se buscaron lo más parecidas posible a la del iniciador: Juan Jose Gonzalez Ramos o Pastor Felipe por ejemplo. ... En 1965 el Ministerio de Cultura envió en "viaje de buena voluntad" a Francia a un grupo de los mejores cantantes y agrupaciones que quedaban en Cuba con el nombre de "Music Hall Cubano"; el espectáculo, en forma de revista, se presento en el famoso Olimpia de la capital gala y siguió su gira por los países del Pacto de Varsovia: Pello el Afrokan y su orquesta, a la que se refirió un agudo cronista musical francés así, "…el espectáculo de tambores fue opacado por el sonido al garete de las mas desafinadas trompetas que jamás soplaron en este país…", la Aragón, Los Zafiros, Jose Antonio Mendez…fueron la mercancía. Lo positivo fue el encuentro de la música cubana con la balada francesa e italiana que se conocía subrepticia y extraoficialmente que, desde 1966, Georgia Gálvez, Luisa Maria Güell, Los Meme, Danny Puga, Regino Tellechea y varios más se encargarían de difundir e imponer en un desliz de la férrea censura de la época. Antes de Nocturno existía Sorpresa Musical, conducido por Agustín "Chucho" Herrera y dedicado a un público más amplio que la juventud en el que se difundía solo a cubanos solistas y agrupaciones bailables de éxito como Neno Gonzalez y Aragón; su tema musical era "Una casita portuguesa", instrumental por Frank Pourcell que cambio en 1967 a "Mi verdad", también instrumental, por Paul Muriat. Sorpresa modifico su programación a totalmente juvenil con participación internacional a mediados de 1967. Pero Nocturno nació con un poema y una canción y el tema "La muchacha de la valija" instrumental por Fausto Papetti de la película homónima interpretada por Claudia Cardinale; también con participación cubana y alguna internacional: Elena, Luisa Maria, Georgia, los Meme o Felipe Dulzaides con "Elisa", de la música de Legrand de Los Paraguas de Cherburgo; o Renata, Herve Vilar, Daniel Velásquez o Giancarlo Guardabassi…y durante 1967 fue que entraron los ingleses como The Animals, que los programaron antes que a The Beatles, con "Sky Pillow". Los de Liverpool se oyeron en Nocturno por primera vez con ¡Hello, Good Bye! A mediados de año. Enrique Guzmán se oyó en Cuba desde 1960 con los Rebeldes del Rock; después, a partir de 1965, como Cesar Costa, Alberto Vazquez y Palito Ortega con "Despeinada". Sandro fue escuchado por primera vez en Sorpresa con "Así", en 1969, como Salome, Marisol, Los Angeles Negros, Los Módulos, Lito Nebia y Los Gatos con "Viento, dile a la lluvia"; o Los Apson de Méjico. En 1966 Rosita Fornes canto con Eddy Gaytan "Ninguno me puede juzgar", de Tony Dallara, que se escucho al año siguiente en radio con "Una noche en Palma de Mallorca" y "Margarita" por el propio italiano; "Sabor a Sal" fue un éxito a finales de 1966 por el ex futbolista español Jose Guardiola; Rafael inauguro su era en Cuba con "Yo soy aquel" a mediados de 1966; Luisa Maria estreno para Cuba "No tengo edad", un premio 1965 de Gigiola Cinquietti en San Remo y el éxito de Aznavour "Y por tanto", pero lo mejor de ella fue "Canto al Amor"; de Rita Pavone, en 1967, "A mi edad", que había sido el tema musical de uno de los cuentos del filme italiano de 1962 visto en Cuba, "Rogopag"; Donatella Moretti fue fuente de adaptación para Luisa Maria con "Te veo marchar"; Renata deslumbro con "Abrázame fuerte", pero yo preferí la versión de Martha Strada; Jimmy Fontana con "Un mundo"; "Una casa en la cima del mundo", italiana, la cantaron varios cantantes en Cuba; Gianni Morandi le prestó en 1967 a Jorge País "A que tu mama ahora te mande" y el italianito debuto en radio con "Orgullo" y "No soy digno de ti", versiones en español, en 1968 y 1967, igual que Nicola de Bari con "Giramondo" y "Si yo te hablara de mi". El dúo Dinámico, Los Mustangs, Los Salvajes, Los Doble Cero… a partir de 1967. En 1968 los Rocking Devils, los Yaquis o los Johnny Jet, de Méjico. Manzanero, finales de 1967 y Angélica Maria en 1969 con Jose Jose y Camilo Sesto en 1970 y 1971. Serrat y Alberto Cortez en 1969 ambos; pero Los 5 Latinos cantaron "En un Rincón del Alma" en 1968 en Nocturno; así como los Javaloyas y la Formula 5ta. o Los Pasos, Los Sirex, Los Angeles y Los Diablos. A mediados también de 1967 y por la influencia de Nocturno y de Sorpresa nació, en las voces de Mariana Ramirez Corria y de Manolo Ribeiro, Festival, en la usurpada CMQ, rebautizada por la horda Radio Liberación, a las tres de la tarde, con una hora de duración que después paso al horario de las 6 de la tarde.
MICHAEL JORDAN Michael Jordan, es un jugador de baloncesto cuyo nombre completo es Michael Jeffrey Jordan. De Nueva York, nació el 17 de febrero de 1963. Aunque nació en Brooklyn creció en Wilmington, Carolina del Norte. Es el dueño del equipo Charlotte Hornets de la NBA. Michael, es el número 4 de una familia de 5 hijos. Dos varones y dos hembras: Larry, James, Delores y Roslyn. Contrajo nupcias en 1989 con Juanita Vanoy y tuvieron 3 hijos: Jeffrey, Marcus y Jasmine. Se separaron en el 2000 pero no es sino hasta el 2002, cuando se divorcian. Por esta primera década del 2000, Michael debió afrontar múltiples problemas personales como una paternidad endilgada por su ex amante, quien le exigía 5 millones de dólares por indemnización. Jordan pudo demostrar la falsedad de la acusación. En sus años de preparatoria en la Emsley A. Laney, practicó varios deportes: futbol americano, béisbol y baloncesto pero en este último, fue retirado cuando iba por su segundo año, debido a un aceleramiento en su crecimiento corporal. Sin embargo, luego fue contratado por los equipos McDonald’s All-American Team. Jordan, obtuvo una beca para estudiar geografía en la Universidad de Carolina y jugar en su equipo de baloncesto , allí lo entrenó Dean Smith uno de los entrena
B.B. KING B.B. King fue un músico estadounidense del género musical Blues. Su nombre completo es Riley Ben King, apodado El Rey del Blues. Nació en Ita Bena, Missisipi, el 16 de septiembre de 1925. Introdujo el estilo de solos y vibratos que luego usaron los guitarristas del Blues eléctrico. Hijo de Albert King y Nora Ella Farr, ambos trabajadores de una plantación de algodón. En 1930 sus padres se separaron, y con la precariedad en la que quedó su madre, decidió enviar a su hijo con la abuela. Esta nueva vida lo llevó a cantar Gospel en la iglesia baptista a la que ella pertenecía. Mientras esto ocurría, la madre de Riley murió. A los 12 años adquirió su primera guitarra. En 1943 decidió trabajar como chofer de tractores pero al mismo tiempo tocaba en iglesias y estaciones de radio con el Famous St. John’s Quartet. Se casó dos veces y tuvo 15 hijos, algunos propios y otros adoptados. Era vegetariano y admirador de Frank Sinatra. WORST COLLEGES IN AMERICA (FLORIDA TOPS THE LIST) AD BY BONVOYAGED.COM SEE MORE EN LA MÚSICA Por los años 50 B. B King, fue el hombre más importante del rhythm and blues un género compuesto por Jazz, Gospel y Blues, y hacia 1955 ya su nombre ocupaba los primeros puestos
CHICO MENDES Chico Mendes es el apodo de Francisco Alves Mendes Filho un activista ambiental de origen brasileño, nacido el 15 de diciembre de 1944 en Xapuri, un municipio muy pequeño que antes fue territorio boliviano. Chico Mendes fue líder sindical. Mendes, trabajó desde la edad de 9 años. Se dice que no aprendió a leer y a escribir sino hasta los 24 años, aunque algunas biografías señalan que fue a los 14, lo cierto es que la alfabetización llegó tarde a la vida de Chico Mendes. De todas formas, en la selva amazónica, era común el analfabetismo, su padre poco leía y el resto de los saringueiros tampoco. Era una comunidad muy ignorante, ya que el Estado brasileño no se ocupó en muchos años de proporcionar educación y salud a sus pobladores. No obstante su analfabetismo y poca instrucción, no impidieron que su ánimo estuviera enfocado en impulsar el Consejo Nacional del los Seringueiros, con el cual, se abocó a la defensa de Acre y de los indígenas recolectores de caucho. Francisco Mendes, conocía la selva como a la palma de su mano y así lo enseñó a su hijo. Conocía los usos de las plantas medicinales, distinguía los peces y la hora adecuada para pescar. En resumidas cuentas, fue conocedor cabal de la Amazonia
MAHOMA Mahoma es un profeta árabe a quien se le atribuye la fundación de la religión islámica. Nació en La Meca, una ciudad de la región de Hiyaz en Arabia Saudita, en abril del año 570 de nuestra era. Pertenecía al clan de los Cachemires una de las tribus más importantes del mundo árabe. Su nombre en árabe fue Abd Allah ibn Abd al-Muttalib, hijo de Abd al-Muttalib y Amina bint Wahb, quedó huérfano a los seis años, pero su tío Abú Talib, se hizo cargo. Junto a él realizó numerosos viajes y conoció el mundo del comercio. Se casó a los 25 años con Jadicha, una viuda rica para quien trabajaba. De esa unión nacieron seis hijos: dos varones y cuatro mujeres. Los dos varones murieron durante la infancia. Sus hijas llevan por nombre: Záinab, Ruqayyah, Umm Kulthum y Fátima. Fátima es la hija de Mahoma, más famosa, ya que fue ella, con su matrimonio con el Califa Ali ibn Abi Tálib, quien le dio continuidad consanguínea al mahometanismo a través del califato, su esposo fue el primer hombre en convertirse al Islam. Se cree que Mahoma era analfabeto, pero conocía, a través de la cotidianidad y el roce con pequeñas comunidades de La meca y por sus viajes, al cristianismo, judaísmo y otra
JESÚS DE NAZARETH Jesús de Nazareth, es un personaje religioso, líder del cristianismo. Sus ideas han servido no solo como guía para la vida personal sino, como bandera política, pero a pesar de ser el líder más reconocido en todo el planeta, es poco lo que se sabe con exactitud sobre su vida. Nació en Belén, Judea, cerca del año IV, es también llamado el Cristo, que en hebreo significa Mesías. Aunque no existe mucha información sobre su vida personal, los cuatro evangelios del Nuevo Testamento, relatan la vida pública de Jesús de Nazareth. En principio, cuentan que fue hijo de un carpintero: José, desposado con María, pero que su concepción no fue carnal sino, un milagro por hipóstasis, de esta manera, queda asegurado el ungimiento de Jesús y su autorización divina para salvar a los hombres del pecado. Sobre su origen solo hay referencias en los Evangelios de Mateo y Lucas. En el de Mateo, se presupone que al momento de su nacimiento, sus padres, vivían en Belén y que por el dictamen de Herodes, de matar a los recién nacidos, huyen a Egipto donde permanecen hasta su muerte. El Evangelio de Lucas, por su lado, da cuenta de que sus padres, vivían en Galilea de Nazareth pero que viajaron a Belén a censars
Mata Hari fue una bailarina holandesa y espía de la Primera Guerra Mundial. Fue acusada por Francia por espionaje a favor de Alemania. La espía más famosa de todos tiempos nació en Leeuwarden, Holanda, el 7 de agosto de 1876. Murió el 15 de octubre de 1917 cerca de París, fusilada por las autoridades francesas.
¿Piloto de avión controlado por extraterrestres? Extraño audio con controvertido mensaje Experiencia revela la grabación de la misteriosa conversación que sostuvo el protagonista con la torre de control. CASO RAFAEL PACHECO (OVNIS EN MEXICO) | En torno al fenómeno OVNI existen múltiples relatos de personas que dicen haber visto de cerca naves de procedencia desconocida. Sin embargo, la mayoría de los casos son desestimados por los expertos, ya que provienen de gente que no tiene muchos conocimientos sobre aeronáutica moderna. Es por ello que siempre cobra importancia lo que dicen al respecto los pilotos de aviones o de helicópteros, o los controladores del tráfico aéreo sobre esta temática. En este contexto, una increíble historia le ocurrió al mexicano Rafael Pacheco Pérez, un estudiante de vuelo el 21 de junio de 1976. Ese día, a eso de las 8 de la mañana, Pacheco iniciaba sus prácticas en la Ciudad de México sin saber que más tarde, su avión se perdería de los radares por cerca de una hora. Esto generó un alto grado de preocupación entre sus compañeros y su instructor que lo salieron a buscar. La búsqueda culminó horas más tarde cuando lo encontraron en una base de Acapulco. Foto: conspiraciones1040.blogspot
ISAAC NEWTON Isaac Newton nació el 4 de enero de 1643 en Inglaterra. Su madre deseaba que pequeño fuera granjero, pero sus dotes y talento en las ciencias tuvo más fuerza y fue lo que impulsó su carrera en la Universidad de Cambridge, allí se preparó adecuadamente, recibiendo los conocimientos de los mejores filósofos y científicos de aquella época. Un camino académico que muy pronto dio un giro inesperado; convirtiéndose las matemáticas y la física como el foco de su investigación, dando como resultado a sus 29 años, gran cantidad de teorías y escritos. La Revolución Científica del siglo XVI tuvo un protagonista muy valioso, Isaac Newton, entre sus muchos logros, se destacan: el teorema del binomio o el hallazgo del cálculo integral, la mecánica clásica. El primero contribuyó a la renovación casi plena de la matemática. Sin embargo, la física fue la pieza clave y fundamental, para que Newton se posesione como el mejor, a diferencia del resto de pensadores de la época. Aportes tales como: la elaboración del primer telescopio reflector, la teoría sobre la naturaleza corpuscular de la luz, la descomposición de la luz blanca por medio de un prisma, entre otros estudios los aspectos de la termodinámica, la acústica y l
RUBÉN AGUIRRE Rubén Aguirre Fuentes, el famoso Profesor Jirafales de la inolvidable serie El Chavo del 8, nació el 15 de junio de 1934, en Coahuila, México. Este talentoso actor y humorista de cine y televisión, fue hijo del hogar conformado por María Victoria Fuentes de Aguirre y Rubén Aguirre Flores. Su formación profesional la obtuvo en la Escuela Superior de Agricultura Hermanos Escobar, donde recibió el título como ingeniero agrónomo, sin embargo, el mundo entero lo conoce y recuerda por sus grandes actuaciones tanto en la pantalla grande como en la chica. En 1960, contrajo matrimonio con Consuelo De Los Reyes y fruto de esta unión, tuvieron 7 hijos. Dos años después, trabajo como coronista taurino, labor que supo alternar con la actuación hasta 1970. RUBÉN Y “EL SHORY” Tuvo la oportunidad de conocer al “grande de los grandes” es decir a “Chespirito”, Roberto Gómez Bolaños. Una amistad que día a día se fue consolidando no solo a nivel personal, también a nivel profesional, pues realizaron diversos programas, tales como, “Chespirotadas” y “Los supergenios de la Mesa cuadrada”, desde 1968 a 1971. Posteriormente protagonizó junto a los actores María Antonieta de las Nieves%
JOHN F. KENNEDY John Fitzgerald Kennedy, es el nombre completo de quien fuera el presidente Nº 35 de los Estados Unidos de América. También conocido como “Jack”, por su círculo de amigos íntimos. De Brookline, Massachusetts, nació el 29 de mayo 1917. Hijo de Joseph P. Kennedy, Sr. y Rose Fitzgerald, una pareja acomodada de la comunidad hiberno-estadounidense. Su padre no solo fue un empresario exitoso y líder de su comunidad sino que también fue embajador de Estados Unidos ante el Reino Unido. Rose, su madre, también era descendiente de políticos. Su padre, abuelo de Jhon, fue congresista de Boston y alcalde. John, vivió y estudió sus primeros años en Brookline, en la Edward Devotion School, una escuela pública, pero solo hasta el tercer grado, luego pasó a una escuela privada. Ingresó al internado Canterbury School, en 1930, un colegio únicamente para varones donde estudió el octavo grado. Al año siguiente continuó estudios en The Choate School, donde se graduó en 1935. Ese mismo año viajó a Londres para estudiar con Harold Lasky, profesor, politólogo, escritor y presidente del partido laborista en el London School of Economics. Sin embargo, no pudo continuar estudios a causa de una enfermedad y regresó a Estados Uni
Cinco Joyas del jazz afrocubano (+videos) El jazz latino es una rama del jazz que se nutre de la fusión de ritmos y formas originarias de la música latina procedente de Puerto Rico, República Dominicana, Brasil, Argentina, y en especial de la cubana, que le aporta elementos propios del son, el mambo, el chachachá y el bolero. Su conformación como un subgénero definido se produce en la década de 1940, aunque la influencia de la música latina en el jazz está presente desde los primeros tiempos de este. Las congas, los timbales, el guiro y las claves son instrumentos de precusión que conforman la sonoridad latina característica de esta música: "Manteca" La idea de "Manteca" se le ocurre a Chano Pozo en 1947, pero como no era arreglista ni músico de academia, se la transmite a Dizzy Guillespie, quien cuenta que «cuando vino ya tenía pensado qué iba a hacer con el contrabajo, cómo iba a arrancar y cómo iban a entrar después los saxos y también los trombones y las trompetas». Finalmente es Walter Gilbert Fuller quien hace los arreglos orquestales, siguiendo las orientaciones de Chano. "Manteca" se ha convertido con el tiempo en un himno del latin jazz: "Tanga" El cantante y director de orquesta Frank Grillo, Machito, fue
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Si caminas por el camino correcto y estás dispuesto a seguir caminando, eventualmente avanzarás" Barack Obama Barack Obama nació el 4 de agosto de 1961 en Honolulú, Hawái. Padres Hijo único del matrimonio interracial de Ann Dunham, nacida en Wichita, Kansas, y PhD en Antropología por la Universidad de Hawái y de Barack Hussein Obama, africano, nacido en Nyang'oma Kogelo, en el Distrito de Siaya, Kenia, y PhD en Economía por la Universidad de Harvard. Cuando Obama tenía dos años, sus padres se divorciaron. Su progenitor obtuvo una beca para cursar estudios en la Universidad de Harvard y no regresó a Hawai. Su madre volvió a casarse con Lolo Soetoro, un hombre originario de Indonesia y pasó cuatro años en Yakarta, donde aprendió a hablar indonesio. Estudios Después volvieron a Hawai y terminó sus estudios escolares. También fue criado por su abuela, una secretaria, y por su abuelo, que sirvió a las órdenes de Patton. Su padre regresó a Kenia, en 1971 tuvieron la oportunidad de reunirse por última vez, antes de que su progenitor falleciese en un accidente automovilístico en 1982. Siendo adolescente trabajó en la tienda de helados Baskin-Robbins. Inició sus estudios superiores en la Universidad de Columbia (Nueva York) y se graduó en la Escuela de Leyes de la Universidad de Harvard (Massachussets) con la ayuda del dinero de las becas y préstamos estudiantiles. Profesor Fue profesor de derecho constitucional en la facultad de leyes de la Universidad de Chicago desde 1992 al 2004. Ejerció como abogado de derechos civiles en Chicago y realizó trabajos comunitarios en zonas empobrecidas de Illinois. Político Empezó su carrera política como senador en el estado, fue elegido para el Senado del Estado de Illinois en 1996, puesto que ocupó durante ocho años. En el 2004 se postuló para el Senado de Estados Unidos y llegó a convertirse en el quinto legislador afroamericano en el Senado, el tercero desde la era de reconstrucción, y el primer demócrata. Ganó relevancia en el panorama político estadounidense durante la convención nacional del Partido Demócrata en Boston, en el 2004 donde pronunció un reconocido discurso en el que instó a cerrar las heridas raciales abiertas en el país, y que le supuso su lanzamiento al estrellato político. Tras anunciar su intención de competir por la candidatura del partido demócrata en febrero de 2007 fue descalificado por sus competidores que le reprocharon que, con solo un periodo como senador en Washington, se enfrentara a políticos con décadas en puestos cercanos al poder gubernamental. Pocos creían que este político, prácticamente desconocido, llegaría siquiera a acercarse a la popularidad que gozaba Hillary Clinton, la favorita para la candidatura demócrata durante largo tiempo.
Kara Walker Artista estadounidense –Confío en mi mano– Una de las artistas estadounidenses más destacadas de su generación. Obras: A subtlety, The Rich Soil Down There, The Emancipation Approximation ... Padres: Gwendolyn y Larry Walker Cónyuge: Klaus Bürgel Pareja: Ari Marcopoulos Hijos: Octavia Bürgel Nombre: Kara Elizabeth Walker "Desafiar y resaltar las dinámicas de poder abusivas en nuestra cultura es mi objetivo" Kara Walker Kara Walker nació el 26 de noviembre de 1969 en Stockton, California. Familia Hija de Larry Walker, pintor y profesor, y de Gwendolyn, auxiliar administrativa. La familia se trasladó a Atlanta, donde su padre dio clases en la Universidad Estatal de Georgia. Se establecieron en Stone Mountain. Estudios Cursó estudios en la escuela de Diseño de Rhode Island y en el Atlanta College of Art. Siluetas En su obra aparecen siluetas de negros y blancos ambientadas en la época preguerra civil americana en situaciones que van desde el linchamiento, hasta las violaciones e incluso la bestialidad. Emplea un estilo de arte del siglo XIX con una perspectiva moderna que intenta destacar la explotación física y sexual. Debutó en una exposición de grupo en el Drawing Center, Nueva York en 1994, y su primera individual, fue en Brent Sikkema y Wooster Gardens, Nueva York, en 1995. Logró notoriedad y buenas críticas desde muy joven. Exposiciones Realizó exposiciones en el Museo del Apartheid en Johannesburgo, The Renaissance Society en Chicago, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art, el Walker Art Center en Minneapolis, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Profesora Se trasladó a Brooklyn, Nueva York, en 2002, y fue profesora de artes visuales en el programa MFA en la Universidad de Columbia desde entonces. Tuvo un estudio en el Garment District, Manhattan, desde 2010 hasta 2017. Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias. En 2007, fue incluida entre las 100 personas más influyentes del mundo por la revista Time. Fue elegida en 2018 miembro de la Sociedad Filosófica Americana. Parejas e hija Casada en 1996 con el joyero de origen alemán Klaus Bürgel. En 1997, dio a luz a su hija Octavia. Se divorciaron en 2010. Posteriormente se relacionó con el fotógrafo y cineasta Ari Marcopoulos.
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